Las 5 mejores series de HBO

¿Te acabas de suscribir a HBO y entre tantísima oferta no sabes por dónde empezar? ¿Necesitas una ayudita para escoger con qué serie ponerte? Te traemos un ranking de nuestras 5 mejores series de HBO para ayudarte a elegir entre la sobredosis de material que te puedes encontrar en una de las plataformas de streaming con mayor calidad y prestigio. Algunas de ellas, consideradas las mejores series de la historia y probablemente las hayas visto (y si no las has visto, deberías de hacerlo ya). Y lo mejor, todas terminadas, para que no tengas que esperar un año entero a que salga una nueva temporada y que entre tanto se te olvide lo que has visto.

A dos metros bajo tierra

A dos metros bajo tierra se estrenó allá por 2001. 5 temporadas, 63 episodios de cerca de una hora de duración y creada por Alan Ball. Una de mis series predilectas, y que más hondo me han calado en esta vida. Comedia negra y dramón, del bueno. Reflexión, mucha reflexión. La serie trata de una familia que regenta una empresa funeraria típica americana y nos lleva de la mano con la vida y la historia de cada uno de sus protagonistas que intentan encontrar su verdadero yo y su lugar en el mundo.

A dos metros bajo tierra – HBO 2001
A dos metros bajo tierra – HBO 2001

El día de nochebuena, Nathaniel Fisher (Richard Jenkins), patriarca de la familia, muere en un accidente de coche mientras esperaba la llegada de su hijo Nate (Peter Krause), y la vida de toda la familia cambia. A dos metros bajo tierra tiene una estructura peculiar, con uno de los comienzos de episodios más originales de la historia. Cada episodio empieza con una muerte, que será la subtrama de cada capítulo, llevándose a cabo el funeral en la funeraria familiar, donde se desarrolla la trama principal. ¿No os llama mucho la trama no? No, no es muy apetecible, pero todo cambia en cuanto has visto el primer capítulo y sientes que la familia Fisher, no es tan distinta de la tuya.

Ganadora de 6 Emmys y 3 Globos de Oro.

Los Soprano

Los Soprano se estrenó en 1999 y fue uno de los éxitos más grandes de HBO y definitivamente la serie que marco un antes y un después dentro de la televisión y las series como las conocemos hoy en día. Si, así te lo digo, no tendrías ni las series que tienes hoy si no hubiera existido los Soprano. 6 temporadas, 86 episodios de unos 50 minutos y creada por David Chase.

Los Soprano – HBO – 1999
Los Soprano – HBO – 1999

Los Soprano nos cuenta la vida y andanzas personales y laborales de una familia de la mafia de Nueva Jersey. El capo Tony Soprano (James Gandolfini) está estresado, en plena crisis de la mediana edad y con ataques de ansiedad y recurre a una psicoanalista, la doctora Melfi (Lorraine Bracco). Su familia, tanto mujer e hijos, como la familia de la mafia, italoamericanos con sus costumbres y tradiciones, nos dejarán junto con Tony muchísimas referencias al cine de mafia y también una buena dosis de comedia negra.  Exploración de la condición humana y de los conflictos morales y existenciales desde la mente de un capo de la droga.

Ganadora de más de 20 premios Emmy, 5 Globos de Oro e infinitos premios más.

The Wire

The Wire se estrenó en 2002, creada por David Simon, con 5 temporadas y 60 episodios de 1 hora de duración. La serie está ambientada en Baltimore, Maryland, y trata sobre las escuchas telefónicas judiciales delegadas a un grupo de policías. David Simon se basó en su experiencia trabajando en la sección de sucesos del Baltimore Sun.

The Wire – HBO – 2002
The Wire – HBO – 2002

En The Wire se tratan temas como la corrupción de la policía, los cárteles de drogas y la miseria derivada del narcotráfico y el consumo de drogas. La serie quiere mostrar la realidad de la vida de Baltimore lo más fielmente y muchos de los personajes están basados en personas reales del lugar siendo algunos de ellos quienes se interpretan a sí mismos. Un tremendo serión, caracterizado por tener uno de los episodios pilotos más aburridos de la historia pero que si logramos superar y empezar el segundo, estaremos alabando como serie.

The Leftovers

The Leftovers es una serie de drama intriga, sobre la que no profundizaremos mucho ya que como muy muy fans de la serie que somos, hemos dedicado uno de nuestros especiales con varios artículos, que no te recomendamos leer hasta que al menos la hayas empezado (ante todo somos sinceros). La serie salió en 2014, creada por Damon Lindelof y Tom Perrotta y consta solo de 3 temporadas y 28 episodios, por lo que es ideal si no te quieres aventurar a una serie muy larga.

The Leftovers – HBO – 2014
The Leftovers – HBO – 2014

En resumen: de repente desaparece el 2% de la población mundial, sin explicación ni lógica, y la gente tiene que reponerse a este suceso y seguir sus vidas. La historia tiene lugar en la ciudad de Mapleton en Nueva York y gira alrededor de Kevin Garvey (Justin Theroux) y su familia, una secta que nace con estas desapariciones y la eterna búsqueda de la esperanza de sus protagonistas.  

Boardwalk Empire

Boardwalk Empire es una serie de 2010, creada por Terence Winter, que consta de 5 temporadas y 56 episodios. Un drama de época, neo-noir basado en hechos reales sobre el crimen y la mafia. Se centra en el personaje de Enoch “Nucky” Thompson (Steve Buscemi), un destacado político que lleva el control en Atlantic City, Nueva Jersey, en los años de la ley seca. Nucky se relaciona con gánsteres, agentes del gobierno, políticos y varios personajes históricos. Nucky lleva un estilo de vida llamativo, costoso y lujoso y esto llamará la atención del gobierno que comenzará a investigar las turbias conexiones de Nucky con la mafia.

Boardwalk Empire – HBO – 2010
Boardwalk Empire – HBO – 2010

Martin Scorsesse dirige el capítulo piloto y entre el reparto podemos ver caras conocidas que también veremos en Los Soprano, serie de la que os hablamos hace unos párrafos como el propio Buscemi, Dominic Chianese, Aleksa Palladino o Greg Antonacci.

Ganadora de 13 premios Emmy y 2 Globos de Oro.

Si no te ha convencido ninguna de nuestras 5 favoritas…

Bored to Death, comedia y cine negro en formato sitcom, sobre un escritor que se hace pasar por investigador privado, con Jason Schwartzman y Zach Galifianakis entre el reparto.

The Night of, miniserie de 8 episodios ganadora del Emmy a mejor actor en miniserie (Riz Ahmed) en 2017, sobre un joven paquistaní acusado de asesinato en Manhattan.

True Detective de la que ya os hemos hablado y dedicado varias entradas de la cual, al menos yo, solo puedo recomendar una impresionante primera temporada auto conclusiva de 8 episodios, protagonizada por Matthew McConaughey y Woody Harrelson sobre la investigación de unos asesinatos en Lousiana, que nuestros dos protagonistas se ven obligados a retomar después de unos años de su primera investigación.

Bored to Death HBO
Bored to Death HBO
The Night of HBO
The Night of HBO
True DeteTrue Detective HBO Entertainmentctive HBO Entertainment
True Detective HBO Entertainment

Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno

El universo Mad Max, universo postapocalíptico, pero ante todo, un universo de fortaleza por sobrevivir en lo que probablemente algún día será el universo de nuestros descendientes. ¿Qué mejor forma de sobrellevar lo que nos viene encima? Cuando lleguemos al mundo del mañana mañana, que sea recordando obras como esta.

Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno, es la tercera película de la saga Mad Max, dirigida por George Miller y George Ogilvie en 1985, y que continúa con las aventuras de Max Rockatansky en un mundo mucho más apocalíptico y steampunk que en sus películas predecesoras.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Argumento Mad Max 3

Mad Max recorre el desierto en una carroza remolcada por camellos hasta que Jedediah (Bruce SpenceCapitán Gyro en Mad Max 2) un aviador que vuela junto a su hijo, se la roba. Max se dirigirá tras el ladrón hasta Negociudad, la ciudad en medio del desierto dirigida por Tía Ama (Tina Turner) donde esta le propone un trato para devolverle todas sus pertenencias: enfrentarse en la cúpula del trueno a Maestro y Golpeador, (Angelo Rossitto, El Maestro y Paul Larsson, Golpeador) los jefes del subsuelo donde se produce el metano, a base de mierda de cerdo y que es el nuevo oro, junto al agua.

BSO Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno

Empezamos la película con One of the living de Tina Turner, temazo que entra junto a los créditos y que nos hace ponernos en lo mejor, en el tremendo peliculón de Mad Max que nos viene encima, ¡después de haber visto las dos anteriores, no esperamos menos! Un Max desmelenado, apenas envejecido en un arduo desierto, con los restos de sus vestimentas aún más mugrientas y ese ritmo ochentero. Todo pinta genial.

Llegamos a Negociudad, y empieza a sonar Bartertown de Maurice Jarre. No podría haber tema más acorde para introducirnos en este nuevo mundo, en esta nueva ciudad, que una canción tan misteriosa y ceremoniosa como esta. Los cortes con el saxo que tendremos en las siguientes escenas al menos a mí, me hacen concebir Mad Max 3 como una película mucho más musical que las anteriores. Y eso es así.

Coming Home, suite de 15 minutos, correspondiente a varias escenas o The Children, otro de los temas incluidos en la película de Maurice Jarre. Cuando los niños encuentran a Max y lo llevan al valle, a ese paraíso con agua y verde en medio del desierto. Música alegre, esperanzadora y que volverá a repetirse a partir de aquí en más momentos. El disco de la banda sonora se lanzó en 1985 por Capitol Records, reeditado bastantes veces por diferentes sellos.

Estética y vestuario

La estética, el vestuario, la ambientación de Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno, cambia notablemente en comparación con las dos películas anteriores. En Negociudad hay una mezcla de estilos marcada, que combina las distintas culturas que han ido confluyendo en este lugar.

El vestuario sigue teniendo claras connotaciones a la estética bondage que vimos en Mad Max 2. Destacable ese momento en él que dos de los secuaces de Tía Ama suben el ascensor a mano, donde la falta de cuero es lo que hace destacar a este. El atuendo de Tina Turner, jefa de Negociudad, digno de estudio y rodeado por una impresionante melena larga y rubia. Cual cota de malla medieval, con sus hombreras sobre exageradas de virutas de acero y unos pendientes que al menos a mi me recordaron a los slinkies con los que jugábamos en los 90 (esos muelles de colorines que tirábamos por las escaleras)

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Mad Max 3: más allá de la cúpula del trueno incluye a mayores un estilo mohicano para los adeptos de Tía Ama, que visten una mezcla de tocados hechos con plumas, calaveras o crines y atuendos con carácter militar, dejando claro que de guerreros se trata. Peinados muy cherokees, muchas crestas y colas de caballo. En el submundo, destaca más el estilo steampunk, donde los restos de chatarra están más presentes. Golpeador con ese rollo más de cuero, pecho al aire… Onda Humungous de la segunda entrega de Mad Max.

Y finalmente, los niños que rescatan a Max en el desierto, que han creado su propia tribu, y visten de forma cercana al niño de la selva: pieles de animales, capuchas con cabezas de aves, algún cacho de ferralla, poco más que un taparrabos y lanzas. Y el culmen de los niños del mundo del mañana mañana, es la gorra del Capitán Walker que entregan a Max, con un pato encima. Tremenda.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Esta tercera entrega, nos dejará de nuevo elementos estéticos que serán rescatados junto con otros de las demás películas de la saga de Mad Max, en Fury Road, la última de las películas estrenada en 2015.

Epílogo en el mundo del mañana mañana

Mad Max 3: más allá de la cúpula del trueno es una película mucho más familiar que las anteriores, sobre todo pasados los primeros 45 minutos. Tiene una clara división, ese momento en el que los niños entran en escena y Max pasa a ese papel de padre salvador, en la que el argumento y el ritmo pierden algo de fuelle, y se hace un poco más pesada de ver en comparación con las dos primeras películas de Mad Max. Se esperaba mucho de ella, y decepcionó. El mundo creado por George Miller ha evolucionado, pero nosotros no, nosotros seguimos esperando gasolina, persecuciones, violencia y bizarrismo.

Ya no hay coches, no hay gasolina. Hay metano, hay trueque, hay circo, arena y soledad. Hay un personaje que vende agua radiactiva. Los niños crecen sin conocer su pasado, el lenguaje ha evolucionado, el mundo pasado suena a fantasía. Los duelos se resuelven a muerte dentro de una cúpula donde dos hombres entran, uno sale. Donde los excrementos de los cerdos sirven para alimentar unas luces de neón que fueron tendencia, aunque no se recuerde ya el momento. El mundo del mañana mañana es el único atisbo de esperanza y conservación de la humanidad.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

El prólogo con el que comenzamos Mad Max 2: El Guerrero de la Carretera, en el que el niño, ya mayor, nos cuenta como el mundo ha llegado a tal declive, se convierte aquí en un epilogo en el que Savannah Nix (Helen Buday) cierra la película en el mundo del mañana mañana, en el hogar que buscaban, los restos de lo que habría sido alguna ciudad, donde los niños siguen creciendo y cada noche, recuerdan con un cuento, cuál es su pasado.

Conclusión

En general, está bien. Es una evolución que no le gusta a todo el mundo, del universo de George Miller Mad Max, pero es su evolución, su crecimiento, y como tal, hay que quererla igual. Aunque se le haya ido un poco con el argumento, sigue teniendo esa atmósfera postapocalíptica de Mad Max, una banda sonora increíble, y un conjunto de vestuario y fotografía que la hacen tan mágica en ese aspecto, como las anteriores.

Mad Max 2 El Guerrero de la Carretera

Como buena gallega con un poco de inquietud por la cultura del rock gallego, aun no habiendo nacido ni cuando salió la peli y casi a la par de cuando salió la canción, canturreaba mucho antes de haber visto Mad Max, eso de “!Y mírate Max, estás hecho una pena Max, estás hecho una pena!Siniestro Total incluyó en su disco En beneficio de todos, este tema en 1990, nueve años después del estreno de Mad Max 2 El Guerrero de la carretera, la cual marco un movimiento cinematográfico contracultural y punk cargado de distopía y rebeldía consumista.

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera es la segunda película de la saga de Mad Max, en la que Mel Gibson continúa interpretando al gran Max Rockatansky y que nos cuenta la historia de una comunidad de colonos que se ve obligada a luchar contra los merodeadores. Estrenada en 1981 y dirigida por George Miller.

Argumento Mad Max 2

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera sucede 5 años después de la primera entrega. Estamos en un escenario apocalíptico y postnuclear en el que ya casi no queda civilización, no hay ley, no hay normas, no hay vivienda, no hay hogar, y no hay sociedad equilibrada en un mundo, como se veía venir en la primera película, cada vez más demente. La gasolina es uno de los bienes más preciados y escasos.

El Mad Max que conocemos hoy en día, se forma tras la pérdida de su familia al final de Salvajes de Autopista. Se convierte en un héroe solitario que busca venganza de forma involuntaria. Vemos a Max después del prólogo inicial siendo perseguido por Wez (Vernon Wells) y su pareja Golden Youth (Jerry O’Sullivan) en una moto además de otros vehículos.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Tras esta persecución en la que Max sale airoso y consigue recolectar gasolina, sigue su rumbo, el cual le llevara a conocer a Capitán Gyro o Gyrocopter (Bruce Spence) y junto con el llegan a una refinería donde una colonia de supervivientes luchas contra los merodeadores que intentan robarles la gasolina. Max empezará una lucha para ayudarles a defenderse de estos ataques liderados por Humungous (Kjell Nilsson), el líder del clan.  

Un argumento simple, defender una colonia de los atacantes. Pero con mucho ritmo, acción y vehículos que hacen que se nos pase el tiempo volando. Pocos diálogos, de Mel Gibson de quien menos (y gracias, porque el doblaje en español no le hace justicia)

Prólogo de una época de caos

Si algo empieza llamando la atención de esta secuela es la introducción. Nos encontramos con un prólogo en el que nos relatan como el mundo se fue a la mierda tras el holocausto nuclear, como la gasolina es una de las cosas más importantes que quedan y como Mad Max se ha convertido en un guerrero de la carretera. El niño salvaje que vemos durante esta entrega, será quien nos narre, ya de mayor, esta introducción.

“Mi vida se apaga… mi vista se oscurece… sólo me quedan recuerdos. Recuerdos que evocan el pasado. Una época de caos, de sueños frustrados, este páramo. Pero, sobre todo, recuerdo al Guerrero de la Carretera, al hombre que llamábamos Max.” Niño salvaje

Imágenes de archivo, que vistas ahora 40 años después parecen casi reflejar el mundo que nos espera cada vez más cercano. Guerras, explosiones, manifestaciones, imágenes a modo de resumen de la primera película de Mad Max, en un formato cuadrado que te hace dudar sobre si está mal la película, y que te hace plantearte como serán 95 minutos en este formato. Pero no, es solo la introducción, y ya pasamos a una de esas persecuciones tan guapas de Mad Max con vehículos estrafalarios y mucho polvo.

A modo de dato curioso, decir que, en Australia, donde Mad Max: Salvajes de autopista triunfó y se convirtió en una película que marcó historia dentro de su cine, esta introducción no existe, ya que, obviamente, no necesitaban que les explicasen de donde viene Mad Max ni el mundo postapocalíptico en el que transcurre.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Estética y ambientación.

En Mad Max 2, la estética y el vestuario, siguen la línea de la primera película. Por parte de la parte atacante, cada uno lleva un poco su estilo, tenemos diferentes personalidades casadas por el uso de piezas de metal cual chatarrero andante o desguace ambulante. La diseñadora Norma Moriceau fue la encargada de vestir a la tropa de Humungus.

Con una inspiración claramente fetichista donde la estética del sadomasoquismo es una de las más presentes en los merodeadores a base de cuero, correas, collares… Esta conexión con la homosexualidad está presente no solo en el vestuario si no también en los personajes, donde no hay mujeres, y algunos como Wez y Golden Youth son pareja. Obviamente, una provocación que dejó más huella creativa en el espectador, que la causada en la crítica especializada de cine en la época.  

La ambientación, en este mundo muerto, se complementa con la localizaciones desérticas y arenosas, rotas solo por el asfalto y vehículos viejos, oxidados y modificados para sobrevivir al máximo.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Vehículos de Mad Max 2

Los vehículos son otra de las características representativas de las películas de Mad Max. En Guerrero de la carretera se utilizaron sobre 80 vehículos diseñados como una obra de arte para cada escena, entre coches, buggies, motos, camiones y el famoso girocóptero popular de Mad Max. La persecución final, quizás la mejor, de 13 minutos, en la que el camión cisterna se estrella es una obra maestra, tanto por el peligro que conllevaba como por su brutalidad como broche final.

En cuanto a los coches de Mad Max 2, tenemos desde un Chrysler by Chrysler del 71, un Chrysler Valiant Charger 770 al que vemos atado a uno de los colonos muertos, un precioso Desoto Firesweep del 59, un Ford Customline del 56, Ford F-100, Ford Fairlane, Ford Landau, varios Ford Falcon entre ellos el GT351 de Mad Max, un Holden Monaro del 71…

Conclusión

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera es una perfecta continuación del mundo en decadencia que nos presentaban en Salvajes de autopista, prosiguiendo así lo que se acabaría convirtiendo en la saga de películas más importante del género postapocalíptico. Entretenimiento, diversión y ante todo, enaltecimiento de la subcultura de los ochenta.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Mad Max, coches, gasolina y autopista

Mad Max: salvajes de autopista está repleto de motor, carretera y como no, clásicos de los que nos gusta recordar, aunque en este caso, no solo los coches son los vehículos protagonistas (y aquí Ford es la gran marca estrella), ya que contamos con unas cuantas motos.

Ford Falcon, la gran estrella

El vehículo principal que más asociamos con esta película, es el Ford Falcon, el coche de la policía, el Interceptor.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

El Ford Falcon ha sido uno de los coches más importantes y famosos de Australia, donde hasta hace unos años se encontraba la última fábrica de Ford que producía este modelo, el cual fue precursor en la industria automovilística del país y llegó a ser durante mucho tiempo, uno de los vehículos más vendidos en Australia.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Lo vemos en distintas versiones del Ford Falcon, pero la edición más especial es la “Pursuit Special”, una versión GT351 limitada del 73, y modificada por Jon Dowding, el director artístico de Mad Max. Un coupé de techo rígido del cual solo se fabricaron unos 1.000 coches. Max lo utiliza al final de la película para perseguir a Toecutter (también llamado en la película el corta dedos o corta uñas) y su banda tras la muerte de su familia y nos deja algunas de las imágenes más míticas de esta película.

Vemos el Ford Falcon XB Sedan de 1972 como el coche de los Interceptor en la primera escena de Mad Max, dejando una de las escenas más célebres: el Ford Falcon y el del Jinete Nocturno pasan entre un niño pequeño que cruza la calle dejando los nervios a flor de piel entre que pasan y no, y empezamos ya imaginándonos un horror de escena nada más empezar.


Tenemos también otro par de modelos del Ford Falcon, más antiguos. Un Ford Falcon Deluxe Wagon del 60 y un Ford Falcon XK del 61.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Holden Monaro HQ V8 para el Jinete Nocturno


Otro de los coches protagonistas de Mad Max: salvajes de autopista, es el Holden Monaro HQ V8 del 72, con el que empezamos la película. En este coche se produce la primera persecución entre los Interceptor y el Jinete Nocturno que será el desencadenante del resto de la historia. Se trata de un modelo básico y manual (recordemos ese plano de los pies descalzos sobre los pedales del Jinete Nocturno).

Chevrolet Bel Air, Holden Sandman y Holden EJ


Otro de los coches que captarán nuestra atención es el Chevrolet Bel Air del 59, en el que la joven pareja de enamorados escapará de la banda de motoristas. Ver como acaba este precioso coche por parte de los vándalos, hace que se nos encoja el corazón.


Tenemos también un Holden Sandman del 75, un auténtico icono australiano de la época. Se trata del coche familiar de la familia Rockatansky. Lo vemos por primera vez cuando Max se va de vacaciones con su familia, teniendo la mala suerte de pinchar una rueda y parar a repararla en el lugar equivocado.

La mujer de Max, va a comprar un helado y se encuentra con la banda de Toecutter. Acaba dándole una patada en los huevos a este, se escapa, la banda la persigue, y entre ellos, uno de sus miembros que acaba perdiendo una mano que se queda enganchada en el coche. Coche que no da más que disgustos ya que finalmente se estropea causando así el fatídico desenlace para la familia Rockatansky. El frontal del vehículo fue sustituido por un HJ Caprice con faros Ford XC GXL.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Otro de los Holden que vemos en Mad Max es el Holden EJ del 63 totalmente destartalado en el que Jim el Ganso carga su moto después de accidentarse. Finalmente es embestido por la banda de motoristas dejando muy mal parado a nuestro Ganso.

Kawasaki reina en las motos de Mad Max


Entre la lista de motos que tenemos en Mad Max esta la Honda CB 750 FourKawasaki Z 1000 A1Kawasaki Z 900 A4 del 76, Kawasaki KH 250 B2 del 77 entre unas cuantas más que se nos escapan a nuestros conocimientos e información. A modo de curiosidad sobre las motos de la banda de Teocutter, algunos de los moteros eran miembros del club de “Los Vigilantes” y las motos, 14 de ellas, fueron regaladas por Kawasaki para que los actores practicasen antes con ellas.


A lo largo de las cuatro películas de la saga de Mad Max se han empleado, modificado y construido sobre 150 vehículos entre coches, motos, y demás, creando híbridos grandiosos con piezas de diferentes automóviles que nos sumergen mucho más en un mundo distópico alimentado por el motor y la gasolina.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Mad Max salvajes de autopista

Argumento de Mad Max

Ambientada en una Australia desértica y en un futuro distópico y totalmente demente, marcado por la escasez de recursos y en crisis social total, Max Rockatansky, policía de la Patrulla de Fuerza Central se verá envuelto en una guerra entre motoristas salvajes y los policías Interceptor, encargados de la vigilancia de las carreteras. La gasolina y los vehículos, son uno de los bienes más preciados en este mundo en decadencia, donde las bandas de criminales son cada vez más depravadas y bestias. Durante una persecución, Max acaba con el Jinete Nocturno, el líder de la banda de motoristas, y estos comienzan así la venganza por su muerte.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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George Miller y la saga Mad Max

42 años han pasado ya desde que Mad Max: salvajes de autopista, se estrenara en 1979 y diera inicio a una de las sagas de ciencia ficción postapocalípticas más maravillosas e inspiradoras. Dirigidas todas por George Miller, Mad Max: salvajes de autopista, es su opera prima bestial.

En 1981 se estrenó Mad Max 2: el guerrero de la carretera, donde el estilo punk postapocalíptico de la película continuó popularizándose. En 1985 salió Mad Max: más allá de la cúpula del trueno, donde Tina Turner acapara el protagonismo no solo por su papel si no por la interpretación de algunas de las canciones de la banda sonora, y en 2015 se estrenó la última (de momento) Mad Max: Furia en la carretera, protagonizada por Tom Hardy y Charlize Theron, la cual obtuvo muy buena recepción y ovación por su enaltecimiento del feminismo.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Reparto y personajes principales

El protagonista de esta historia distópica es Max Rockatansky, un jovencísimo Mel Gibson de 23 años que como curiosidad acudió al casting lleno de moratones y con la cara hinchada tras una pelea y para acompañar a su hermana. Se ganó el papel gracias a su aspecto desfigurado y al coste de contratarlo, ya que Mad Max era su segundo trabajo en el cine y uno de los que lo lanzó a la fama.

Max es un joven formal, enamorado de su esposa y su hijo, hogareño, que combina este ideal familiar bucólico con su trabajo como policía en un mundo loco y en declive. El personaje de Mad Max que conoceremos en las siguientes películas vendrá originado tras la pérdida de su familia lo cual transforma a Max en un guerrero solitario y aparentemente carente de emociones.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Joanne Samuel interpreta a Jessie Rockatansky, la esposa de Max. Nos deja junto con Max algunas de las pocas escenas románticas de la película, como los mensajes en lengua de signos con su marido o la escena idílica de los dos en el campo acurrucados tras regar el helecho. A pesar de que el trasfondo que mueve a Max es el amor por proteger a su familia y la venganza por la pérdida de esta, la sexualidad en la película es básicamente palpable de forma violenta y angustiosa.

Hugh Keays-Byrne es el CortadedosCortauñas o Toecutter, el villano de la película y líder de la banda de motoristas que causan el terror. George Miller contó de nuevo con él en Mad Max Furia en la Carretera, de 2015, en esta ocasión interpretando a el enmascarado Immortan Joe.

Steve Bisley interpreta a Jim “el Ganso” Rains, uno de los mejores amigos de Max y su compañero en el MFP. Nos deja algunas de las escenas más memorables en moto de la película. Lo vemos por primera vez en una cafetería contando una historieta, cuando suenan las sirenas y sale corriendo. Acaba teniendo un accidente en la moto y al día siguiente lo vemos en otra escena mítica en la que está jugando en una Kawasaki KH 250 con su pierna enyesada y una manzana en la boca a pecho descubierto.

En cuanto al resto del reparto tenemos a Tim Burns como Johnny the Boy, el detonante para el ataque al Ganso y a quien Toecutter pone siempre a prueba, Roger Ward interpretando a Fred “Fifi” Macaffee, el jefe de policía que no dejará escapar a Max del cuerpo, Geoff Parry como Bubba Zanetti, otro de los miembros de la banda de motoristas, o Vincent Gil como Crawford Montazano, el Jinete Nocturno.

Estética e influencias en Mad Max

La estética de Mad Max es otro de los puntos fuertes que han prevalecido y marcado la película. La indumentaria en general, y la estética es claramente un contraste entre los policías y la banda de moteros.  Los policías, con sus trajes de cuero, algunos embutidos cual chorizo que no entiendes ni como se mueven, sudorosos, con ese rollito dominante bondage.

Por otro lado, la banda de moteros, con un carácter punk, macarra y contracultural, cada uno con una vestimenta más extravagante que el otro, maquillajes que se mezclan con mugre y una sexualidad bastante ambigua. El combo estético de ambos frentes, crea ese escenario distópico y en decadencia el cual se supone que se vería así a los ojos del público en el 79 cuando salió la película.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Mad Max tiene un top de escenas que nos quedarán grabadas en la mente, con esos detalles de salvajismo o humor. Cuando los ojos se le salen de las órbitas antes de chocar, tanto al Jinete Nocturno al principio de la película como a Toecutter al final, tan serie B pero tan jodidamente guapas y que han pasado a la historia, como otras más cómicas como Johnny the Boy encendiendo la cerilla con la cremallera de la chaqueta de Toecutter, o ver a Fifi Macaffee enfundado en cuero y con el torso al aire mientras riega sus plantitas.

En ciertos momentos, la mezcla de la estética, de la brutalidad y del salvajismo me han recordado a La naranja mecánica de Stanley Kubrick del 71. Por ejemplo, la escena en la que la banda de motoristas persigue a la pareja que conduce el Chevrolet Bel Air del 59, con una atmósfera inquietante y terrorífica en la que realmente no nos muestran violencia alguna y dejan casi todo a la imaginación. La percepción de la policía, donde el crimen se castiga con violencia y sea como sea, trae también influencias a Harry el Sucio de Don Siegel.

Como conclusión rápida, Mad Max: salvajes de autopista es una película imprescindible del género de acción y distopía, que se adelanto en su tiempo y ha marcado el cine en muchos aspectos,  y que nos ha dejado una saga de otras tres películas guapísimas (no entraré de momento en debate de si mejores o peores que la primera)

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Song to Song, un videoclip poético improvisado

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

Song to Song videocreación de Terrence Malick

Aunque aún ahora podemos ver Song to Song, la película de 2017 y rodada unos cuantos años atrás, se estrena ahora aprovechando la falta de contenido en cines por la situación actual del covid. La llamamos película, pero yo no la consideraría como tal. La ponen a caer de un burro. Yo personalmente no considero que sea para tanto, pero sí admito que no es una “película” fácil… No es entretenimiento para pasar el rato, porque en muchos momentos se hace muy muy pesada.

Más que una película, es video creación, que en algunos momentos a mi me recordaba a una especie de videoclip poético… cine de autor le llaman… Pero la cuestión es que hay que ser muy tolerante y abierto de mente audiovisualmente hablando para conseguir verla entera y encontrarle el sentido a Song to Song.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Elenco lleno de estrellas musicales

Entre su elenco, veréis más caras conocidas que desconocidas. Michael Fassbender (Cook), Ryan Gosling (BV), Rooney Mara (Faye) y Natalie Portman (Rhonda) son sus protagonistas. Los cuatro protagonistas con sus relaciones románticas algunas entrecruzadas y que acaban llevándolos a la obsesión y traiciones todo dentro de la escena musical de Austin. Song to song es una apología al amor y a la música.

Entre actores que aparecen, así como a saludar, tenemos a Cate Blanchett, Patti Smith, Val Kilmer, Trevante Rhodes, Angela Bettis, Bérénice Marlohe, Florence Welch, Holly Hunter, Iggy Pop, algunos de los Red Hot Chili Peppers, Lykke Li, Austin Amelio, Olivia Grace Applegate, Linda Emond, Tom Sturridge…

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Song to Song. Pensamientos como narración

La narración de la historia transcurre a base de pensamientos con voz en off por parte de sus cuatro protagonistas, con imágenes que van saltando en el tiempo y que hacen que tengamos que estar un 200% atentos si queremos entender una mínima parte.

La interpretación de los actores está totalmente separada: movimiento, gestos y emociones perseguidos por una cámara sin aparente ton ni son, como un baile libre a modo de documental o de teatro, con gesticulación y lenguaje corporal como base. Por otro lado, sus pensamientos que se van desvelando y entrecruzando con su voz en off que doblada, en ocasiones te hace dudar de a quien pertenecen. Muy pocas conversaciones en toda la película, aunque de las más destacables son las que Faye tiene con Patti Smith.

La cámara juega constantemente con los actores, que parece que van recorriendo todos los sets de rodaje improvisando, (aunque según Ryan Gosling, durante el rodaje de la película no se utilizó ningún guion). Intenta ser tan realista como si fuese un documental que acaba mareando, con excesos de gran angular.  Por momentos casi le gritas al televisor que se esté quieto y te deje ver al completo por unos segundos el plano. Y este es uno de los motivos que ayuden aun más a que sea difícil de seguir.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Algo que me llamaba mucho mientras veía Song to Song eran las localizaciones, la arquitectura de esas mansiones de lujo, los paisajes tan naturales que de repente se mezclaban con escenas de festivales o con estampas típicas tejanas. Se desarrolla en el marco de la escena musical de Austin (Texas), donde se ruedan la mayoría de las escenas de bares, restaurantes y hoteles, así como las de los festivales en el Austin City Limits, el archiconocido SXSW o el Fun Fun Fest.

Estas son las localizaciones más musicales de la película donde aparecen varios de los músicos – estrellas invitadas. Incluye escenarios en la ciudad de Mérida en Yucatán como el puerto y playas del Progreso, la calle 80 en el centro de la ciudad o cafeterías clásicas de la zona.

Banda sonora, saltando de “Song to Song”

En cuanto a la música, tenemos una banda sonora constante. Saltando de Song to Song. Pero no es un musical, como leí hace años cuando se empezaba a hablar de la película. Ryan Gosling, quien no solo ya tiene experiencia en musicales como La la land, sino que además tiene su grupo de música desde hace más de 13 años (que personalmente me parece bastante bueno), a penas toca algún instrumento del cual casi no podemos escuchar su interpretación.

Michael Fassbender, canta por unos segundos literales, aun también teniendo su experiencia en Frank, donde interpreto cantando a su personaje.  A mi parecer, desaprovechados musicalmente ambos actores en la película.

Aquí os dejo un enlace a los créditos de la banda sonora de Imdb que no he contrastado en absoluto, pero sí que he reconocido algunos temas como los de Patti Smith o como no, el primero que escuchamos en la película de Die Antwoord.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Mini Spoiler sobre la historia.

Faye (Rooney Mara), parece encantada siendo objeto de deseo a pesar de su talante desalentadora y su batiburrillo sentimental. Cuando se da cuenta de que está arrastrando a su vacío de vida a BV (Ryan Gosling) decide reaccionar. Este, músico enamorado y conquistador cual recuerdo de El diario de Noa, calca como siempre su papel de romántico, etéreo, sensible y espiritual… Y Cook (Fassbender) más cercano a encasillarse en su papel de depredador y obseso sexual por si no fuera poco con Shame o 12 años de esclavitud.

Rhonda (Natalie Portman), la protagonista con más fuerza de los cuatro, pero sin embargo la que menos minutos ocupa de la película, es una camarera creyente y devota que se ve engatusada (o que quizás estaba deseando engatusarse) por Cook y todo el vicio que le rodea en su mundo de lujo y que acaba con la pobre chica.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

The Affair es filosofía, controversia y reflexión.

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

“¿Qué pasaría si pudiésemos retroceder y tomar una decisión distinta en nuestro pasado? Tu primera vida continua como tal sin cambios, pero en el momento de la decisión aparece una segunda vida siguiendo una tangente hasta un universo paralelo, así que en cierto modo, viviríamos ambas vidas.” Noah Solloway

Sinopsis de The Affair

The Affair trata sobre Noah (Dominic West)Alison (Ruth Wilson) y su affair. Como esto afecta a sus matrimonios, las consecuencias de sus actos y todo lo que viene con la historia. Noah es profesor de instituto y escritor que está viviendo las frustraciones producidas por la paternidad, las presiones sociales en torno al estatus económico y la crisis de los cuarenta. Está casado con Helen (Maura Tierney), hija de un famoso escritor de éxito con quien tiene cuatro hijos. Alison es una joven camarera, casada con Cole Lockhart (Joshua Jackson) con quien ha tenido un hijo que ha fallecido y ha destrozado su vida y su matrimonio.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
The Affair – Showtime Networks, Inc.

Noah y Helen viajan a Montauk, un precioso pueblo pesquero al final de Long Island, donde residen los millonarios padres de Helen, para pasar las vacaciones de verano, y por su parte Noah aprovechar para escribir su segunda novela. Noah y Alison se conocen en el restaurante donde ella trabaja, el Lobster Roll, escenario que será relevante a lo largo de la serie. La atracción y la química es inmediata y con ello comienza la plenitud y la desgracia.

La memoria narrativa y las variaciones del recuerdo

The Affair se aborda en su primera temporada desde el recuerdo de los dos protagonistas. A la vez, la serie se centra en un punto fijo en el presente, hacia donde se dirigen contándonos el inicio de su relación y el desarrollo de la historia, dejando preguntas en el aire creadas a partir de las distintas versiones de la historia de ambos protagonistas, mientras son interrogados por el detective Jeffries (Victor Williams), quien investiga un asesinato.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
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Conocerlos por separado, como se perciben el uno al otro mutuamente, no solo consiguió engancharme si no hacerme participe de la historia. Llegar a sentir que eres Noah y sentir ala vez que eres Alison. Poder ponerte en el lugar de ambos personajes, intentar dar sentido a lo vivido por cada uno. Sin darnos cuenta, buscamos una veracidad en las dos narraciones que no existe, ya que tendríamos que cuestionar algo tan abstracto como: “que es la realidad?”

The Affair nos plantea un problema filosófico. Determinar qué es real y qué no, es motivo de debate desde los inicios de la historia. Estamos ante una obra de ficción, a todos nos queda claro, es una serie de televisión, y sin embargo, el hecho de estar saltando del recuerdo de Alison al de Noah, nos hace plantearnos dentro de una clara ficción, “¿cual es la realidad?”.

Lo vulnerables y frágiles que se recordaban los protagonistas a sí mismos, y lo atractivos e insinuantes que parecían ante los ojos del otro. Y aquí, otro planteamiento que nos proponen, no solo en referencia a la serie y a esa realidad que buscamos en cada versión de la historia: los recuerdos.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
The Affair – Showtime Networks, Inc.

Durante la primera temporada de The Affair me resultó mucho más fácil ponerme en la situación de Noah, a pesar de ser esa “mala persona” para la gran mayoría, que destroza su familia, engaña a su mujer… Creo que lo que me interesó de el fueron sus actos, el romper con todo a pesar de las consecuencias, hacer lo que realmente quieres, jugártelo todo a lo que surja, tirar la razón a la basura, dejarte llevar por el deseo y el instinto, por el instinto del sexo, tan primitivo y tan fundamental, que parece algo olvidado hoy en día, momento en el que se habla más de sexo de lo que se practica.

La liberación del dolor y del individuo a través al sexo es la forma de vida de Alison, al cual recurre en su matrimonio para evitar la asfixia con la que convive por el dolor de la pérdida de su hijo, de la que se culpa en todo momento. El sexo y la muerte son dos lineas que se entrelazan constantemente en The Affair.

La segunda temporada de The Affair: 4 puntos de vista.

Las acciones de Noah, románticas e impulsivas, sin control aparente, pasarán a tener una explicación mucho más personal y ambiciosa en la segunda temporada, donde la evolución psicológica de Noah se acaba de gestar y se revela al completo, no solo con sus actos a lo largo de la serie, si no que también durante una sesión con su psicóloga, donde el verdadero Noah nos da muestra de nuevo de su crisis existencial aún más acentuada, de su narcisismo, y nos confiesa sus motivaciones intrínsecas.

Y aquí, en este capítulo (2×10) de The Affair, en el que estamos seducidos aún por los restos del apasionado affair de Noah y Alison, algo termina de romper la pasión (pasión que ya se fue quedando atrás al comienzo de temporada). Aún así, me fue imposible no comprender los impulsos de Noah, no reflexionar junto a el y disgustarme por el fin del amor utópico.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
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Alison es quizás el personaje más complejo y al que no acabaremos de conocer bien nunca. A los ojos e Noah, una sexy y solitaria camarera, frustrada por su matrimonio y que busca en el un pasatiempo veraniego. Conforme avanza la serie, esta percepción de Noah sobre Alison irá cambiando y poco a poco la personalidad de ella será más semejante desde ambas perspectivas.

Alison se ve como una persona sin rumbo, deprimida y desesperada, indefensa tras la muerte de su hijo e infeliz. Se siente desamparada y ve en Noah a una persona que tiene la necesidad de protegerla. Para ella, el es la respuesta a sus llamadas de auxilio y la persona que la hará cambiar su visión tóxica de la vida. A la vez, su inseguridad hace que se sienta como una ilusa que se deja engañar por el aire contemporáneo y fresco de Noah, que cree y la llevará a un mundo poderoso y salvaje desea y necesita.

En la segunda temporada de The Affair, se incluyen los puntos de vista de Helen y de Cole, lo cual enriquece la serie y nos permite ver la historia desde más ángulos, y sobretodo, conocer la parte afectada por el affair. Helen, a quien desde los recuerdos de Noah tendremos como una persona que solo se preocupa por las apariencias, condescendiente, amenazante y controladora, también tiene cierta oscuridad, infundada mayormente por sus padres, quienes nunca aprobaron a Noah.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
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A lo largo de la segunda temporada de The Affair, Helen mostrará su crisis, su lado más vulnerable, la locura transitoria fruto del descontrol de la situación, y también su lado más bondadoso cara a Noah, aunque acabaremos descubriendo el porqué de tanta “bondad”.

Cole se ve a sí mismo como el responsable de todas sus desgracias y es un penitente consagrado. Para el Alison es su máxima, junto con su familia y su rancho. Sin embargo, a los ojos de Alison, Cole es una persona maníaca y tóxica, que la arrastra a la infelicidad y que solo le recuerda a su hijo. Añadiendo la visión Cole a la narrativa de la serie descubrimos a un personaje totalmente distinto que nada tiene que ver con lo que los recuerdos de Noah y Alison nos han contado de el.

Tercera temporada: el club de la lucha

En la tercera temporada de The Affair nos encontramos con un giro total. Aunque en esta ocasión pasamos de cuatro puntos de vista a cinco, con la incorporación de una tercera mujer, Juliette (Irène Jacob), la temporada gira enteramente sobre Noah. Alison, Cole y Helen quedan en un segundo plano y Juliette es una pieza totalmente prescindible en la historia.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
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Noah se reafirma de nuevo como culpable absoluto del caos total de su vida y nos desvelará gracias a su “club de la lucha” con John Gunther (Brendan Fraser) un agente de prisión y compañero de instituto de Noah, un caos que no solo viene derivado de su historia de amor, si no que tiene su germen en la adolescencia de Noah y en su familia.

Una temporada mucho más dramática, confusa y perturbadora con una final crudo y abierto, que deja lugar a la imaginación para la cuarta temporada.

Colin Donnell y su House of Rising Sun

Scott Lockhart (Colin Donnell), personaje secundario a quien no presté mucha importancia de primeras, hermano de Cole y cuñado de Alison, acabará siendo estrella por una noche, brillando dentro de su desgracia y su declive. No solo por su cometido en ese punto fijo del presente al que nos lleva la serie en sus dos primeras temporadas, si no que también por el cierre de la segunda y la interpretación con su propia voz de “House of Rising Sun”. Y a quien el conjunto de su voz y esa mirada que parecía que ya desprendía una despedida no le ponga la piel de gallina, que se lo haga ver…

Localizaciones en The Affair

Long Island y Montauk, un pequeño pueblo pesquero del extremo oriental de la isla, un sitio tranquilo y turístico, son las localizaciones principales de la serie. El Lobster Roll Restaurant, el hotel The End, el rancho Lockhart, las playas de Montauk, la estación de tren, la biblioteca, el faro…

La gran mayoría de las localizaciones exteriores de la primera temporada de The Affair se llevan a cabo en Montauk, estando presentes también en la segunda y tercera, donde Brooklyn y otros escenarios cobran más protagonismo. La isla de Block Island fue mostrada tal cual es, tanto en el capítulo 4 de la primera temporada como en el capítulo 5 de la tercera, dejándonos un impresionante panorama de los acantilados de Mohegan, del Block Island Southeast Light o de las calles y tiendas de la isla.

The Affair – Showtime Networks, Inc.
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Escenarios naturales y costeros, que dejan olor a salitre y parecen trasladarnos a un paraíso idílico a pie del atlántico, donde por sus carreteras a penas pasan coches, y las playas pertenecen solo al océano.

Sink back into the ocean

En The Affair, a lo largo de toda la serie, hay referencias constantes al agua, desde las localizaciones a la canción de apertura de la serie “Container” de Fiona Apple, compuesta especialmente para al serie… “Sink back into the ocean”… Noah practica natación a diario y consiguió entrar en la universidad gracias a una beca por sus méritos como nadador, algo que contrasta con el pánico al agua de Alison desde que su hijo se ahogase.

Las constantes escenas en la ducha, las conversaciones y reflexiones en la playa con el océano de fondo, el pueblo pesquero donde nos dan una pequeña muestra del trabajo de los marineros, la afición al surf por parte de la familia Lockhart, los trayectos en el ferry a Block Island o las diversas escenas en piscinas y jacuzzis donde pasarán algunos sucesos bastante destacados en The Affair.

“A veces daba una especie de salto enorme hacia mi interior, y veía como se comportan los demás desde una ventana. Tenia la sensación de verlo todo muy claro desde ahí. La forma en que la multitud crecía y menguaba, iba hacia un lado y cambiada de dirección, como la marea. Me sentía mejor al estar alejada del resto, estaba sola, estaba a salvo.” Alison Bailey

The Leftovers. La no aceptación del fin, sea cual sea.

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Damon Lindelof y Tom Perrotta creadores de The Leftovers.  

Damon Lindelof y Tom Perrotta son los creadores de The Leftovers. La novela, The Leftovers, de Tom Perrota, sirve como conductora e inspiración de la serie en la primera temporada. HBO compró los derechos del libro en 2011 antes de su publicación. Tom Perrotta es un escritor americano, novelas suyas como Little Children o Election han sido adaptadas al cine y nominadas como mejor guion adaptado a los Oscar. Ha participado en la adaptación de su novela The Leftovers y participado en la serie como productor ejecutivo.

Damon Lindelof, conocido por ser uno de los creadores y guionistas principales de Lost, serie de la que sigue arrastrando con él, tantos años después, duras críticas por su final. Estas críticas sobre su anterior trabajo no han dejado intacta a The Leftovers: muchos detractores de Lindelof ni siquiera le dieron una oportunidad a la serie, o la vieron buscando comparativas cuando no las une nada más que la fantasía. Muchos dudamos sobre si su final nos daría una decepción, pero yo creo que es una sensación natural tras tantas desilusiones con series que se vienen a menos con el paso de las temporadas o con sus finales (o la simple no aceptación del fin, sea cual sea).

Desde la primera temporada, The Leftovers ha estado salpicada por críticas con respecto a su falta de respuestas, de explicaciones racionales sobre el argumento de la serie. Mientras tanta gente se obcecaba buscando estas explicaciones, se olvidaban de centrarse en lo que nos planteaba la serie, el día a día de los personajes, su personalidad, su evolución, y lo que es mejor aún, el dejarnos con las dudas, con la expectativa de que pasará y porque habrá pasado, esa incertidumbre que hace que la imaginación de cada uno pueda echar a volar y desarrollar tramas independientes.

Queríamos respuestas, que nos den todo masticado y no quede nada suelto, no vaya a ser que la creatividad y la inteligencia del espectador ate cabos… pues sí, hay que esperar al final de la serie para tener nuestras respuestas y, aun así, de boca de una de sus protagonistas, así que, para los vagos, quizás hasta sea un final decepcionante, ya que tendremos que tirar de imaginación y recrear en nuestras mentes lo que Nora nos relata.

The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

Repaso del final (obvio con spoilers)

Para hacer un repaso, El libro de Nora (nombre el último episodio de The Leftovers) trae de vuelta a Nora después de sumergirse en la máquina que la trasladaría a ese otro mundo paralelo donde estaría ese 2% de los desaparecidos en la marcha repentina. La serie nos traslada aproximadamente 15 años después de los últimos acontecimientos, y nos trae una versión envejecida que ya nos enseñaron en el primer episodio de la temporada. Nora ahora es Sarah, se dedica a las palomas mensajeras, y vive retirada de su vida pasada, de Kevin y todos los demás, salvo Laurie. Kevin se presenta en su casa, con un reencuentro duro pero tierno, recordándonos que el amor, mueve montañas y también The Leftovers.

Al final del episodio, Nora le cuenta a Kevin su versión: cruzó a esta realidad paralela que pertenece a los desaparecidos, ese 2%, una realidad mucho más dura donde han tenido que asumir que el 98% de la población desapareció, pero donde a pesar de esto, son felices. Vio a sus hijos y a su marido desde la distancia, pero sitió que no era lugar para ella. De nuevo, contactó con el creador de la máquina y regresó a su mundo original, a este en el que está con Kevin y el otro 98%.

Esta narración de Nora pone fin a la serie, pero no da una explicación sobre el porque despareció ese 2%. Y ahí, lo bonito para mí. Poder continuar con una serie que ya ha terminado, en nuestras cabezas, imaginándonos esa explicación que queremos y haciéndola a nuestro antojo.

The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

La aceptación de la existencia y de la verdad.

Sobre esta narración final de Nora hay dos teorías o especulaciones por ahí rondando, aunque, como ya dije, cada uno puede interpretar el final de The Leftovers como mejor le parezca. Sobre Kevin para algunos está muerto para otros es el mesías, ha muerto y regresado varias veces, dejó de ser inmortal cuando destruyó el otro lado… abierto al parecer de cada uno.

Una de las especulaciones, la que defiende el propio Justin Theroux es que Nora miente y no viajo a otra dimensión. Normalmente, a lo largo de la serie, cuando se narran hechos pasados estos van acompañados de flashbacks que nos ayudan con imágenes a darle forma a estas historias (tratamos más a fondo el tema de la narración de The Leftovers en este artículo) Nora da esta versión a Kevin para que él la abandone y poder seguir sumergida en su drama. Pero Kevin acepta, o más bien, le da igual si es la verdad o no, porque lo que quería era a Nora y ella está de regreso en su vida.

The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

Si recordamos el penúltimo capítulo, cuando Nora está en la capsula a punto de estar ya cubierta por ese líquido extraño, da un grito no muy inteligible, que hubo quien interpretó como un “sacadme de aquí”. Y a partir de esto, la teoría de que nunca viajo y de que se escondió durante todos estos años por el sentimiento de culpa de no haber sido capaz de volver con su familia, y de ahí, que su versión sea una mentira por no poder aceptar esta verdad.

Sobre la historia de Nora, la otra teoría, es cuestión de fé. Solo Nora nos lo cuenta. Solo vemos su cara. De esta forma, The Leftovers se eleva con su simbolismo de forma superior como serie. Aquí otra interpretación de que esto se narre sin ayuda de imágenes de flashbacks. ¿Es real lo que cuenta Nora? Nora lo narra, Kevin lo acepta y llega la paz, por fin. El sistema de creencias, de la fé, de que lo que aceptemos como verdad nos traiga esa paz.

La cuestión es que, creamos lo que creamos sobre este final de The Leftovers, es indiscutible que se trata de un cierre brillante y que pone un bonito y muy reflexivo broche final a una de las series mas profundas de los últimos años y otra serie estrella más para la colección de HBO.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC

The Leftovers. Una narrativa adictiva y una banda sonora de lujo

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The Leftovers: Narración con especulación adictiva

La serie funciona a base de una narrativa impecable. La información nos llega dosificada en cada capítulo y nos abre un mundo mágico, del que parece que el espectador escapa cada vez más (y que nos lo den ya masticado), que es el de dejar volar la imaginación, y construir nuestras propias teorías y especulaciones con la serie. Podríamos hacer un apartado sobre la “explicación del final” (quizás hasta lo haga) pero, la marcha repentina, la trama gorda y principal de The Leftovers, no tiene explicación racional y cerrada. La explicación a este suceso queda a la interpretación de cada espectador. Podemos construir nuestras teorías e hipótesis, podemos darle el sentido que queramos.

Otro ejemplo son los Remantes Culpables, la secta. Iremos conociéndolos muy poco a poco, a cuentagotas, hasta casi llegar a empatizar con ellos y ¿porque no? Echarnos a fumar como obsesos y callarnos para siempre.

Además de irnos desvelando datos nuevos que nos ayudan a construir cada una de las tramas en cada episodio, la estructura narrativa se presenta, además, mayormente, desde la perspectiva de cada personaje continuando la narración. Con esto se consigue que profundicemos más en la personalidad de cada uno de los personajes, como por ejemplo en el capítulo 3 de la primera temporada, que está centrado en Matt Jamison, el reverendo.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

En este episodio nos cuentan la infancia de Matt, o como recibe una paliza por intentar separar a los desaparecidos en la marcha repentina entre buenos y malos, sacando trapos sucios de algunos. También nos introducen a su mujer, quien ha tenido un accidente el día de las desapariciones misteriosas y se ha quedado enferma como consecuencia de ello. Y, otro detalle muy importante, que hasta ese episodio desconocíamos, que es la relación familiar entre él y Nora Durst quien también tiene su propio episodio en la primera temporada, el capítulo 6.  

Banda sonora de lujo para The Leftovers creada por Max Richter

Las primeras escenas, llevan consigo uno de los temas principales de la serie, melodía que cada vez que suene nos traerá momentos de inquietud y de catarsis en la historia, y que será junto al resto de la banda sonora, uno de los principales recursos dramáticos en The Leftovers.

Max Richter, pianista y compositor británico, es el creador de temas como On the Nature of Daylight que aparece en películas como Shutter Island de Scorsesse o La Llegada de Denis Villeneuve, entre otras, y es el compositor del impresionante tema de la cabecera de la serie en su primera temporada; de canciones como The Departure, el tema principal de la serie y que aparece en distintas versiones en las tres temporadas,  o De Profundis, creadas para asociarse con personajes, momentos y sentimientos; música instrumental y contemporánea a base de piano, cuerdas y algo de electrónica.

Cada personaje tiene asociadas ciertas melodías, por ejemplo, el protagonista, Kevin Garvey (Justin Theroux). Un tema tierno a piano, para los momentos más emotivos y sensibles, y otro misterioso y mucho más oscuro, orquestal y electrónico, que reflejan la frustración y confusión del personaje.

Como en cualquier obra audiovisual, la música sirve para aumentar la potencia emocional de una escena, pero en The Leftovers además se recurre a ella en un sentido irónico descolocándonos con el contraste entre la música y los actos (capítulo 2 de la tercera temporada, escena en la que Nora y Erika saltan en una cama elástica tras romper a llorar y desahogarse la una con la otra… a ritmo de hip hop). La repetición de las melodías, asociadas a personajes y sensaciones, emocionan y cambian la forma de percibir la escena, y hablaremos sobre este recurso a lo largo del artículo con más ejemplos.  

Secuencias de apertura bucólicas

Las cabeceras de The Leftovers van cambiando cada temporada. La primera, impresionante tanto musical como visualmente, con una canción compuesta por Richter. En este opening, con claras connotaciones religiosas que hacen referencia a la ascensión y partida de los desaparecidos (obra del ilustrador Jon Foster), la canción, que mezcla una melodía bastante oscura y triste con las imágenes, a modo de frescos religiosos en los que se da mayor muestra aún del dolor y la aflicción que se nos viene encima con la serie.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

La segunda cambió totalmente con la balada country Let the mystery be de Iris DeMent. Es una canción mucho más alegre que funciona acompañada de fotografías de gente en momentos felices en los que alguien sale diluido, dejando el hueco para la persona que ha partido. Contraste claro, recurrente en la serie, entre la oscuridad de la narración y la canción casi festiva.

Y en la tercera cada capítulo tiene un tema para los títulos de crédito y visualmente continúan con la misma cabecera de la segunda temporada. Desde una versión del Personal Jesus a 1-800 Suicide de Gravediggaz entre otros.

Ooh, stop. Where is my mind

La artífice del resto de la banda sonora de la serie junto con Max Richter es Liza Richardson, supervisora musical de The Leftovers y de muchas otras como Territorio Lovecraft, Narcos, Friday Night Lights o The Affair. Richardson ha sido la responsable de la selección de alrededor de 300 canciones y negociación de derechos de las mismas en la serie. Temazos como Retrograde de James Blake en el primer episodio durante el desfile conmemorativo por los que han sido arrebatados, con banda de música, policía cual desfile militar y gente con pancartas y camisetas de sus familiares desaparecidos mientras nos enseñan al mismo tiempo a los Remanentes Culpables en su totalidad. 

Otro tema que me viene a la mente, en un capítulo al que hago referencia en la narración de The Leftovers, es Take me to Church de Hozier, el cual es usado en los títulos de crédito finales del capítulo 3 de la primera temporada, dedicado al reverendo Matt Jamison, y que es especialmente significativa como cierre debido a su letra y al motivo del episodio en general.

Y siguiendo con el cura, el capítulo 5 de la segunda temporada nos muestra a Matt cuidando de su esposa enferma, día tras día, enseñándonos imágenes muy duras, que nos sacarían la lágrima, pero, retomando es contraste que actúa como personaje irónico durante toda la serie, tenemos este capítulo especialmente duro marcado por una canción de country pop que cambia por completo la atmósfera cruda en la que vive el reverendo dedicado a su mujer. El tema en cuestión es Let Your Love Flow de The Bellamy Brothers.

I’m Not The One de los Black Keys nos introduce el capítulo 4 de la primera temporada de The Leftovers como si de un programa de “Así se hace” del Discovery Max se tratase, en le que vemos la producción de una fábrica de muñecos, de los cuales, uno se convertirá en niño Jesús y protagonista del episodio.

En el capítulo 6 de la primera temporada, al que también hacemos referencia cuando hablamos de la narrativa de la serie un poco más abajo, dedicado íntegramente a Nora Durst, podemos escuchar Angel Of Death de Slayer cuando esta le pide a la prostituta que le dispare. Mención especial a este episodio, en el que también se incluye un clásico como Don’t Dream It’s Over de Crowded House, y del cual se podría hacer íntegramente un buen post analizando cada aspecto de la serie y de Nora, personaje clave.

En el tenemos algunas de las reflexiones más hondas de la primera temporada de la serie entre Santo Wayne y Nora (alguna de ellas las hemos mencionado en el primer artículo sobre The Leftovers), momentos de esta mujer y de su trabajo que nos ponen la piel de gallina o un cierre de episodio con Pass Them By de Agnes Obel, que te dejan el cuerpo para el arrastre psicológico. Encontramos también otras participaciones de esta gran voz en otros momentos de la serie.

The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

Pero, sin duda, la canción que ya de por sí, remueve conciencias, corazones, estómagos y nos pone la vida patas arriba, sea donde sea que la escuchemos, versionada por quien sea que la versione, sea cual sea a la obra audiovisual a la que se preste como banda sonora (porque la hemos escuchado en El Club de la Lucha, Los 4400, Mr. Robot, Californication… e innumerables más) es Where is my mind, de los Pixies.

En The Leftovers, si no fuera poco escuchar la versión original que siempre será una de las mejores, nos encontramos con que esta canción se utiliza como recurso sonoro habitual, quitando un poco de protagonismo a Max Richter, con una versión a piano interpretada por Maxence Cyrin y que yo al menos, me atrevo a decir que está al mismo nivel de la original.

Hay muchísimas mas canciones que enumerar en The Leftovers, pero terminar este artículo escuchando esta versión a piano y al mismo tiempo recordando ciertas escenas, es un cierre perfecto. Si no estás preparado para dramas, que te duela un poco el corazón y disfrutar con ello, mejor busca otra. Imposible no deshidratarme en lloros ahora mismo.

The Leftovers – La eterna búsqueda de la esperanza

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“La duda es fuego, y ese fuego te quema hasta reducirte a cenizas” Patti Levin

Sinopsis The Leftovers

The Leftovers empieza desarrollándose 3 años después de la Marcha Repentina, un acontecimiento inexplicable en el que el 2% de la población mundial desaparece misteriosa y súbitamente. La familia Garvey y la ciudad de Mapleton en Nueva York son el eje de la historia; acompañados por el Remanente Culpable, una secta que nace tras la desaparición; Nora Durst, una mujer que ha perdido a toda su familia, o el reverendo Matt Jamison. Entre todos ellos dan inicio a la serie, que crece tratando de dar explicación a lo ocurrido 3 años atrás y enseñándonos lo difícil que puede ser coexistir junto a la locura y el dolor global producidos por un suceso así.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

La serie comienza enseñándonos explícitamente los hechos del 14 de Octubre cuando ocurrieron las desapariciones. Una mujer está hablando por teléfono antes de arrancar el coche con su hijo llorando a grito pelado. De repente no se escuchan los llantos y ella ve que su hijo no está en la silla del coche. A partir de aquí, empieza la angustia, en el segundo minuto del primer capítulo, los gritos de una mujer llamando a su hijo se mezclan con los de un niño llamando a su padre, un coche chocando y las voces de más gente preguntándose qué ha ocurrido.

“Nadie desea sentirse mejor, están deseando explotar.” Kevin Garvey

La analogía entre Kevin Garvey y los perros: paralelismos en The Leftovers 

Kevin Garvey (Justin Theroux), uno de los protagonistas principales de la serie y nexo del relato con todos los demás personajes. Es un padre de familia, jefe de policía de Mapleton y una persona atormentada y confusa, pero con una resistencia firme. Tras el bombazo inicial que nos muestra la Marcha Repentina, 3 años después de lo ocurrido, los medios de comunicación nos dan datos estadísticos sobre las desapariciones, cifrando por países el número de desaparecidos a la vez que vemos a Kevin Garvey haciendo su rutina de deporte matinal.

En esta carrera tiene lugar el primer encuentro de Kevin con un perro, animal que será un recurso importante a lo largo de toda la serie y con diferentes simbolismos que van evolucionando.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

Los perros estuvieron presentes en el momento de las desapariciones, y en la serie se nos plantea que estos animales enloquecieron y volvieron a su estado primitivo y sin domesticar, asustados y rabiosos. La condición en la que se encuentran estos animales es un paralelismo con lo que le ocurrió a la mayoría de la población mundial que no desapareció, y el retorno al estado de confort y la superación del trauma tanto para los animales como para los humanos será la esperanza a la que se agarre nuestro protagonista.

Dean (Michael Gaston), un hombre trastornado que a lo largo de la primera temporada se dedicará a matar perros y también a hacernos dudar tanto de su existencia como de sus verdaderas intenciones, será el acompañante de Kevin en sus viajes sonámbulos.

Remanente Culpable: el recuerdo vivo de lo que con desesperación intentáis olvidar.

Laurie Garvey (Amy Brenneman) esposa de Kevin, se ha unido a la secta del Remanente Culpable después de la Marcha Repentina. Madre de Tom (Chris Zylka) hijo de una relación anterior pero criado por Kevin como su auténtico padre, y de Jill (Margaret Qualley) hija de ambos. Laurie era una exitosa psicoterapeuta y madre de familia, hechos que se nos muestran en el capítulo 9 de la primera temporada, un capítulo a modo de flashback justo antes de terminar la temporada que aun rompiendo la progresión narrativa nos viene genial para poder terminar la primera etapa de la serie comprendiendo un poco mejor que paso el 14 de Octubre y como lo vivieron cada uno de nuestros protagonistas.

The Leftlovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

“La diferencia entre tu y yo es que yo acepto que pasara. Mientras tú lo das de lado, mientras lo ignoras, nosotros nos deshacemos de lo que nos distrae de pensar en ello, nos deshacemos de cualquier distracción que nos impida acordarnos de ello. Nos deshacemos del apego, del miedo, del amor, del odio y de la ira, hasta que estamos borrados. Hacemos borrón y cuenta nueva. Nosotros somos el recuerdo vivo de lo que con desesperación intentáis olvidar.” Patti Levin

El Remanente Culpable es una secta que nace a raíz de las desapariciones. Liderada por Patti Levin (Ann Dowd), la secta (que no se define a sí misma como tal) dicen ser el recuerdo vivo de los desaparecidos y tener como misión que nadie olvide la Marcha Repentina. Visten de blanco, fuman sin parar, y no hablan tan siquiera entre ellos (con sus excepciones), tan solo se comunican escribiendo. Se definen como pacíficos, no violentos, características que también vendrán a menos con el paso de los episodios.

Captan a sus miembros estudiándolos cuidadosamente, buscan gente vulnerable y que no ha superado la pérdida (y si creen que lo han superado, ellos harán algo para que vuelvas a caer en el foso de la angustia y el recuerdo del trauma). Persiguen y acosan a “los que se quedaron”: fumando, de pie, quietos y con la mirada fija y vacía, los esperan en cualquier lado; en sus casas; a la salida de su trabajo, o mientras cenan en un restaurante, llegando a causar histeria en la mayoría de sus víctimas y también en el espectador.

Opinión

En mi opinión, quizás lo más duro de llevar de The Leftovers es la ansiedad y la perturbación que causa el Remanente Culpable, y uno de los motivos para decir que es una serie dura de ver si llegamos a empatizar con lo que pueden sentir sus víctimas o los reclutas de la secta. Las victimas ceden ante los Remanentes por agotamiento, falta de propósitos y esperanza, o buscando en ellos apoyo y comprensión. Sus miembros, son muertos en vida que tienen como propósito hacer comprender al resto de la población que el mundo se ha terminado, que no se puede salir adelante y olvidar.

Meterse demasiado de lleno en The Leftovers puede causar ansiedad y nerviosismo. Y ganas de fumar. Entre estos miembros, tenemos a Megan Abbott (Liv Tyler), recién captada por Laurie y Gladys (Marceline Hugoten el primer capítulo, será una de las principales líderes del Remanente y quien radicalizará la secta y la llevará a Milagro.

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The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

“Crees que siempre vas a sentir ese dolor, si en algún momento se te pasa, tú buscas de nuevo, ¿verdad? Quieres matarte, pero no suicidándote, porque para quien está conectado a todos los vivos existe esperanza. Un perro vivo es mejor que un león muerto. La esperanza, es tu debilidad. No quieres tenerla porque no te la mereces. Nora, te mereces la esperanza. He visto mi muerte y sobrevendrá muy pronto, esta es tu única oportunidad, y la pregunta es la misma, ¿quieres sentirte así de verdad?”. “Santo Wayne”

El Santo Wayne y el arte del diálogo

En cuanto al resto de personajes, tenemos a Jill Garvey, hija pequeña de Kevin y Laurie, una adolescente de 17 años que aparte de tener que lidiar con la adolescencia pura y dura, tiene que conseguir vivir en un mundo trastornado tras la Marcha Repentina, sin una madre que la ha abandonado para unirse a una secta y con un padre que cada día que pasa pierde un poco más la cabeza. Su único apoyo en su amiga Aimee (Emily Meade), que arrastra con ella una tensión sexual con Kevin más que palpable y que atormenta aún más a Jill.

El otro pilar de la familia Garvey y sin el que Jill tiene que vivir, es su hermano Tom, quien se ha unido a otra especie de secta de seguidores del “Santo Wayne” (Paterson Joseph). Henry “Santo Wayne” nos dejará unos cuantos diálogos dignos de recordar y que, de nuevo, unidos a la banda sonora, serán momentos memorables de The Leftovers. El “Santo Wayne”, promete sacarte y curar el dolor, mediante el abrazo. Actúa como placebo y a muchos le funciona. Si crees, funciona. Y tanto, ya que la gente paga dinerales por reunirse con él y que les quite el dolor.

Tom es el encargado de llevar a esta gente hasta Wayne, y también, de velar por la seguridad de una de sus chicas asiáticas en las que deja las semillas del próximo mesías.

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The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

“Fuiste bueno conmigo, y cuando estábamos juntos recordaba quien era antes de que todo cambiara. Pero fingía, fingía que no lo había perdido todo. Quiero creer que todo puede volver a ser como era, que no estoy rodeada de las ruinas de una civilización muerta, que aún es posible intimar con alguien, pero es más fácil no hacerlo. Es más fácil porque soy una cobarde, y no podría soportar el dolor, otra vez no. Se que no es justo, tú has perdido mucho también, y eres fuerte, sigues aquí, pero yo no puedo quedarme.” Nora Durst

La religión, la fe, la esperanza y el amor son las premisas fundamentales de The Leftovers.

Hacia el final del primer episodio, conocemos a Nora Durst (Carrie Coon), el personaje que más alto ha llegado en The Leftovers y que más seguidores ha conseguido. Es presentada como la mujer que ha perdido a toda su familia (sus dos hijos y su marido) y ella es la encargada de dar el discurso en la ceremonia del “Día de los Héroes”, en el que recuerda un día perfecto con su familia en la playa y uno horrible los cuatro enfermos en cama.

Un discurso con recado para el espectador: “el mejor día de mi vida fue unos meses antes del 14 de Octubre, pero yo no lo sabía (…) no pido aquel día perfecto en la playa, dadme aquel sábado horrible, con los cuatro enfermos y sintiéndonos fatal, pero vivos y juntos”. Ahora que cada uno interprete el recado a su manera, bastante obvio.

The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC
The Leftovers – Hbo – Warnermedia LLC

Otro de los personajes importantes en la serie, lo conoceremos también en este “Día de los Héroes”, el reverendo Matt Jamison (Christopher Eccleston) y hermano de Nora, cuya labor es desmitificar a aquellos que se fueron en la Marcha Repentina sacando a relucir las malas acciones que estos cometieron o sus allegados, lo cual, no le trae muchos amigos. Tanto Nora como Matt irán ganando protagonismo a lo largo de la temporada y en las dos posteriores donde serán pilares fundamentales de la serie. Con referencia a esta desmitificación y a la Marcha Repentina o también conocida como Ascensión, es obvia la relación con la religión y cristianismo que salpican The Leftovers.

El arrebatamiento (termino también usado en la serie), una idea común en algunas ramas del cristianismo en Estados Unidos, en la que un grupo selecto de cristianos será “arrebatado” de la Tierra y ascendido al cielo para no tener que sufrir el Apocalipsis y el Juicio Final. Así es que la religión, la fe, la esperanza y el amor son las premisas fundamentales de The Leftovers.

Primera conclusión de The Leftovers

The Leftovers es una serie bastante compleja y de la que hay mucho que contar, y espero en otros post seguir desgranando la serie y avanzar un poco más en las dos temporadas siguientes, la evolución de la historia y de sus personajes. 100% recomendable como obra audiovisual, pero dura, al menos para mí. Ahora, en tiempos de pandemia, diría que no muy recomendable incluso, ya que no es una serie fácil, no hay alegrías, hay apocalipsis.

Psicológicamente no creo que cualquier momento sea bueno para verla. No por no disfrutarla, si no por no aprovechar la reflexión a la que nos puede llevar la serie estando con los cinco sentidos en ella. The Leftovers está dentro del top 5 de series de mi vida, y aun pasando los años y viendo cada día más series, ahí sigue manteniéndose.

True Detective – Rustin Cohle y Martin Hart

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

Aunque la línea argumental de True Detective trata sobre estos terribles crímenes de un asesino en serie, el drama de la vida personal de Rust y Martin lleva el ritmo de la historia. Durante todos los años en los que se desarrolla la serie, vivimos los hechos que fueron haciendo evolucionar a los personajes contados de su propia boca.

La doble vida de Rust en True Detective

Tras dejarlo caer en el primer episodio, en el segundo de True Detective tenemos una doble confesión de Rust sobre su vida y lo que lo ha llevado a fortificar su carácter desmoralizador y crítico. Un Rust en 1995, contándole a su compañero Martin sobre la muerte de su hija y separación de su mujer unos años antes, de una manera aún muy nostálgica, triste y afligida; y, a un Rust en 2012, declarándose ante los detectives, haciéndonos saber esta misma información que ha dicho a Martin en el pasado, pero con muchos más detalles sobre su trabajo cuando estuvo infiltrado en narcóticos y su paso por el psiquiátrico.

Rust:

“Pienso en la arrogancia que hace falta para arrancar un alma de la inexistencia y traerla aquí. Carne. Traer una vida a la fuerza a esta porquería. Así que mi hija, ella, me salvó del pecado de ser padre”

El Rust que relata los hechos a los detectives, dista mucho del que vemos en 1995, peinado, con su traje y corbata, y ese aire misterioso que tiene un algo que atrapa. Ese aire entre elegante y chulesco mientras conduce relatando sus visiones, sus flash back químicos, dejándolo caer para dejarnos más en el misterio de lo que le habrá pasado (daría para otra serie) e irritando a los detectives con el tema de su expediente clasificado. La personalidad de Rust se va desarrollando poco a poco de forma asombrosa. Es esa capacidad analítica y observadora, sus miradas, ese aire introvertido, la conexión personal que se pueda llegar a establecer con su personaje y su mundo interior y psicológico, lo que más me fascina.

Una escena de True Detective en la que puedo decir que Rust me cautivo, es en el segundo episodio cuando va a visitar al motel a la prostituta con la que ya habló en el primer episodio. Va a junto ella a buscar metacualona para dormir. Mientras empieza a hablar observa por la ventana de espaldas a la chica, dando muestra de su debilidad, impaciente y frío, en una curiosa habitación con una cama llena de pastillas y peluches. Ella se insinúa pero el sigue hablando sin mostrar el mínimo interés sexual y negando sus ofrecimientos con la boca llena de pastillas como un niño saboreando caramelos.

Martin Hart, impostura típica

En el segundo capítulo también nos encontramos con ese Martin Hart seductor y su amante Lisa Tragnetti (Alexandra Daddario). Martin está felizmente casado con Maggie y tiene dos niñas. Maggie Hart será más adelante quien cree con su venganza hacia Martin un giro en la historia personal de los dos detectives. Hasta el momento, es una amable ama de casa inocente y enamorada de su marido, que nada se huele sobre la infidelidad de su marido. Quien si lo huele, literalmente, es Rust, dándonos la primera escena de enfrentamiento entre los dos compañeros. Martin se siente descubierto y cuestionado por Rust, aunque es el propio Martin quien se descubre a si mismo y quien de alguna manera se siente mal por sus hechos.

Rust:

“Si te has levantado sin poder soportarte, por mi bien”.

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True Detective HBO Entertainment

Rust:

Que es esto, ¿un puticlub de los bosques?

Nos encontramos sobre la mitad del segundo episodio con un camping de caravanas en medio del bosque. Lo que podría ser una ensoñación para algunos, imaginándose un bosque lleno de mujeres de ocasión deseosas de hombres, se apaga en cuanto se observa la antítesis entre la miseria y la explotación, y la comunidad y hermandad entre las chicas. Martin reprocha ala celestina del lugar sobre la edad de una de las chicas, y en ese momento, en el que aún estás recordando que 15 minutos antes Martin se acostaba con una jovencita (si, esa chica, la de la escena por la que algunos se han tragado True Detective entera con esperanza de ver culos y tetas sin argumento. Ese capítulo que supera en visionados a cualquier otro de la serie.) Al cual responde la señora dejándolo sin palabras:

“Es el cuerpo de una mujer no? La mujer es la que decide. Las chicas andan por ahí follando a todas horas y lo hacen gratis. Porque si añades el negocio a todo esto los chicos como usted no lo soportan? yo se lo diré: Es porque de pronto ya no lo poseen como pensaban hacerlo.”

Martin se despide de la joven dándole un billete y diciéndole, “dedícate a otra cosa”. Y claro, unos capítulos más adelante veremos lo mucho que este billete y estas palabras de Martin han hecho por esta chica tan agradecida. De este lugar además de los supuestos momentos de decencia de Martin, también desentierran el diario de Dora Lange, en el cual se cita al “Rey Amarillo” y “Carcosa“, además de un folleto de una iglesia.

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Banda sonora para recordar de True Detective

Mientras Martin está en una amargada visita familiar en casa de sus suegros, Rust sigue con su investigación, preguntando a la gente por Dora Lange y acompañado por un temón de Steve Earle (además de un gran cantante y compositor de contry y rock de Virginia, se trata de “Walon”, el ex-adicto a la heroína que vimos en The Wire).

Otro tema muy interesante de la banda sonora de True Detective, “Kingdom of Heaven” de la banda tejana de los 60, The 13th Floor Elevators, nos lo encontramos al final del segundo episodio. Rust y Martin van en busca de la iglesia a la que puede hacer referencia el folleto que se han encontrado en el diario de Dora.

Se trata de una escena cargada de simbolismos y referencias, de los cuales escribiremos más a fondo en otro post: el búho sobre la iglesia quemada, esa espiral que forman los pájaros volando y que imita la forma del símbolo que aparece en la espalda de Dora Lange, o el dibujo en la pared de la iglesia emulando la figura de la victima cuando la encuentran en el campo de cañas de azúcar a las afueras de Erath. Es una escena con una gran fotografía que nos enseña desde diferentes planos estas reliquias calcinadas, y la maravillosa escenografía que consigue trasladarnos a el ambiente oscuro que manifiesta la serie al completo y que pone fin al segundo episodio y abre el tercero. 

La religión es un virus del lenguaje, que reescribe conexiones cerebrales, que anula el pensamiento crítico.

Otras de las joyas reflexivas de “El señor carisma“, como le llama Martin en su declaración a los detectives, ocurren al principio del tercer episodio cuando Rust y Martin, escuchan al predicador de la iglesia “Amigos de Cristo”, Theriot (Shea Whigham, Boardwalk Empire) con su gran tupe a lo Elvis avivando la fe de sus seguidores. En un estado como Louisiana, donde los condados se denominan parroquias, las iglesias itinerantes y los predicadores son el pan de cada día, y la religión es uno de los pilares de la sociedad.

Rust:

¿Que coeficiente intelectual medio crees que tendrá este grupo?

Martin:

¿Estás viendo Texas desde ese caballo tan alto?, ¿Qué sabrás tu de esta gente?

Rust:

Yo solo observo y deduzco. Veo propensión a la obesidad, pobreza, ansia de cuentos de hadas… Gente que echa los pocos pavos que tiene a la cesta que van pasando. Se puede afirmar que ninguno va a fusionar un átomo Martin.

Martin:

Te das cuenta? es tu puta actitud. No todos quieren sentarse solos en una habitación vacía empollando manuales sobre crímenes. Algunos gozan de la comunidad, del bien común.

Rust:

Ya pues si el bien común debe inventarse cuentos de hadas no es bueno para nadie.

Rust:

“Transferencia de miedo y auto-aversión a un recipiente autoritario. Es catarsis, absorbe su espanto con su narrativa y gracias a eso es eficaz en proporción a la cantidad de certeza que proyecte. Ciertos antropólogos del lenguaje creen que la religión es un virus del lenguaje, que reescribe conexiones cerebrales, que anula el pensamiento crítico”

¿Crees que se puede querer a dos mujeres a la vez?

Rust está en casa de Martin, hablando con su mujer Maggie. Cuando Martin llega a casa se extraña, se encuentra el césped cortado y con Rust en camiseta interior manchado de hierba, poniéndolo celoso y dejándonos otra vez una escena de tensión entre ambos. Poco a poco vamos viendo cada vez más rigidez entre los dos protagonistas. Martin siente celos sin fundamento hacia Rust con su mujer, se siente cuestionado todo el rato por este y nos muestra su vulnerabilidad, fragilidad y sus puntos débiles en su vida de la cual se siente tan al mando. Esa misma noche también discute con Maggie, quien le recrimina la distancia entre ambos y le pregunta que ha estado haciendo. Martin se descubre por sí solo justificándose en lo perdido que se encuentra, aunque Maggie aun no se ha dado cuenta de lo que Martin está haciendo realmente.

True Detective HBO Entertainment
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Tras una cita doble que Martin y Maggie organizan para Rust, con intención de que conozca a una amiga del matrimonio, Martin se encuentra con su amante Lisa la cual también tiene una cita con un chico. Entre bailes, Martin no puede quitarle ojo, mostrando su enfado por verla con otro hombre. Rust se da cuenta de lo que está ocurriendo, y Maggie, inocente de nuevo, a pesar de encontrar extraño a su marido, ni se lo imagina. Martin entra rompiendo la puerta en casa de Lisa dándole una paliza a la cita de su amante, y mientras esto ocurre se llena la boca diciéndole a los detectives en 2012 que Rust necesitaba una familia, “poner limites, los límites son buenos”. Maggie empieza a sospechar de Martin y llama a Rust ya que su marido aún no ha llegado. La voz de Rust parece reconfortarla dentro de su inquietud.

Martin:

¿Crees que se puede querer a dos mujeres a la vez?, osea, ¿estar enamorado de ambas?

Rust:

No creo que el hombre pueda amar, no en su significado habitual. Las insuficiencias de la realidad siempre lo impiden.

Martin:

Tu crees… ¿alguna vez te preguntas si eres malo?

Rust:

No, no me lo pregunto Martin, el mundo necesita malos. Mantenemos a los otros malos alejados.

Los detectives investigan otra victima que apareció ahogada hace tiempo, Rianne Olivier, relacionándola con el caso de Dora Lange. Visitan al padre de la chica, quien les entrega una caja de su hija, de donde consiguen un anuario que los lleva a una escuela. Allí se encuentran con un colegio cerrado, donde un chico que trabaja para la parroquia corta el césped. Los detectives centran la búsqueda en Reginald Ledoux y la charla con el hombre que corta el césped pasará desapercibida.

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True Detective, asesinos en serie, crímenes, misterio y polis, ¿qué más quieres?

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“Se peleaba con el cielo si no le gustaba su tono de azul…”

No voy a escribir nada malo sobre True Detective.

Si buscas una crítica no pierdas el tiempo. Lo mío son todo halagos. Si no quieres spoilers, tampoco sigas. Te voy a contar la serie tal cual, y es posible que si no la has visto, de poco te puedas enterar. True Detective no es una serie fácil, no es una serie de “entretenimiento” en el sentido literal de la palabra. Si has escuchado algo sobre ella, seguramente sea que es una de las mejores series que hay, y la habrás visto aunque solo sea para comprobarlo.

O bien has abandonado tras la primera reflexión de Rust sobre la existencia humana, o bien hayas tenido que volver a ver el capítulo. Porque aun estás procesando el hecho de que una serie considerada la mejor pueda hacer que te duermas en estas reflexiones, o que te quedes tan pillado con lo que acaba de soltar que tienes que darle al review para acabar diciendo un “esto que coño es…?”. Lo cierto, es que ya te has enganchado en los primeros 5 minutos en los que Rust y Martin se encuentran con la investigación del asesinato de Dora Lange, y de repente esta reflexión de Rust, casi incomprensible de ha dejado anonadado.

Si eres un serieadicto, la habrás visto y posiblemente serás demasiado crítico para tanto halago. Las críticas negativas que he leído, habitualmente son sobre el final de la serie (del cual no voy a hablar ahora) o sobre lo mucho que se parece a blablabla… todo está inventado, todo se parece a algo…o no… tanto que se parece, que normalmente el mundo “real” es el detonante de historias tan buenas como la de True Detective.

No se trata solo de una historia. Es una escena, una ambientación, unas localizaciones, unos intérpretes, una banda sonora, varias líneas temporales que hacen que tu cabeza esté de adelante para atrás hasta que te sientes como un nieto escuchando las batallas de tus abuelos, como si Rust y Martin estuviesen ante ti contándotelo todo. Y sobre todo para mí, una filosofía. La filosofía de Rust es lo que a mi me enganchó.

¿Qué pasa en True Detective?

True Detective se desarrolla en un periodo de 17 años, en la costa sur de Louisiana. La historia comienza en 1995 y de pronto estamos en 2012, donde Martin Hart (Woody Harrelson) y Rustin Cohle (Matthew McConaughey) ya están retirados de la policía y son interrogados por separado por los detectives Maynard Gilbough y Thomas Papania.

En tantos años, tenemos a nuestros dos protagonistas, Martin y Rust en dos etapas distintas, muy bien caracterizados ambos, Woody Harrelson con su gran peluquín y Matthew McConaughey con un buen trabajo de caracterización que descoloca entre tanto flash-back. 1995, ambos son detectives de la División de Investigaciones Criminales de la Policía Estatal de Louisiana, y encargados de investigar el asesinato con el que se abre la serie tras la petición de ayuda del sheriff de Vermilion ante las extrañas circunstancias del crimen.

Allí se encuentran con una mujer desnuda, atada, con unos cuernos de algún animal, un símbolo circular en la espalda y rodeada de una especie de trampas para pájaros o atrapa demonios, en medio de una plantación de caña de azúcar. Todo parece ligado a rituales satánicos y elementos de brujería. (El tema de la simbología y de las referencias ocultas lo trataremos más adelante)

True Detective HBO Entertainment
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Rust, guiado por su gran intuición, se pone a investigar, y se va directo a los prostíbulos de la zona. Hablando con varias mujeres, resuelve la identidad de Dora Lange rápidamente, llegando hasta Charlie Lange, ex marido de la fallecida y preso desde hace tiempo. Mientras, en su línea paralela de investigación, dan con otra niña, Marie Fontenot, que había desaparecido cinco años antes. Hablan con sus familiares, quienes no están del todo convencidos con la versión oficial de que la niña se había ido con su padre biológico.

Rust encuentra en una cabaña en casa del tío de la niña, otro de esos atrapa demonios, armazones compuestos por ramitas atadas, como los que se encontraron en el asesinato que investigan actualmente de Dora Lange. Girado de nuevo a 2012, los dos policías que están interrogando a Rust han encontrado a otra chica muerta en circunstancias similares al asesinato ocurrido en 1995. Estos dejan caer la posible implicación de Rust en el asesinato, ya que lleva desaparecido años y regresa cuando matan esta nueva víctima. Esta duda sobre la inocencia o culpabilidad de Rust la arrastraremos con nosotros unos cuantos episodios.

En estas primeras escenas, ya tenemos el equipaje inicial: los personajazos, con Rust mostrando sus dotes artísticas y filosóficas, y Martin, quien a primera vista es un feliz padre de familia, cristiano y conservador, en su caluroso hogar, totalmente opuesto al extraño apartamento de Rust; las localizaciones y el paisaje de St. Charles (Louisiana); el tratamiento de la imagen; el argumento que nos lleva con la investigación al mundo de la prostitución y la conexión con la desaparición de Marie Fontenot, y que además nos pone en antecedentes del primer encontronazo de Martin con Rust en esa cena con la familia de Hart donde Maggie consigue profundizar sobre el pasado fatídico de Rust.

La conciencia humana es un trágico error en la evolución

Rust:

Es como si la gente de aquí, no tuviera ni idea de que existe el mundo exterior. Podrían vivir en la puta luna.

Martin:

El mundo esta repleto de guetos

Rust:

Solo hay un gueto tio, una cloaca en el espacio exterior.

Martin:

La escena de hoy, es la mayor locura que he visto jamás. Oye, una pregunta ¿Eres cristiano verdad?

Rust:

No.

Martin:

¿Y porque tienes un crucifijo en tu apartamento?

Rust:

Es una forma de meditación.

Martin:

Como dices?

Rust:

Contemplo el momento del huerto, la idea de permitir tu propia crucifixión.

Martin:

Pero no eres cristiano, ¿y en que crees?

Rust:

Creo que no se debe de hablar de esta mierda en el trabajo.

Martin:

Espera espera. Llevamos juntos tres meses y no te he sacado nada. Y hoy, de que hablamos ahora eh? Se amable vale? No pretendo convertirte…

Rust:

Se me podría considerar un realista pero en terminos filosóficos soy lo que se llama un pesimista.

Martin:

Ah vale… y que significa eso?

Rust:

Que soy malo en las fiestas.

Martin:

Digamos que no eres un primor fuera de ellas.

Rust:

Creo que la conciencia humana es un trágico error en la evolución. Nos volvimos demasiado conscientes de nosotros mismos. La naturaleza creó un aspecto de la naturaleza alejado de sí misma, una criatura que no deberían existir según las leyes naturales.

Martin:

Pero eso suena horroroso, joder Rust!

Rust:

Somos cosas que se obsesionan con la ilusión de tener un yo, un acrecentamiento de experiencia sensorial y sentimientos, programada con la seguridad de que cada uno es alguien especial, cuando en realidad nadie es nadie.

Martin:

Oye, yo no iría por ahí diciendo esas paridas, la gente de aquí no piensa así, yo no pienso así.

Rust:

Lo único honrroso que puede hacer nuestra especie es negar la programación, dejar de reproducirse. Ir de la mano hacia la extinción, una última medianoche. Hermanos y hermanas rechazando la injusticia.

Martin:

¿Y, que te hace levantarte por las mañanas?

Rust:

Me convenzo de que doy testimonio, pero la auténtica respuesta es que, esa es mi programación, y me falta el coraje para suicidarme.

Nuestros dos protagonistas, Rust Cohle y Martin Hart, son polos opuestos obligados a encontrarse, a trabajar juntos y a entenderse. Durante la mayor parte de la serie se nota entre ambos contrariedad, Martin no entiende el pensamiento pesimista de Rust, y a la vez se queda desconcertado con cada idea que Rust suelta por la boca. Se respetan en el terreno laboral, admirándose profesionalmente de manera mutua,  aún con métodos totalmente diferentes.

Rust es un recién llegado de Texas donde ya era policía, y de donde viene arrastrando una depresión por la muerte de su hija. Se ha ganado el apodo del “recaudador”, saliendo esta definición en los primeros minutos de la serie. El resto de compañeros lo miran con lupa, hablan a sus espaldas, y es evidente que es Rust es un choque para ellos en el carácter de la conservadora Louisiana de donde radican. Martin es querido por sus compañeros, respetado, una vieja gloria. Es el personaje que esperan ansiosos por las mañanas a que llegue, para abrir la veda de contar entre compinches sus últimas hazañas mujeriegas y realzarse un poquito más como buenos machos alfa.

Esto no es más que una introducción a True Detective

Esto no es más que una introducción a lo que espero que sean unos cuantos post dedicados a True Detective. Siendo como es, una de mis series preferidas, todo cuanto escriba será poco. Hasta aquí, antes de empezar uno nuevo metiéndonos de cabeza en el segundo episodio, por si aun no te has dado cuenta al inicio del primer capítulo de True Detective, tienes una intro espectacular con alusiones a toda la serie, y una canción que marca la banda sonora, y que no te vas a quitar de la cabeza, “Far From Any Road” de The Handsome Family. True Detective ha sido creada por Nic Pizzolatto y Cary Joji Fukunaga (El Alienista, serie de la que también os dejamos un artículo que puedes ver pinchando aquí)

Drive como obra pictórica

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El proyecto visual de Drive es poco menos que pictórico. Con una estética y una fotografía muy marcada a lo largo de toda la película que utiliza los colores de forma narrativa junto con la historia. Desde el comienzo, los patrones lumínicos serán la clave.

Color dorado Drive

Dorados, naranjas y aires de luces de neón rosa como los de los créditos, que nos llevan a una estética ochentera. Junto a los colores el otro punto fundamental visualmente que hace de la película un arte fotográfico es la profundidad de campo, usándose como recurso habitual en planos cerrados de interiores como los de los coches donde siempre podemos ver más de lo habitual.

Bryan Canston & Ryan Gosling - MWM Studios – All Rights Reserved
Bryan Canston & Ryan Gosling – MWM Studios – All Rights Reserved

Con una ambientación ochentera, fotografía, vestuario, decoración y música se complementan para formar un conjunto perfecto de estilo ya icónico de esa época. Las luces de neón nos acompañan en toda la película desde los créditos, siendo recurrentes en muchas de las localizaciones y decorados. Los escenarios, con decoración a base de papeles pintados siempre combinados con los juegos de luces en dorados constantes en Drive. Moteles típicos americanos y un atrezzo totalmente acorde.

La fotografía, como arte presente en cada escena, jugando con el color como el protagonista más importante. Nos encontramos con muchos planos, (los más pronunciados quizás sean los de Carey Mulligan) en los que el perfil del rostro es remarcado por una imponente luz dorada a contraluz que crea un contraste importante dejando entrever siempre la luz y la oscuridad del momento y la historia (ese beso tan esperado en el ascensor).

Nicolas Winding Refn – Director de Drive
Nicolas Winding Refn – Director de Drive

Dorado y naranja en cada secuencia, entrando habitualmente a través de ventanas, como por ejemplo en la noche, en cualquiera de las escenas en las que veamos en el taller de Shannon (Bryan Cranston), como de día, en otro plano ya convertido en hito, de nuestro driver con su cara ensangrentada, creando un contraste entre el rojo de la sangre y el azul de sus ojos e incluyendo de nuevo ese papel pintado que, al mismo tiempo, contrasta con el dorado que cruza unas cortinas en tonos cálidos. 

El ascensor de oro, el cual es escenario de varios de los acontecimientos más míticos y que envuelve en calidez tanto los momentos románticos como la máxima violencia, o esa entrada triunfal de Ryan Gosling por el club, martillo en mano, con su chaqueta dorada y que nos llevan hasta unos camerinos donde el rojo, el neón y el enmoquetado casi acaparan más atención que las perfectas chicas en cueros. 

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

Influencias de David Lynch en Drive.

Es inevitable que no nos vengan a la cabeza Terciopelo AzulCarretera Perdida o Mulholland Drive de David Lynch. El propio Nicolas Winding Refn hizo referencia a la influencia de Lynch en varias ocasiones. Muchas similitudes con Wild at Heart desde la chaqueta de Ryan Gosling, (por suerte un poco más discretita que la de Nicolas Cage, pero en la misma onda), algunos lugares comunes, o ese beso al atardecer, fundiéndose en tonos dorados y con un Ford Thunderbird, otro de los clásicos que también vemos en Drive.  

Desde la fotografía nocturna, la estética en general y el roce con el surrealismo tienen aires descaradamente Lynch.  Escenas entre lo gore y lo cómico como la ya mencionada hace unos párrafos en la que Gosling aplasta la cabeza al villano en el ascensor tras ese beso con Mulligan, o otras más simples, como el conductor con el hijo de Irene en el sofá, escena con la que al momento en mi cabeza han aparecido dos conejos tal que Inland Empire (igual es cosa de esta cabeza perturbada, también es verdad).

Drive - MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

Drive, una sobredosis de coches clásicos

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Drive trata sobre un conductor, y un conductor tiene que conducir coches. Obviedades. Hay muchos coches en la película, pero no se trata de un Fast and furious. El coche es más que nunca el complemento perfecto de nuestro protagonista, el medio de vida y el de transporte. Aquí te dejamos un repaso de los mejores coches que aparecen en Drive.

Chevrolet Impala del 2010

Chevrolet Impala 2010
Chevrolet Impala 2010

Empezamos la película con un Chevrolet Impala del 2010, en el que tenemos la primera persecución, donde ese coche precisamente lo que hace es destacar la conducción por encima del vehículo y de efectos especiales. Y el arte de conducir. Sin explosiones ni piruetas imposibles.  Este Chevrolet tiene su papel en la película, en la secuencia de apertura, creando una escapada que nos enseña una meticulosa planificación por parte del conductor. Con su cronómetro, la radio con la banda de la policía y estos persiguiéndolo. Una secuencia de ocho minutos que se mantiene por sí sola.

El coche, es mencionado por el personaje de Shannon (Bryan Cranston) como “el coche más popular del estado de California. Nadie te mirará”, y efectivamente, es un coche que, por lo general, pasa desapercibido entre tantos otros coches iguales, no tanto por ser un coche tan vendido si no por ser parte de todas las flotas de coches corporativas y de alquiler.

Mustang GT del 2011 y Chrysler 300C de 2006

Ford Mustang GT 2011
Ford Mustang GT 2011

Otra escena de persecución (no es que haya muchas en sí) la hace con un Mustang GT del 2011 escapando de un Chrysler 300C de 2006, la cual ha traído muchos debates en foros de coches sobre como el Chrysler puede ser que alcance el Mustang. Se ha dicho también que esta escena tiene muchas similitudes con el clásico “Bullit” de Peter Yates, ya que da más valor al sonido de los motores que las acrobacias imposibles o la destrucción de los vehículos en sí. En Drive se evitan locuras inviables y se busca representar el máximo realismo en la técnica de conducción y reacción ante la toma de riesgos.

Chrysler 300C 2006
Chrysler 300C 2006

El director juega muy bien con el encuadre y la edición en el final de esta persecución, que termina con el tiempo ralentizado, con el Chrysler accidentado chocando y mostrándonoslo desde el interior del Mustang con Christina Hendricks sentada en la parte de atrás. Acrobacias discretas para los estándares a los que estamos acostumbrados en el cine donde se vea una persecución, con un accidente del Chrysler muy ligerillo y real que nos podemos encontrar cualquier día en la carretera.

Chevrolet Monte Carlo

Chevrolet Monte Carlo
Chevrolet Monte Carlo

Vemos a nuestro driver con un Chevrolet Monte Carlouno de los modelos más exitosos del Nascar, tanto en el circuito como el taller en distintas ocasiones. No son muchos los coches que han competido y durante tanto tiempo en la categoría top del automovilismo estadounidense, y en Drive, Shannon quiere competir con Gosling como conductor y es precisamente este coche y esta competición, lo que creará una de las primeras subtramas de la película.

Chevrolet Malibú del 73

Chevrolet Malibú 73
Chevrolet Malibú 73

El coche personal del protagonista es un Chevrolet Malibú del 73, que nos deja algunas de las escenas al volante más románticas. Como dato curioso, es la habilidad de Gosling para la mecánica y que fue el mismo quien eligió el coche, lo desmontó por completo y lo reconstruyó para la película. El Chevy Malibú le debe su nombre a la zona de los Ángeles donde nació en su día la cultura del playeo en los 60 en Estados Unidos. Era el modelo superior de tamaño intermedio, al igual que el Chevelle y El Camino.

Ford Thunderbird del 55

Ford Thunderbird del 55
Ford Thunderbird del 55

El taller de Shannon nos regala un muestrario chulo de coches clásicos. El Ford Thunderbird del 55, rojo, precioso, que quita el protagonismo al Chevrolet Monte Carlo sobre el cual gira la conversación en la escena. Si pensamos en el Ford Thunderbird en el cine, es imposible no pensar en Thelma y Louise y el descapotable como símbolo de empoderamiento y liberación femenina. En este caso se trata de un modelo más nuevo, del 66, pero que la película de Ridley Scott convirtió en uno de los coches míticos del cine, y que en Drive tiene también su aparición estelar, siendo en este caso del 55, de la primera generación, Classic Birds o Little Birds.  

Pontiac GTO de 1967

Pontiac GTO 1967
Pontiac GTO 1967

El Pontiac GTO de 1967, el primer muscle car, en un tono dorado como no, acorde con toda la fotografía de la película. Servirá como lecho de muerte y nos deja otra muestra de la estética de la película mencionada anteriormente: las luces exteriores tan cálidas se funden con los tonos también en dorados del interior del taller y de este vehículo, siendo clave en la escena como otro elemento de la fotografía imprescindible. Este Pontiac es también protagonista de la primera entrega de la saga de las películas xXx, en este caso de color negro y violeta metalizado.

Dodge ChargerCadillac Eldorado o un Ford Galaxie 500 entre muchos mas.

Dodge Charger
Dodge Charger

Dodge Charger del 69Cadillac Eldorado del 68 o un Ford Galaxie 500 de 1971, entre otros muchos coches que desfilarán en todas las escenas que tienen lugar en el taller mecánico. El coche en el que el conductor hace sus acrobacias como especialista de cine es un Ford Crown Victoria y también tenemos en la película un Lincoln Town Car Executive Series del 98, el coche en el que escapa Nino y que el conductor tira por la playa.

Cadillac – El Dorado
Cadillac – El Dorado
Ford Galaxie 500
Ford Galaxie 500

Drive y el síndrome Stendhal

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!Os advertimos! que la película Drive puede generar un elevado ritmo cardíaco, algo de vértigo, confusión, temblor, palpitaciones… e incluso una reacción romántica ante la acumulación de belleza y goce artístico más conocido como el síndrome de Stendhal, avisados quedáis…

Introducción

El mejor resumen que se puede hacer de Drive, para mí, en pocas palabras es serenidad, generosidad y juegos de color. Volver a ver la película, bastantes años después, me ha dejado fijarme en aspectos que la hacen mucho más grandiosa y que en un primer vistazo pasé por alto o los agrupé en la “estética” de Drive.

Estética que se estableció como un referente fotográfico de cine y que visualmente se puede desmenuzar en mil detalles que hacen que la magia visual y técnica sobrepasen a un guion y a una interpretación bastante decente con un trasfondo ético y sentimental muy bonito.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

Drive es una película estadounidense dirigida por Nicolas Winding Refn (Bronson o Too Old to Die Young) de 2011, con un guion de Hossein Amini basado en la novela de James SallisCliff Martinez es el creador de la fabulosa banda sonora la cual merece un artículo completo para ella sola, y que cuenta con Ryan GoslingCarey MulliganAlbert BrooksRon Perlman, Bryan Cranston como protagonistas. Drive se ha convertido con los años en una película de culto del cine independiente de USA.

Sinopsis

Drive trata sobre un conductor (Ryan Gosling), mecánico en un taller, conductor especialista de cine, y conductor esporádico para delincuentes con unas reglas muy estrictas que constan de 5 minutos de duración del servicio y nunca volver a trabajar con los mismos clientes. La vida del conductor cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan), su vecina, madre de un niño y con un marido que pronto saldrá de la cárcel.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

Ryan Gosling: o lo amas o lo aborreces

La parsimonia del personaje de Ryan Gosling (nuestro Driver) contrasta con la tensión del robo inicial. Tan tranquilo y nosotros ya de los nervios en la primera escena. Serio, con su palillo y el partido de fondo como si de un taxista normal se tratase. Nos cuenta sus normas cuando trabaja con delincuentes, en una primera escena con una carrera y persecución en coche de diez, y que sirve como exhibición de su talento como conductor. A la par, nos introduce los créditos mediante planos aéreos que se mezclan con otros del conductor estático, dejando atisbos del perfil psicológico de este y una banda sonora que será clave y que se ha convertido en todo un hito.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

En pocos minutos estamos dentro de porte del protagonista. Educado, caballeroso y, ante todo, el hombre silencio, de pocas palabras. Con su palillo y la mirada curiosa, va descubriendo a Irene, su vecina, a quien parece querer sortear hasta que inevitablemente tiene que ayudarla con su coche. Entramos en la parte más romántica de Drive, ya que, aunque el trasfondo de la película ante todo es el amor y el ejercicio de bondad del conductor por la chica, la parte más agradable, delicada y tierna tiene lugar al principio. Nos encontramos con escenas que ya se han convertido en legendarias de la película, como ese encuentro silencioso en el ascensor de ambos, mientras el conductor le carga la compra y ella intenta sacarle alguna palabra, pero solo consigue respuestas cortas y educadas y un atisbo de sonrisa.

El conductor, ya no solo es el protagonista si no la interpretación más brillante de la película y que ha creado el estilo Ryan Gosling que vemos en muchas de sus otras películas. Para muchos, encasillado en ese perfil de personaje de pocas palabras y estático, pero para otros, un ejercicio tremendo de comunicación que se sustenta y crece con una expresión oral muy limitada y que de sus pocos gestos y miradas crea un lenguaje que lo hacen único como actor. El mundo se divide así, entre los que aman o los que odian a Ryan Gosling.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

La evolución del protagonista en toda la película es suave y crece paulatinamente. El estallido de violencia de la parte final nos muestra a un nuevo personaje que igualmente solo con gestos y pocas palabras se transforma, ya no solo por su supervivencia si no también a modo protector con Irene y su familia. Un personaje totalmente solitario y que vive en el silencio, pasivo, acaba entregándose al sentimentalismo y la debilidad que llegan con el enamoramiento.


El guion de Drive: transmitir con silencio.

La trama criminal de Drive es impulsada por la historia de amor materializada a medio gas entre Ryan Gosling y Carey Mulligan. El guion tiene escasez de diálogos y esto lo que le da más valor: lo que calla y como se transmite con el silencio, la música y la interpretación. Intercambios de miradas que actúan como diálogos y son el alma de la película. La trama central es la historia de amor, el detonante de la película, lo que ocupará la primera parte en mayor medida y donde los perfiles del conductor e Irene se perfilarán más. El guion se abre a una segunda trama, de primeras independiente de esta historia de amor, en la que Shannon (Bryan Cranston) convence a Bernie Rose (Albert Brooks), para que invierta en un coche de carreras (Chevrolet Monte Carlo) que tendrá como conductor a Ryan Gosling.

La historia de amor se convierte poco a poco en un debate emocional y sentimental. El conductor actúa como protector, marido y padre para Irene y su hijo mientras el marido de esta aún esta en la cárcel, pero saben que esto es temporal y que tiene fecha de fin. Aquí la controversia entre dejarse llevar por los instintos y necesidades emocionales y al mismo tiempo, ser conscientes de que están haciendo algo que no deben y que no acabará bien.

Y se rompe la magia con el primer punto de giro de la historia: la salida del marido de Irene, Standard, (Oscar Isaac) de la cárcel, y que además de dar un giro en el guion, crea el detonante de una trama menor entre Gosling y Isaac. El conductor ayuda a Standard para proteger así a Irene, y con ello empieza la segunda parte del primer punto de giro. Ayudarlo y poner en riesgo su vida es el compromiso y la acción más bondadosa y desinteresada que pueda hacer de cara a la chica y que da inicio a la trama criminal que será lo grueso de la segunda mitad de la película.  

La estructura nos presenta dos líneas narrativas independientes que se unen al llegar a la mitad del guion. El segundo punto de giro, ocurre en la escena mítica del ascensor a la que haremos más referencias, la cual roza lo surrealista con ese esperado beso entre el conductor y la chica en la que se para el tiempo y todos nos elevamos entre la música, la fotografía y la acción, y la posterior paliza del conductor al matón con máxima violencia.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
Drive – MWM Studios – All Rights Reserved

Banda sonora

La banda sonora es otro de los puntos fuertes de Drive que se ha llevado más cariño del público. Totalmente ligada a la fotografía y al guion de la película, la banda sonora que cuenta con Cliff Martinez como artífice, mezcla sonidos totalmente etéreos y relajantes que usan como base sintetizadores ochenteros, con temas electrónicos como “Under Your Spell” de Desire. Tema que deja otra escena muy introspectiva, no solo en la película si no también transferible a cualquier relación sentimental y psicológica “¿Sabes la diferencia entre amor y obsesión?”. El tema nos muestra a Irene y al conductor, cada uno en su espacio, reflexivos y perdidos, engatusados en sus pensamientos sobre el otro, dentro de una magia que no se rompe si no que los absorbe más aún, en un sueño viviente mientras la vida real sigue pasando delante de sus narices.

El plano los persigue e introduce de nuevo, a compás con la música, los tonos dorados y cálidos. Siempre presentes en esa chaqueta característica del conductor, en las luces doradas muy tenues de mesas de noche, en los tonos de los pasillos del edificio que mezclan dorados con toques rosados, y nos llevan hasta una Irene en el pasillo dentro de una burbuja de enamoramiento. Música y fotografía conectan de tal forma que hacen del mundo abstracto de Drive la obra de arte que es…

Las 5 series vintage que marcaron a una servidora

Un comentario muy acertado en uno de los artículos me ha hecho reflexionar sobre el concepto vintage en lo que a series de televisión se refiere. El término vintage, de una forma un poco global, vendría empleándose de cara a objetos que aún no son antiguos pero que se han revalorizado con el paso de los años. Hay quien pone la edad de 20 años, las ferias profesionales suelen pedir una mayoría de edad de 50… Pero estamos hablando de objetos, no de series.


Vacaciones en el marPerry Mason o Bonanza, serían tres series ya clásicas, de la primera edad de oro de las series de televisión entre la década de los 50 y de los 70. Pero aquí una servidora adicta a las series, se remonta entre 28 y 39 años atrás, para hablaros de las cinco series vintage que le marcaron el camino para ser hoy en día una adicta que encuentra en cada episodio uno de los placeres más grandes de la vida.

V Invasión Extraterrestre (1983)

V Invasión Extraterrestre fue una serie americana, escrita y dirigida por Kenneth Johnson que, aunque se estrenó en 1983, llegó a España en 1985. TVE la emitió en distintos años, repitiéndola el verano de 1993, en enero de 1995, sobre las 20h, y en verano del 97. Mi recuerdo con esta serie viene justo de esa época en la que se emitía a las 8 de la tarde, justo antes del telediario, cuando empezaba a sonar la musiquilla y la cabecera, te pillaba ya en la cocina a punto de cenar y con un poco de suerte pasaba desapercibida y podías verla en lo que algún adulto se daba cuenta y la quitaba. Si era muy pequeña, y me creaba mucha curiosidad.

V Invasión Extraterrestre – Kenneth Johnson Productions- All Rights Reserved
V Invasión Extraterrestre – Kenneth Johnson Productions- All Rights Reserved

Anécdotas personales aparte, V trata sobre una raza de extraterrestres reptiles llamados los “visitantes”, supuestamente amigables y con aspecto humano, que llegan a la Tierra desde uno de los planetas de la estrella Sirio, pidiendo ayuda. La flota de naves extraterrestres se sitúa en las principales ciudades del mundo buscando conseguir productos químicos que necesitan para su planeta prometiendo a cambio compartir su desarrollada tecnología con los terrícolas. Algunos humanos dudan sobre sus intenciones, empiezan a investigar y a desaparecer sin dejar pistas.

V ha sido una serie muy popular en todo el mundo que consta de tres temporadas y que en España tuvo especial repercusión. La serie de los lagartos.

Aquellos maravillosos años (1988)

La morriña seriéfila nunca tuvo mejor ejemplo que Aquellos maravillosos años. Hubo un tiempo en el que un Kevin Arnold (Fred Savage), ya adulto, nos narraba la serie, la historia, sus propias experiencias, aprendizajes y acontecimientos históricos entre finales de los años 60 y 70. 6 temporadas y 115 episodios, en los que cambios culturales, sociales y económicos eran vividos a través de un joven en pleno cambio de la infancia a la adolescencia, con su primer amor, Winnie Cooper (Danica McKellar) y con su mejor amigo Paul Pfeiffer (Josh Saviano).

Aquellos Maravillosos Años – New World Television – All Rights Reserved
Aquellos Maravillosos Años – New World Television – All Rights Reserved

La guerra de Vietnam, la política, el movimiento hippie y el amor libre, el primer hombre en la luna… sucesos y cambios históricos, contados 20 años después por Kevin, para quien aquellos maravillosos años habían sido idílicos y cargados de alegrías y disgustos propios del cambio de etapa. Temas que eran discutidos y objeto de reflexión.

Serie con una banda sonora de lujo que empezaba desde la propia cabecera, con imágenes en Super 8 y la versión de Joe Cocker de With a Little Help from My Friends de Los Beatles. Temas de Jerry Lee Lewis, Beach Boys, Los Beattles, The Doors, Cream, Jefferson Airplane, Bob Dylan, The Byrds, Buffalo Springfield, entre muchos otros pasaron por la serie reflejando los sentimientos y sensaciones de sus personajes y al mismo tiempo, siendo reflejo de los sentimientos y sensaciones del mismo espectador.

“Crecer sucede en un latido. Un día estás en pañales, al siguiente ya no estás aquí. Pero los recuerdos de la niñez permanecen contigo todo el camino. El asunto es que, después de todos estos años, sigo mirando hacia atrás, maravillado”

Twin Peaks (1990)

Twin Peaks ha sido la serie con la que David Lynch cambió la historia de la televisión y con la que medio mundo estuvo expectante ante la duda de ¿Quién mató a Laura Palmer?. Podría hablar de toda la obra de David Lynch durante artículos y artículos (y sería genial hacerlo algún día) y sobre Mark Frost y su trabajo no solo en Twin Peaks, sino también en Canción triste de Hill Street, otra serie que también debería estar en esta lista, pero, tengo que ir al grano.

Twin Peaks – Lynch/Frost Productions – All Rights Reserved
Twin Peaks – Lynch/Frost Productions – All Rights Reserved

Twin Peaks fue una serie cargada de simbología, dualidades, extraña, innovadora y que te saca de tus casillas. El asesinato de Laura Palmer, en un pueblo supuestamente tranquilo, se ve revolucionado con la llegada del Agente Dale Cooper (Kyle McLachlan) encargado de la investigación, cuando se empiezan a descubrir muchos más secretos entre los habitantes del pueblo.

Se trata de un culebrón distinto, con sus líos de faldas, investigaciones policiales, y escenas que causan mucho más que escalofríos de terror. Cargada de magia, por su estética, por las descripciones detalladas del agente Cooper a una tal Diane en su grabadora… Ha sido una serie que me ha dejado personajes grabados en la retina para siempre. Bob, el enano danzarín, el gigante, o Lady Leño, siendo actores secundarios se han convertido en hitos por encima de muchos personajes principales y más allá de la propia serie.

Serie imprescindible para comprender la evolución hacia las series que tenemos hoy en día, imprescindible como obra de Lynch, e imprescindible por ser más que vintage, historia de la televisión. En 2017, 27 años después del nacimiento de la serie, se estrenó Twin Peaks: The Return, una tercera temporada de 18 episodios que dio continuidad a la serie de culto contando con gran parte del reparto original.

Doctor en Alaska (1990)

Doctor en Alaska fue una de esas joyas que nos regaló TVE2 en 1993, a horas intempestivas (al igual que lo hizo con A dos metros bajo tierra, entre muchos otros tesoros audiovisuales solo aptos para insomnes).

Serie de 6 temporadas y 110 episodios, que trata sobre Joel Fleischman (Rob Morrow), un joven médico neoyorquino que se ve obligado a irse a Alaska durante cinco años para poder pagar su beca y convivir con los habitantes del pequeño pueblo de Cicely, cada cual más raro y extravagante.

Doctor en Alaska – Universal Pictures – All Rights Reserved
Doctor en Alaska – Universal Pictures – All Rights Reserved

Entre ellos, el fundador de la ciudad, Maurice Minnifield (Barry Corbin), un astronauta de la NASA retirado; Chris Stevens, o Chris por la mañana, (John Corbett) el presentador de la KBHR (Radio K-OSO) la radio musical del pueblo y que nos dejará grandes mensajes sobre los que reflexionar; Maggie O’Connell (Janine Turner), una piloto de avioneta con la que el doctor tendrá sus tira y afloja y una gran atracción o Marilyn Whirlwind (Elaine Miles), la secretaria india del doctor Fleischman que solo habla con monosílabos, entre muchos otros personajes fabulosos que nos deja Doctor en Alaska.

Doctor en Alaska se trata de una serie muy excéntrica, una comedia que roza el surrealismo, con guiños muy marcados a Twin Peaks, o más que guiños, similitudes, ya que ambas se estrenaron en el mismo año.

Un protagonista cosmopolita y maniático (doctor Fleischman en Doctor en Alaska y el agente Cooper en Twin Peaks), que se ve obligado a trasladarse a un pequeño y llamativo pueblo (Twin Peaks y Cicely) y allí convivir con los personajes más extravagantes que la imaginación de los guionistas nos podían dar. Pero las mayores similitudes están quizás, en el humor surrealista y en el drama personal de sus personajes en ambas series. Considerada una de las mejores series de todos los tiempos por muchísimos fans.

Expediente X (1993)

Aquí estamos ante una de las series más populares de la historia de la televisión, de la que me atrevo a confesar, que he visto por primera vez durante la cuarentena del 2020, y de la que me he convertido en total defensora y fan, aún en fase de enamoramiento por lo reciente que la tengo. Seguro que no soy la única que la ha visto 20 años tarde, al igual que también seguro, que, aun no viéndola, cualquiera sepa de la existencia de esta serie, aunque solo sea por el tema de la cabecera, compuesto por Mark Snow y la frase con la que terminaban los créditos, de La verdad está ahí fuera.

Expediente X - 20th Century Fox Television - All Rights Reserved
Expediente X – 20th Century Fox Television – All Rights Reserved

Expediente X ha sido creada por Chris Carter, ha sido uno de los mayores éxitos de FOX y una de las series más premiadas de la historia con 141 nominaciones y 61 premios ganados entre Emmys, Globos de Oros y muchos más. 11 temporadas repartidas en 218 episodios, a las que a mayores hay que sumarle dos películas, la primera entre la quinta y la sexta temporada, y la segunda entre la novena y la décima.

Cada capítulo empieza mostrándonos los sucesos misteriosos que dan inicio a la trama y a la investigación de los agentes Fox Mulder (David DuchovnyDana Scully (Gillian Anderson). Los dos agentes del FBI, investigan los Expedientes X, casos sin resolver y sin explicación por causas paranormales (abducciones alienígenas, avistamientos ovnis, espíritus, bestias extrañas…). La serie combina episodios con una trama auto conclusiva y otros con una trama principal que se desarrollará a lo largo de toda la serie en los que se relata una conspiración del gobierno con relación a los extraterrestres y los Expedientes X.

Será por series vintage que nos hayan dejado huella…

FriendsLos SimpsonEl Príncipe de Bel-AirCheersPadres ForzososMatrimonio con hijos, Alf… la lista es interminable de series que nos han dejado esa espina de nostalgia, que se han convertido en vintage, que nos han dejado el legado de las sitcoms que tenemos hoy en día, que son historia de la televisión y de la cultura y que ante todo nos han hecho disfrutar de la pequeña pantalla y que han marcado una época para unas cuantas generaciones.

Friends – Warner Bros
Friends – Warner Bros
El príncipe de Bel-Air – NBC
El príncipe de Bel-Air – NBC

Enemy, una joya de Denis Villeneuve y Jake Gyllenhaal

Después de ver Donnie Darko hace unos días y recordar cómo solo con la mirada el jodido Jake Gyllenhaal puede crear una nube tan gloriosa y contemplativa de una película, recordé otra de esas pelis de él que me dejaron dentro de esa nube a la que hay que sumarle a Denis Villeneuve, y por si no fuera poco una historia de drama psicológico muy nivel de follada de mente que Javier Gullón adaptó de la novela El Hombre duplicado de José SaramagoENEMY.  

Sinopsis

Adam (Jake Gyllenhaal), un profesor universitario de historia, con una vida totalmente caduca y monótona, se decide a ver una película y descubre a un actor idéntico a él, Anthony Claire (de nuevo Jake). Se obsesiona con él y lo busca hasta encontrarlo. Este actor idéntico, Anthony, se obsesiona aún más que Adam y acabarán teniendo consecuencias inesperadas para ambos y sus parejas, Mary (Mélanie Laurent) y Helen (Sarah Gadon).

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved

Enemy, suspense psicológico de Denis Villeneuve

Denis Villeneuve se define por su estilo, por la elegancia y el gusto en todas sus películas, y Enemy es buen ejemplo. Movimientos lentos, donde tenemos unos cuantos skylines de una ciudad fría y muy kafkiana, que sirve a los dos personajes de oscuro hogar. Skylines y travelings aéreos ya típicos de Villeneuve, que tenemos en Blade Runner 2049Sicario o La Llegada. También característico de la personalidad cinematográfica de Villeneuve, una fotografía marcada por tonos sepias y dorados y que, junto con las bandas sonoras, planos aéreos y movimientos lentos, establecen un estilo que lo definen como creador en todas sus películas.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Jake Gyllenhaal y la mirada trascendental.

Enemy comienza enseñándonos esa mirada tan característica de Jake Gyllenhaal, esa mirada tan profunda como extraña que desconcierta y nos pone en preaviso de que nuestro protagonista, siempre que sea interpretado por Gyllenhaal, será un personaje más que especial. Interpretación por partida doble siendo igual de esplendido un personaje como el otro y consiguiendo de forma brillante distinguir las personalidades de los dos protagonistas de un modo elegante y delicado.

Jake Gyllenhaal ayuda a que el mundo obseso e inquietante de Enemy nos acabe seduciendo y engullendo de forma similar a la que la araña atrapa con sus redes. Al igual que en Donnie DarkoNightcrawler o Velvet Buzzsaw, en Enemy, Jake deja muestra de nuevo de su gran abanico interpretativo, de su expresividad y de que un papel excéntrico es mucho más creativo si es representado por él.

Enemy y la arquitectura de Toronto

Enemy está cargada de skylines y planos aéreos de Toronto, dejando una muestra de la ciudad tanto a pie de calle como desde el aire. Una ciudad que en sí ya es una metáfora de una urbe con múltiples identidades y al mismo tiempo, deshumanizada. Urbanismo duro, insensible y seco que se ve incrementado por el uso de sepias en la fotografía. La Universidad de Toronto – Scarborough del arquitecto John Andrews, hormigón y brutalismo arquitectónico; el barrio de St. James Town, un polígono residencial cuadriculado, simétrico, desnudo, o las Torres Absolute World de Mississauga, crean una atmósfera enigmática que se mezcla con el misterio en si de la historia.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved

Explicación: el caos es orden aún sin descifrar

Enemy es un rompecabezas cargado de metáforas. Es una película para pensar, para coger cada pieza e intentar montar nuestro propio puzle de conclusiones. Sin unas respuestas claras y a la libre interpretación de cada uno. Algo que a muchos da pereza y trabajo, pero que al menos para mí, es un punto importante de encanto en una obra.

A partir de aquí, si sigues leyendo y te haces autospoiler, yo no tengo la culpa… 

Intentando hacer un resumen, la conclusión a la que llegué y según he leído por ahí, a la que llega la mayoría de la gente, es que Adam y Anthony, son la misma persona. Se trata de un personaje en plena crisis, en guerra consigo mismo, que mezcla recuerdos, con realidad y fantasía. Lo que parece auténtico para los dos personajes, pasará a ser discordante, confuso.

Dos personalidades muy distintas, aparentemente opuestas, pero que no dejan de ser un antes y un después del mismo personaje. Una persona con miedo al compromiso y que empieza a estallar con el embarazo de su mujer. Anthony es actor de pelis mediocres, infiel e independiente, que se ve obligado a dejar esa vida y llevar una más estable cuando su mujer se queda embarazada.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved

Con esto la metáfora arácnida entra en acción, siendo las mujeres en Enemy representadas por la araña, que con sus redes lo atrapan y de las que ya no tiene escapatoria. Tanto su mujer quedándose embarazada, como las mujeres con las que es infiel, como su madre (Isabella Rossellini) que le recuerda que deje de soñar con ser actor y que ahora tiene un trabajo respetado.

Al final, Enemy, trata de una lucha subconsciente de Adam – Anthony por recordar y olvidar quien fue y en lo que se ha convertido, sus traumas por la vida que ha dejado atrás, sus anhelos, sus fetiches, su libertad y el poder por fin comprender su esencia.

Surrealismo arácnido

Ese toque medio surrealista, entre Cronenberg Lynch, entra en la película en una de las primeras escenas donde nos encontramos en una habitación llena de hombres, todos de aparente clase alta, donde con un ritmo muy lento y una música bastante oscura nos enseñan una plataforma a la que todos dirigen la mirada, una tarántula en una bandeja y una mujer desnuda, sobre unos altos tacones que parecen dirigirse a aplastar la tarántula. De qué tipo de fetiche extraño se trata, no lo sé, pero cual juego de la ruleta rusa o pelea de gallos clandestina, todos parecen expectantes del momento tan grotesco.

A lo largo de toda la película tenemos varios momentos de ensoñaciones muy surrealistas para ambos protagonistas idénticos, con la araña y la mujer como elemento clave. Desde esa escena tan extravagante de una mujer desnuda caminando por el techo con la cabeza de araña, a la escena final. Por si fuera poco, Villeneuve nos muestra un skyline de Toronto en el que incluye una Mamá de Louise Bourgeois entre esa especie de niebla sepia permanente en toda la película. Enemy no es acta para aracnofóbicos.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Donnie Darko. El mejor ejemplo de cine de culto

Donnie Darko fue el despegue de Jake Gyllenhaal después de October Sky. Fue el debut de su director, Richard Kelly. Fue fenómeno fan, pero no de taquilla, si no de la esfera de la subcultura, que acabó elevando a Donnie Darko a película de culto, siendo hoy en día uno de esos clásicos del cine fantástico e independiente que cualquier cinéfilo conoce (o debería conocer), tenga o no en su top. En mi caso, tanto por la película como por Gyllenhaal, todo es adoración.   

Sinopsis de Donnie Darko

Cine fantástico, de ciencia ficción, de intriga, pero, ante todo, un drama psicológico, ambientado en 1988 y película de culto. Donnie Darko es la historia de un chico, Donnie, un chaval imaginativo y muy inteligente, que tiene por amigo imaginario a un conejo gigante y muy turbio, Frank, quien le vaticina el fin del mundo con una cuenta atrás en el tiempo.

Gracias a su sonambulismo y tras la voz de Frank, quien lo lleva fuera de casa, se salva de la muerte al caer el motor de reacción de un avión en su dormitorio. A partir de este suceso, Donnie se embarcará en un mundo aún más imaginativo e insólito donde se mezclan la esquizofrenia y los viajes en el tiempo.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved

Reparto y personajes de Donnie Darko

Jake Gyllenhaal es Donnie Darko y su hermana Maggie Gyllenhaal es Elizabeth Darko, la hermana mayor de Donnie. Mary McDonnell es Rose Darko, la madre, Holmes OsborneEddie Darko el padre y Daveigh Chase es Samantha Darko, la hermana pequeña. Jena Malone es Gretchen Ross, la chica de Donnie. A mayores vemos en la película a Katharine Ross como la psicóloga; James Duval haciendo del conejo FrankDrew Barrymore es la polémica profesora de literatura; Noah Wyle el profesor de ciencias que dará el libro clave a Donnie y Patrick Swayze interpreta a Jim Cunningham.

Banda Sonora de culto

Michael Andrews fue el encargado de componer la banda sonora de Donnie Darko. El bajo presupuesto de la película fue el causante de que Andrews tuviera que tocar él mismo todos los instrumentos. Banda sonora onírica e hipnótica que se ajusta a la atmósfera y a la esencia de la película y que crea junto a la narración una simbiosis perfecta.

A mayores de los temas instrumentales que había compuesto, se añadió una versión de Mad World de Tears for Fears. La versión de Michael Andrews y con Gary Jules cantando, para una servidora, alcanza el nivel de apoteósica unida a la escena final en la que todo se cierra de la forma fría y misteriosa posible. Tema clave en la banda sonora y eternamente ligado a la película. Alcanzó el numero uno en ventas en UK y con el tiempo, esta versión ha sido parte en gran medida, de que Donnie Darko se haya consolidado como película de culto.

A mayores, escuchamos canciones como The Killing Moon de Echo & the Bunnymen, sonando en la escena inicial de la película en la que vemos a Donnie en bicicleta y pijama y dejándonos una muestra de su núcleo familiar y ese mundo de finales de los 80 en los que el sueño americano y los tópicos que lo rodean eran tan palpables como rancios.

Love Will Tear Us Apart de Joy Division y Under the Milky Way de The Church se casan en la escena de la fiesta, la primera como el antes y la segunda como el después al primer encuentro sexual entre Donnie y Gretchen y dando paso a una de esas alucinaciones tan excéntricas de Donnie Darko.

Proud to Be Loud de PanteraHead over heels de Tears for FearsNotorious de Duran Duran… Una lista de temas que unidos a la banda sonora compuesta por Andrews forman parte de esa atmósfera emocional y siniestra de Donnie Darko.

Donnie Darko nos traslada a la adolescencia, a la rebeldía, a la melancolía que aflora en esos años en los que la infancia ya quedó atrás y todo lo nuevo nos viene grande. Esa época de ansias. Lo que a mi personalmente me evoca el conjunto de la historia, su ambientación, su atmósfera, su fotografía, sumándole la banda sonora, podría decir que es algo similar a lo que corría por mi cabeza la primera vez que escuche la banda sonora de Drive, que aun no siendo similares en cuanto a estilo musical, si lo son en cuanto al conjunto y la fusión que crean.

A partir de aquí, si sigues leyendo y te haces autospoiler, yo no tengo la culpa…

Explicación y preguntas

Universos paralelos y esquizofrenia. Ese sería un resumen de la explicación de Donnie Darko. Pero voy a profundizar más. Y profundizando, surgirán preguntas y preguntas. Y conforme vayas leyendo, probablemente alguna pregunta más te surja a ti también.

La película trata sobre la creación y la destrucción de una realidad paralela. ¿Realidad creada por Donnie en su imaginación o Frank es realmente auténtico y el universo paralelo tangible? Comenzamos en Middlesex en 1988 en el universo “real”. Frank, un personaje vestido de conejo, se le aparece una noche al protagonista dentro de uno de sus viajes sonámbulos. Su voz lo hace salir de casa y Donnie lo obedece, caminando hasta un campo de golf donde Frank le dice los días que faltan para el fin del mundo. 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved

El motor de un avión cae sobre la casa de Donnie, en su dormitorio, pero este gracias a su sonambulismo y a seguir las órdenes del conejo siniestro, se salva. Motor que no pertenece a ningún avión. Se despierta con los números de la cuenta atrás para el fin del mundo escritos en su brazo y llegando a casa para sorpresa de su familia. Este momento en el que Donnie sale de casa y se libra de la muerte, se crea un universo paralelo, un universo al que no pertenece y que debe romper para que la realidad y el momento presente, continúen su curso.

¿Cómo ha llegado Frank a Donnie Darko? El personaje de Frank, ese conejo llamado amigo invisible, actúa como alter ego y de forma contradictoria. Salva a Donnie de morir, crea el universo paralelo y a partir de aquí, tiene como fin acabar con este universo paralelo y con Donnie. Viaja en el tiempo guiando al protagonista por una realidad paralela. Realidad en la que sí tiene que morir y que dará sentido al universo real.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Donnie tendrá que realizar diversas acciones, guiado por Frank que lo llevarán a ese fin que es la destrucción del mundo paralelo. Tendrá que asumir su muerte, antes de ser consciente de que esta llegará. Inconsciente de ella gracias al miedo, emoción a la que se recurre a lo largo de toda la película, y dejándonos esa frase de Abuela Muerte: todas las criaturas de este mundo mueren solas.

El momento de la aceptación de la muerte y de la coexistencia de el mundo real y el paralelo, llega con la muerte de Gretchen, la novia de Donnie en su realidad paralela. Si Donnie muere, el universo paralelo nunca existirá y, por lo tanto, Gretchen nunca morirá. Al final, el amor es lo que mueve a Donnie a destruir este mundo, y su gran inteligencia lo que lo llevan a comprender la realidad de lo que está pasando: La filosofía de los viajes en el tiempo, el libro que Abuela Muerte escribe y que explica lo que le está ocurriendo.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Para llegar a su fin del mundo, Donnie tendrá que ocasionar una serie de eventos que irán encadenados en este mundo paralelo. Inunda el instituto, así conoce a Gretchen, y también gracias a esto, una de las profesoras llama al “terapeuta” Jim Cunningham para que dé charlas a los estudiantes, sobre el amor, y de nuevo, el miedo. Donnie quema la casa de Cunningham tras decirle cuatro verdades en la charla del instituto (amé a Gyllenhaal en esta escena de preguntas y verdades con tono ontológico).

“¿Yo un perturbado?… Sí, soy un perturbado y tengo mucho miedo. Porque creo que usted es el jodido Anticristo.”

Tras el incendio, se descubre que Cunningham era un pedófilo, la profesora defensora del terapeuta se ve obligada a quedarse en Middlesex para defenderlo y en su lugar la madre de Donnie deberá viajar a Nueva York con las niñas del grupo de baile entre las que se encuentra su hija. De vuelta de este viaje, se desprende el motor del avión que cae sobre la casa y acaba con nuestro protagonista. Donnie se sacrifica como acto de amor, para que Gretchen y todos los demás, vivan en el mundo real al que el ya no pertenece.

Richard Kelly, cineasta de culto maldito.

Donnie Darko se estrenó en octubre de 2001 y de forma limitada tras el atentado del 11S. Muchas películas que se estrenaron durante esos meses sufrieron las consecuencias del atentado, y en el caso de Donnie Darko, la cual comienza con el motor de un avión cayendo dentro de la casa de Donnie, tampoco ayudo a que su paso por la taquilla no fuera un fracaso. Apunto de ser estrenada en el canal de TV Starz pero finalmente llegó a la gran pantalla gracias al respaldo de por aquellos años, un también debutante Christopher Nolan que ya se había ganado el título de director de culto con Memento.

Director con un universo muy peculiar. Richard Kelly debutó como director con Donnie Darko. Y muy pocas cosas más tenemos de este hombre. Trayectoria muy corta y con solo Donnie Darko como título reseñable en su filmografía. Southland Tales o The Box son algunas películas más dirigidas por Kelly pero que no han sido precisamente ninguna gloria.  

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Con claras influencias de David Lynch, referente para muchos y que ha llevado esa influencia a crear películas de culto como Donnie Darko de Richard Kelly, Drive de Nicolas Winding RefnEnemy de Denis VilleneuveAir Doll de Hirokazu Koreeda o Lost River dirigida por Ryan Gosling.

Los Pitufos y la promiscuidad de Pitufina

Donnie Darko nos deja conversaciones y cuestiones sobre filosofía, física, psicología. Conversaciones en la que sale a debate la asexualidad de los Pitufos de mano de un adolescente. Nos deja miradas de Jake Gyllenhaal que además de atravesarnos, pasan a la historia. Película que se construye entre la fantasía y las enfermedades mentales, entre la filosofía y el inconformismo, entre lo absurdo y la lógica.

Diría que un imprescindible, que debería de ser apremiada a ver, de analizar y de llevar a su reflexión. Donnie Darko está en ese top contracultural que tanto nos gusta. En ese top de pelis rarunas que al menos a mí, me hacen amar este mundo del cine y la fantasía. Y que después de revisionarla para esta entrada y profundizar para para hablarte de ella, tendré en la cabeza durante unos cuantos días, chocando mis neuronas en un sin fin de fantasías.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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