Irving Penn

«Una buena fotografía es aquella que comunica un hecho, alcanza el corazón, y deja al espectador como una persona cambiada tras haberla visto.»

Woman with Roses

Irving Penn es el fotógrafo del minimalismo y de la vanguardia, uno de los más grandes del retrato del siglo XX y junto a Richard Avedon Helmut Newton elevó el mundo de la moda y la publicidad al nivel del arte moderno precursor de la fotografía de moda de hoy en día.

Irving Penn, Young Boy, Pause Pause, American South 1941

Fotógrafo y dibujante, pasando por Harper’s Bazaar donde publicó varios dibujos, o Vogue, imprimiéndose en octubre de 1943 su primera portada, por aquel entonces un bodegón, el trabajo de Irving Penn abarcó seis décadas en las que retrató a algunas de las figuras mas importantes del arte (Alfred Hitchcock, Truman Capote, Salvador Dalí, Miles Davis, Picasso, Martin Scorsese, Al Pacino, entre muchos otros…), tribus de Nueva – Guinea o de África Occidental descontextualizadas de su hábitat, o sus famosos bodegones de los que decía «fotografiar un pastel también puede ser arte«. Lisa Fonssagrives-Penn fue su musa, su esposa, y fue la famosa «Woman With Roses» de 1950, una de las fotografías más representativas de Irving Penn.

Dibujos Irving Penn , Harper’s Bazaar
Primera portada de Irving Penn, Vogue octubre 1943

Durante la II Guerra Mundial, Irving Penn fue destinado a Italia, ya liberada del fascismo, donde le asignaron conducir una ambulancia en Roma. En uno de los trayectos, Penn reconoció a Giorgio de Chirico. Frenó la ambulancia, corrió tras el y lo abrazó. Era su héroe, su artista favorito, y para su sorpresa, Chirico lo invitó a comer con el y su esposa. Fue su guía, le enseñó Roma e incitó a Penn a hacer sus primeras fotografías serias.

Truman Capote
Picasso
Gisele Bundchen
Philip Seymour Hoffman
Martin Scorsese
Salvador Dalí
Alfred Hitchcock

El «menos es más» era el lema de Irving Penn. Hizo renacer la técnica del platino – paladio: el contraste del blanco y negro, fondos neutros (blancos o grises) y el dominio de la luz eran su sello. Pero el secreto de su arte nacía de su creencia de que lo más importante era capturar el alma. 

http://irvingpenn.org/

Ansel Adams

El fotógrafo de Yosemite

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Naturaleza cruda y en blanco y negro, real e impresionante. Imágenes que pueden causar frio y soledad, los cuales no son más que el reflejo de la esencia de estos parajes, tan visitados hoy en día y tan desconocidos en ese período. Fotografías que nos trasladan a otra época, donde el color de las estaciones se adivina por el análisis de las fotografías y al menos a mi, me causan la sensación de estar explorando algo totalmente nuevo solo viéndolas y sin pisar esos suelos, y siendo hoy en día una estampa clásica de norteamérica.

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Ansel Adams, fotógrafo de estadounidense, conocido como el creador del sistema de zonas, técnica de exposición y revelado fotográfico a finales de los años 30. Es el impulsor del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos, ubicado a 320 km de San Francisco, tierra natal de Adams, y que cubre un área de 3081 km² y se extiende a través de las laderas orientales de la cadena montañosa de Sierra Nevada. Allí viajo en 1916 por primera vez para dejarnos fotografías históricas sobre este parque, y que son pura esencia de la naturaleza del país por la que tanto lucho el fotógrafo.

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Sus imágenes se convirtieron en símbolos de Angloamérica, defendió la naturaleza y los animales, siendo los paisajes el principal asunto de sus fotografías. Fotografió lugares que ya ni existen, y otros siguen existiendo gracias a el y a su afán por salvar estos parajes a través de su trabajo. En un viaje al parque natural de Yosemite en California, Ansel Adams captó en blanco y negro la grandeza de Estados Unidos, reflejando en sus fotos un gran contraste de luces y sombras, sus desiertos áridos, nubes y gigantescos árboles. Y en sus fotografías, muy rara vez, nos encontramos personas. Por este hecho precisamente fue muy criticado. Henri Cartier-Bresson dijo sobre Adams: «El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles.». Sus imágenes, son auténticos símbolos de América.

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«La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético.» – Ansel Adams (1902 – 1984).

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Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco, California. Se inició el a fotografía con una cámara Kodak 1 Brownie que le regalaron sus padres. En 1930 conoció al fotógrafo Paul Strand y a su trabajo el cual causó gran impacto en Adams, contribuyendo a distanciarlo del estilo pictorialista y encaminarse hacia la fotografía directa, donde la claridad de la lente es lo más importante, la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques, sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes. Junto a Strand, Imogen Cunningham y Edward Weston entre otros, formaron el grupo «f/64» en 1932, el cual promovió la fotografía directa. La fotografía comenzó a ser considerada como un medio artístico por sí sola y no como una forma de imitar la pintura. Sus fotografías más importantes se caracterizaban por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición y el control de las zonas. 

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Colaboró en 1936 el la organización de la primera sección de fotografía del MOMA, donde conoció al historiador de la fotografía Beaumont Newhall y a la escritora y diseñadora Nancy Newhall con quien publicó más tarde su libro «This is the American Earth«. 

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En 1939 Ansel Adams expone por primera vez en San Francisco y crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California. Trabajó por encargo para Kodak, IBM y AT&T además de ser fotógrafo en Hasselblad y revistas como Time y Fortune. En 1949 se encargó de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema. 

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Autor de numerosos libros sobre fotografía entre ellos la trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia), «Examples: The Making of 40 Photographs» o «This is the American Earth, with Nancy Newhall«. Entre sus obras más destacadas están «Taos Pueblo» (1930), «Sierra Nevada» (1948) y «Yosemite and the Range of Light» (1979) 

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En 1941 Adams fue contratado para llevar a cabo «El proyecto mural» por el Departamento Interior del Gobierno de EEUU, para llevar a cabo fotos de parques naturales, reservas aborígenes y otros lugares con el fin de ser usadas como fotografías murales del nuevo edificio del Departamento de Washington DC. Su acuerdo fue que podría también hacer fotografías para su propio uso, ocupando su propia película y revelado.ansel-adams-moorise-hernandez-new-mexico-1941

Su famosa fotografía «Moonrise over Hernandez» tuvo su controversia al no quedar claro si pertenecía a Adams o al Gobierno de EEUU, ya que Adams no fue tan meticuloso con el registro de las fechas de sus imágenes. La posición de la luna permitió que la imagen fuera fechada mediante cálculos astronómicos y se determinó que fue tomada el 1 de noviembre de 1941, una jornada que Adams no había trabajado para el Departamento, por la cual, le pertenecía.La misma disputa resultó no ser verdadera en muchos otros negativos. El proyecto se detuvo con la entrada en la Segunda Guerra Mundial de los Estados Unidos en 1942 y nuca fue terminado. 

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En 1981 recibió el Premio Internacional de la fundación Hasselblad

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“Una verdadera fotografía no necesita ser explicada ni expresada con palabras” 

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http://anseladams.com/

 

Robert Frank

The Americans es la herencia de Robert Frank sobre la sociedad estadounidense de la postguerra . Durante dos años viajó por Estados Unidos fotografiando a la sociedad americana. The Americans fue publicado por primera vez en París en 1958 y posteriormente en Estados Unidos en 1959, donde fue juzgada y repudiada por ser considerada ofensiva a su patria cuando se publicó, y hoy en día, es uno de los libros más significativos de la historia de la imagen, convirtiéndose en una referencia al cambiar la manera en que los americanos veían su propio país. Con su familia a cuestas e incidentes en el viaje, recorrió los 48 estados y tomó unas 28.000 fotos de las que selecciono 83 para ser publicadas. Al regresar de su viaje, Robert Frank conoció a Jack Kerouac, a quien le enseño su trabajo y que acabó escribiendo la introducción de la edición estadounidense de The Americans.

Robert Frank. (Retrato por Richard Avedon)
Robert Frank. (Retrato por Richard Avedon)

Robert Frank emigró de Suiza a Nueva York en 1947, donde encontró su primer empleo en Harper’s Bazaar y arrancó su carrera como fotógrafo. Después comenzó a viajar por América del Sur y Europa, publicando varios libros.

La perspectiva de los Estados Unidos de Frank cambió, siendo evidente en sus posteriores trabajos. El control excesivo de sus editores sobres su trabajo, la ironía de la cultura estadounidense, un lugar a veces triste y solitario, lo empujaron a viajar, trasladándose con su familia a París hasta 1953, cuando regresó a Nueva York y siguió trabajando como fotógrafo para revistas como Vogue o Fortune. En 1955 emprendió su viaje por todo el país, creando The Americans.

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Robert Frank (U.S.A., b. Switzerland, 1924), Beaufort, South Carolina, 1955. Gelatin silver print. Gift of Raymond B. Gary, 1984.493.34.

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Tras su obra culmen, Robert Frank se centró en el cine, rodando «Pull my Daisy«, «Sin of Jesus«, «Keep Busy» y «Candy Mountain«. En 1972 realizó un documental sobre los Rolling Stones, «Cocksucker Blues«, considerado su mejor film. El documental nos muestra a los Rolling durante su gira de 1972 entre drogas y sexo. El grupo demandó a Frank para impedir que se lanzara el documental. Retomó la fotografía con la publicación de su segundo libro «Lines of my hand«, descrito como una autobiografía visual.

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Ha dirigido vídeos para artistas como New Order y Patti Smith.

Se trasladó a Nueva Escocia, donde vive como un ermitaño en una antigua cabaña de pescadores, y adquiriendo una reputación de hombre solitario tras la muerte de su hija. Rechaza la mayoría de entrevistas y las apariciones públicas, aunque continua fotografiando. Uno de los mejores fotógrafos de la historia, su obra expresa la realidad, los estados de ánimo y un tono general pesimista.

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Sebastião Salgado

Sebastião Salgado, fotógrafo brasileño autodidacta, ganador de un Príncipe de Asturias de las Artes en 1998 y autor de libros de fotografías como Éxodos”, “Génesis o “Terra”.

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Nacido en 1944, se dedicó desde 1973 a la fotografía sociodocumental, donde empezó a trabajar para la agencia Gamma con sede en París. En 1979 se unió a Magnum Photos.

En 1994 abandona Magnum y crea su propia agencia, Amazonas Images, en Paris, donde presenta su labor, de la cual destaca la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza.

Suele fotografiar en blanco y negro con cámara Leica y de entre sus fotografías más conocidas están las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil.

Gold Serra Pelada, Brazil
sebastiao salgado serra pelada brasil
sebastiao salgado serra pelada

Éxodos es su libro de fotografía en el cual muestra su trabajo en 1993. En la introducción dice: «Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.» Este proyecto le llevo a 43 países, en todos los continentes, para documentar a las gentes que abandonan el campo hacia las ciudades, la migración internacional, los refugiados y sus duras condiciones de vida.

Sebastião Salgado_Campo de prisioneros refugiados en la Isla de Galang. Indonesia. 1995.-exodo
Sebastião Salgado_Campo de Turanj para refugiados bosnios. Krajina, Croacia. 1994.-exodo
Bushmen, Botswana, 2008

Su último libro,Genesis, el fotógrafo resume en 245 imágenes su periplo de ocho años por algunos de los lugares más extremos del planeta. Es un homenaje a nuestro mundo en estado natural y la búsqueda de los orígenes del planeta que habitamos, que ha evolucionado durante miles de años antes de verse enfrentado al ritmo de la vida actual.

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Sebastião Salgado_génesis-region-oriental-de-la-cordillera-de-brooks-refugio-nacional-de-la-fauna-y-la-flora-del-artico-alaska-estados-unidos-2009

Sebastião Salgado se ha empleado a fotografiar la supervivencia de los desposeídos del mundo, labor que ha plasmado en diez libros y muchas exposiciones y le ha valido numerosos premios en Europa y America.

Portafolio de fotografías de Sebastião Salgado

http://www.photography-now.net/sebastiao_salgado/portfolio1.html

Página web de Amazonas Images: http://www.amazonasimages.com/

En Segundo Episodio os traemos una selección de libros de  Sebastião Salgado.

Las mejores fotografías de David LaChapelle

Siempre llamativas y llenas de color. Probablemente la primera imagen que recuerdo de David LaChapelle fue la portada de Angelina Jolie para Rolling Stone en 2001 coincidiendo con el estreno de Lara Croft: Tomb Rider.

1. rolling stone cover david lachapelle - 2001

Volviendo al bachillerato, de otra Rolling Stone aproveché imágenes de un reportaje de LaChapelle sobre deportistas extremos para un trabajo de análisis fotográfico. Por esa época también me quedé con su nombre y otro libro enorme que también estaba en el escaparate de mi librería platónica.

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3. extreme sports davidlachapelle

Pieta with Courtney Love by David LaChapelle

La carrera de LaChapelle comenzó cuando Andy Warhol lo animó a publicar en la revista Interview, a quien también retrató.

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Tiene un estilo reconocible, extremadamente colorido inspirado en el estilo pop-art. Fotografías minuciosas, detallistas, con escenas ficticias y artificiales, planos abiertos, ángulos imposibles, y haciendo de los personajes que fotografía caricaturas.

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Couture Consumption by David LaChapelle

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Uma Thurman by David LaChapelle

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Rape of Africa by David LaChapelle

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Would be martyr and 72 virgins by David LaChapelle

David LaChapelle ha trabajado en moda, cine, ha fotografiado portadas de discos para artistas como Madonna o Kylie Minogue, publicidad para innumerables marcas…

quentin tarantino david lachapelle
quentin tarantino

Quentin Tarantino by David LaChapelle

Sus imágenes han aparecido en páginas y portadas de revistas como Vogue, Rolling Sonte, i-D, Vibe, Interview, The Face, GQ…

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Ha publicado varios libros en los que se muestran colecciones de retratos de celebridades y modelos, su particular visión del paisaje moderno y crítica a los excesos del mundo actual. Ha realizado videoclips para artistas como Moby, dirigido espectáculos como el de Elton John, y ha sido contratado por marcas de roma como H&M para la realización de sus spots comerciales.

Michael Jackson by David LaChapelle

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Family Taschen by David LaChapelle

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All U Can Eat by David LaChapelle

Los últimos años David LaChapelle dejó la fotografía de moda para crear fotografías contrapuestas a su primera obra conocida por su exagerado estilismo y hedonismo. El artista se ha forjado un estilo único y original. Es uno de los fotógrafos más influyentes, personales y extremos.

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AFTER THE DELUGE - museum david lachapelle 2007

After the deluge: Museum by David LaChapelle

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Icarus by David LaChapelle

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Land Scape: Anaheim by David LaChapelle

God pours life into death and death into life without a drop being spilled by David LaChapelle

God pours life into death and death into life without a drop being spilled by David LaChapelle

Teneis todas las series de fotografía de David LaChapelle en su página web.

http://www.lachapellestudio.com

En Segundo Episodio os traemos una selección de libros de LaChapelle. Yo, Almita, como friki fan de este artista, tengo bastantes de estos libros y considero que son un verdadero lujo e imprescindibles que no pueden faltar en mi biblioteca de arte.

Annie Leibovitz

Con 15 años en clase de “plástica” nos mandaron escoger un artista de entre varios para inspirarnos y preparar un dibujo de un mural. Yo sin conocer ninguno de ellos, cogí el que llamó mi atención de los que allí había, que era Keith Haring. Un año después ya en el bachillerato y paseando por la ciudad, me quedé alucinada cuando vi,  en la que después se convirtió en mi librería platónica, un libro enorme en cuya portada aparecía Keith Haring con el cuerpo pintado igual que en uno de sus cuadros. «Photographs: Annie Leibovitz, 1970-1990».

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No solo me llamó la atención la portada del libro y sus dimensiones, sino el precio, que rondaba los 2.000€. Lógicamente no me lo pude comprar, pero sí investigar sobre Annie Leibovitz y su trabajo. Una de las primeras imágenes que reconocí fue a portada de Bruce Springsteen y su trasero de Born in the U.S.A., disco que crecí escuchando, entre otras, como la mítica foto de John Lennon antes de su  muerte.

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A parte de innumerables premios, entre ellos el Principe de Asturias de 2013 de Comunicación y Humanidades, de ser la fotógrafa mejor pagada del mundo, Annie Lebovitz ha trabajado para Rolling Stone, Vanity Fair o Vogue.

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En diciembre de 1980, Annie fotografió a John Lennon para Rolling Stone. Los editores de la revista no querían que su esposa Yoko Ono, fuera retratada con él. Annie quería recrear la imagen de la carátula del álbum Double Fantasy de Lennon. Horas después de la sesión, John fue asesinado por un admirador. Finalmente, la fotografía que Rolling Stone publicó el 22 de enero de 1981 en su tapa fue aquella en que Lennon aparece desnudo y acurrucado junto a su esposa completamente vestida.

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En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo —y la primera mujer— en exhibir su obra en Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. La muestra, fue seguida por la publicación del libro Photographs: Annie Leibovitz 1970-1990, ese que llamó mi atención hace años.

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Si por algo se convirtió en una de mis fotógrafas preferidas, fue cuando vi la serie de Los Soprano este pasado año, y sus fotografías para Vanity Fair. El elenco completo fue reunido por Leibovitz por última vez para la revista debido al término de la serie.

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Desde fotografías como las del lecho de muerte de su compañera Susan Sontag, las guerras de Bosnia y Sarajevo, hasta la parte más íntima de los hogares de las celebridades de Hollywood, sus fotografías son tan costosas como las escenas de una gran producción cinematográfica. Es una de las fotógrafas más influyentes del siglo XX.

http://annieleibovitz.tumblr.com

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Richard Avedon

“Odio las cámaras. Interfieren y siempre se entrometen. Me gustaría poder trabajar con mis ojos solamente.” Richard Avedon (1923 – 2004) –  sus fotografías de moda y sus retratos habían ayudado a definir, en Estados Unidos.

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Comenzó trabajando para la Marina Mercante en 1942, fotografiando a los miembros de las tripulaciones con una Rolleiflex. En 1950 realizó trabajos de moda para las revistas Harper’s Bazaar, Vogue, Life y Look. Fue el gran fotógrafo de la moda entre los años 60 y 70. Elevó la fotografía de modo al rango de lo artístico.Dovima-with-elephants-Evening-dress-by-Dior-Cirque-dHiver-Paris-August-1955 avedon_monroe Andy Warhol, New York, August 20, 1969, Murals and Portraits richard avedon Andy Warhol, artist, New York, August 20, 1969, Murals and Portraits

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Durante 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur e los Estados Unidos, colaborando con James Baldwin en el libro Nothing Personal. A finales de los 60 y principios de los 70, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989 viajó a Alemania para documentar la noche en que caía el Muro de Berlín.

En 1979, por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. In The American West, granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo… en fotografías de gran formato, al aire libre y como siempre, con un fondo blanco “El fondo blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su cara; el contiene inexplorado el rostro del ser humano”. No hay nada en ellos del sueño americano o de la tierra prometida. 752 personas fotografió de las que escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984.

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“Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad”

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http://www.avedonfoundation.org/