Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno

El universo Mad Max, universo postapocalíptico, pero ante todo, un universo de fortaleza por sobrevivir en lo que probablemente algún día será el universo de nuestros descendientes. ¿Qué mejor forma de sobrellevar lo que nos viene encima? Cuando lleguemos al mundo del mañana mañana, que sea recordando obras como esta.

Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno, es la tercera película de la saga Mad Max, dirigida por George Miller y George Ogilvie en 1985, y que continúa con las aventuras de Max Rockatansky en un mundo mucho más apocalíptico y steampunk que en sus películas predecesoras.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Argumento Mad Max 3

Mad Max recorre el desierto en una carroza remolcada por camellos hasta que Jedediah (Bruce SpenceCapitán Gyro en Mad Max 2) un aviador que vuela junto a su hijo, se la roba. Max se dirigirá tras el ladrón hasta Negociudad, la ciudad en medio del desierto dirigida por Tía Ama (Tina Turner) donde esta le propone un trato para devolverle todas sus pertenencias: enfrentarse en la cúpula del trueno a Maestro y Golpeador, (Angelo Rossitto, El Maestro y Paul Larsson, Golpeador) los jefes del subsuelo donde se produce el metano, a base de mierda de cerdo y que es el nuevo oro, junto al agua.

BSO Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno

Empezamos la película con One of the living de Tina Turner, temazo que entra junto a los créditos y que nos hace ponernos en lo mejor, en el tremendo peliculón de Mad Max que nos viene encima, ¡después de haber visto las dos anteriores, no esperamos menos! Un Max desmelenado, apenas envejecido en un arduo desierto, con los restos de sus vestimentas aún más mugrientas y ese ritmo ochentero. Todo pinta genial.

Llegamos a Negociudad, y empieza a sonar Bartertown de Maurice Jarre. No podría haber tema más acorde para introducirnos en este nuevo mundo, en esta nueva ciudad, que una canción tan misteriosa y ceremoniosa como esta. Los cortes con el saxo que tendremos en las siguientes escenas al menos a mí, me hacen concebir Mad Max 3 como una película mucho más musical que las anteriores. Y eso es así.

Coming Home, suite de 15 minutos, correspondiente a varias escenas o The Children, otro de los temas incluidos en la película de Maurice Jarre. Cuando los niños encuentran a Max y lo llevan al valle, a ese paraíso con agua y verde en medio del desierto. Música alegre, esperanzadora y que volverá a repetirse a partir de aquí en más momentos. El disco de la banda sonora se lanzó en 1985 por Capitol Records, reeditado bastantes veces por diferentes sellos.

Estética y vestuario

La estética, el vestuario, la ambientación de Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno, cambia notablemente en comparación con las dos películas anteriores. En Negociudad hay una mezcla de estilos marcada, que combina las distintas culturas que han ido confluyendo en este lugar.

El vestuario sigue teniendo claras connotaciones a la estética bondage que vimos en Mad Max 2. Destacable ese momento en él que dos de los secuaces de Tía Ama suben el ascensor a mano, donde la falta de cuero es lo que hace destacar a este. El atuendo de Tina Turner, jefa de Negociudad, digno de estudio y rodeado por una impresionante melena larga y rubia. Cual cota de malla medieval, con sus hombreras sobre exageradas de virutas de acero y unos pendientes que al menos a mi me recordaron a los slinkies con los que jugábamos en los 90 (esos muelles de colorines que tirábamos por las escaleras)

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Mad Max 3: más allá de la cúpula del trueno incluye a mayores un estilo mohicano para los adeptos de Tía Ama, que visten una mezcla de tocados hechos con plumas, calaveras o crines y atuendos con carácter militar, dejando claro que de guerreros se trata. Peinados muy cherokees, muchas crestas y colas de caballo. En el submundo, destaca más el estilo steampunk, donde los restos de chatarra están más presentes. Golpeador con ese rollo más de cuero, pecho al aire… Onda Humungous de la segunda entrega de Mad Max.

Y finalmente, los niños que rescatan a Max en el desierto, que han creado su propia tribu, y visten de forma cercana al niño de la selva: pieles de animales, capuchas con cabezas de aves, algún cacho de ferralla, poco más que un taparrabos y lanzas. Y el culmen de los niños del mundo del mañana mañana, es la gorra del Capitán Walker que entregan a Max, con un pato encima. Tremenda.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

Esta tercera entrega, nos dejará de nuevo elementos estéticos que serán rescatados junto con otros de las demás películas de la saga de Mad Max, en Fury Road, la última de las películas estrenada en 2015.

Epílogo en el mundo del mañana mañana

Mad Max 3: más allá de la cúpula del trueno es una película mucho más familiar que las anteriores, sobre todo pasados los primeros 45 minutos. Tiene una clara división, ese momento en el que los niños entran en escena y Max pasa a ese papel de padre salvador, en la que el argumento y el ritmo pierden algo de fuelle, y se hace un poco más pesada de ver en comparación con las dos primeras películas de Mad Max. Se esperaba mucho de ella, y decepcionó. El mundo creado por George Miller ha evolucionado, pero nosotros no, nosotros seguimos esperando gasolina, persecuciones, violencia y bizarrismo.

Ya no hay coches, no hay gasolina. Hay metano, hay trueque, hay circo, arena y soledad. Hay un personaje que vende agua radiactiva. Los niños crecen sin conocer su pasado, el lenguaje ha evolucionado, el mundo pasado suena a fantasía. Los duelos se resuelven a muerte dentro de una cúpula donde dos hombres entran, uno sale. Donde los excrementos de los cerdos sirven para alimentar unas luces de neón que fueron tendencia, aunque no se recuerde ya el momento. El mundo del mañana mañana es el único atisbo de esperanza y conservación de la humanidad.

Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved
Mad Max 3 mas allá de la cúpula del trueno – Warner Bros – All Rights Reserved

El prólogo con el que comenzamos Mad Max 2: El Guerrero de la Carretera, en el que el niño, ya mayor, nos cuenta como el mundo ha llegado a tal declive, se convierte aquí en un epilogo en el que Savannah Nix (Helen Buday) cierra la película en el mundo del mañana mañana, en el hogar que buscaban, los restos de lo que habría sido alguna ciudad, donde los niños siguen creciendo y cada noche, recuerdan con un cuento, cuál es su pasado.

Conclusión

En general, está bien. Es una evolución que no le gusta a todo el mundo, del universo de George Miller Mad Max, pero es su evolución, su crecimiento, y como tal, hay que quererla igual. Aunque se le haya ido un poco con el argumento, sigue teniendo esa atmósfera postapocalíptica de Mad Max, una banda sonora increíble, y un conjunto de vestuario y fotografía que la hacen tan mágica en ese aspecto, como las anteriores.

Mad Max 2 El Guerrero de la Carretera

Como buena gallega con un poco de inquietud por la cultura del rock gallego, aun no habiendo nacido ni cuando salió la peli y casi a la par de cuando salió la canción, canturreaba mucho antes de haber visto Mad Max, eso de “!Y mírate Max, estás hecho una pena Max, estás hecho una pena!Siniestro Total incluyó en su disco En beneficio de todos, este tema en 1990, nueve años después del estreno de Mad Max 2 El Guerrero de la carretera, la cual marco un movimiento cinematográfico contracultural y punk cargado de distopía y rebeldía consumista.

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera es la segunda película de la saga de Mad Max, en la que Mel Gibson continúa interpretando al gran Max Rockatansky y que nos cuenta la historia de una comunidad de colonos que se ve obligada a luchar contra los merodeadores. Estrenada en 1981 y dirigida por George Miller.

Argumento Mad Max 2

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera sucede 5 años después de la primera entrega. Estamos en un escenario apocalíptico y postnuclear en el que ya casi no queda civilización, no hay ley, no hay normas, no hay vivienda, no hay hogar, y no hay sociedad equilibrada en un mundo, como se veía venir en la primera película, cada vez más demente. La gasolina es uno de los bienes más preciados y escasos.

El Mad Max que conocemos hoy en día, se forma tras la pérdida de su familia al final de Salvajes de Autopista. Se convierte en un héroe solitario que busca venganza de forma involuntaria. Vemos a Max después del prólogo inicial siendo perseguido por Wez (Vernon Wells) y su pareja Golden Youth (Jerry O’Sullivan) en una moto además de otros vehículos.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Tras esta persecución en la que Max sale airoso y consigue recolectar gasolina, sigue su rumbo, el cual le llevara a conocer a Capitán Gyro o Gyrocopter (Bruce Spence) y junto con el llegan a una refinería donde una colonia de supervivientes luchas contra los merodeadores que intentan robarles la gasolina. Max empezará una lucha para ayudarles a defenderse de estos ataques liderados por Humungous (Kjell Nilsson), el líder del clan.  

Un argumento simple, defender una colonia de los atacantes. Pero con mucho ritmo, acción y vehículos que hacen que se nos pase el tiempo volando. Pocos diálogos, de Mel Gibson de quien menos (y gracias, porque el doblaje en español no le hace justicia)

Prólogo de una época de caos

Si algo empieza llamando la atención de esta secuela es la introducción. Nos encontramos con un prólogo en el que nos relatan como el mundo se fue a la mierda tras el holocausto nuclear, como la gasolina es una de las cosas más importantes que quedan y como Mad Max se ha convertido en un guerrero de la carretera. El niño salvaje que vemos durante esta entrega, será quien nos narre, ya de mayor, esta introducción.

“Mi vida se apaga… mi vista se oscurece… sólo me quedan recuerdos. Recuerdos que evocan el pasado. Una época de caos, de sueños frustrados, este páramo. Pero, sobre todo, recuerdo al Guerrero de la Carretera, al hombre que llamábamos Max.” Niño salvaje

Imágenes de archivo, que vistas ahora 40 años después parecen casi reflejar el mundo que nos espera cada vez más cercano. Guerras, explosiones, manifestaciones, imágenes a modo de resumen de la primera película de Mad Max, en un formato cuadrado que te hace dudar sobre si está mal la película, y que te hace plantearte como serán 95 minutos en este formato. Pero no, es solo la introducción, y ya pasamos a una de esas persecuciones tan guapas de Mad Max con vehículos estrafalarios y mucho polvo.

A modo de dato curioso, decir que, en Australia, donde Mad Max: Salvajes de autopista triunfó y se convirtió en una película que marcó historia dentro de su cine, esta introducción no existe, ya que, obviamente, no necesitaban que les explicasen de donde viene Mad Max ni el mundo postapocalíptico en el que transcurre.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Estética y ambientación.

En Mad Max 2, la estética y el vestuario, siguen la línea de la primera película. Por parte de la parte atacante, cada uno lleva un poco su estilo, tenemos diferentes personalidades casadas por el uso de piezas de metal cual chatarrero andante o desguace ambulante. La diseñadora Norma Moriceau fue la encargada de vestir a la tropa de Humungus.

Con una inspiración claramente fetichista donde la estética del sadomasoquismo es una de las más presentes en los merodeadores a base de cuero, correas, collares… Esta conexión con la homosexualidad está presente no solo en el vestuario si no también en los personajes, donde no hay mujeres, y algunos como Wez y Golden Youth son pareja. Obviamente, una provocación que dejó más huella creativa en el espectador, que la causada en la crítica especializada de cine en la época.  

La ambientación, en este mundo muerto, se complementa con la localizaciones desérticas y arenosas, rotas solo por el asfalto y vehículos viejos, oxidados y modificados para sobrevivir al máximo.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Vehículos de Mad Max 2

Los vehículos son otra de las características representativas de las películas de Mad Max. En Guerrero de la carretera se utilizaron sobre 80 vehículos diseñados como una obra de arte para cada escena, entre coches, buggies, motos, camiones y el famoso girocóptero popular de Mad Max. La persecución final, quizás la mejor, de 13 minutos, en la que el camión cisterna se estrella es una obra maestra, tanto por el peligro que conllevaba como por su brutalidad como broche final.

En cuanto a los coches de Mad Max 2, tenemos desde un Chrysler by Chrysler del 71, un Chrysler Valiant Charger 770 al que vemos atado a uno de los colonos muertos, un precioso Desoto Firesweep del 59, un Ford Customline del 56, Ford F-100, Ford Fairlane, Ford Landau, varios Ford Falcon entre ellos el GT351 de Mad Max, un Holden Monaro del 71…

Conclusión

Mad Max 2 El Guerrero de la carretera es una perfecta continuación del mundo en decadencia que nos presentaban en Salvajes de autopista, prosiguiendo así lo que se acabaría convirtiendo en la saga de películas más importante del género postapocalíptico. Entretenimiento, diversión y ante todo, enaltecimiento de la subcultura de los ochenta.

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Mad Max, coches, gasolina y autopista

Mad Max: salvajes de autopista está repleto de motor, carretera y como no, clásicos de los que nos gusta recordar, aunque en este caso, no solo los coches son los vehículos protagonistas (y aquí Ford es la gran marca estrella), ya que contamos con unas cuantas motos.

Ford Falcon, la gran estrella

El vehículo principal que más asociamos con esta película, es el Ford Falcon, el coche de la policía, el Interceptor.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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El Ford Falcon ha sido uno de los coches más importantes y famosos de Australia, donde hasta hace unos años se encontraba la última fábrica de Ford que producía este modelo, el cual fue precursor en la industria automovilística del país y llegó a ser durante mucho tiempo, uno de los vehículos más vendidos en Australia.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Lo vemos en distintas versiones del Ford Falcon, pero la edición más especial es la “Pursuit Special”, una versión GT351 limitada del 73, y modificada por Jon Dowding, el director artístico de Mad Max. Un coupé de techo rígido del cual solo se fabricaron unos 1.000 coches. Max lo utiliza al final de la película para perseguir a Toecutter (también llamado en la película el corta dedos o corta uñas) y su banda tras la muerte de su familia y nos deja algunas de las imágenes más míticas de esta película.

Vemos el Ford Falcon XB Sedan de 1972 como el coche de los Interceptor en la primera escena de Mad Max, dejando una de las escenas más célebres: el Ford Falcon y el del Jinete Nocturno pasan entre un niño pequeño que cruza la calle dejando los nervios a flor de piel entre que pasan y no, y empezamos ya imaginándonos un horror de escena nada más empezar.


Tenemos también otro par de modelos del Ford Falcon, más antiguos. Un Ford Falcon Deluxe Wagon del 60 y un Ford Falcon XK del 61.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Holden Monaro HQ V8 para el Jinete Nocturno


Otro de los coches protagonistas de Mad Max: salvajes de autopista, es el Holden Monaro HQ V8 del 72, con el que empezamos la película. En este coche se produce la primera persecución entre los Interceptor y el Jinete Nocturno que será el desencadenante del resto de la historia. Se trata de un modelo básico y manual (recordemos ese plano de los pies descalzos sobre los pedales del Jinete Nocturno).

Chevrolet Bel Air, Holden Sandman y Holden EJ


Otro de los coches que captarán nuestra atención es el Chevrolet Bel Air del 59, en el que la joven pareja de enamorados escapará de la banda de motoristas. Ver como acaba este precioso coche por parte de los vándalos, hace que se nos encoja el corazón.


Tenemos también un Holden Sandman del 75, un auténtico icono australiano de la época. Se trata del coche familiar de la familia Rockatansky. Lo vemos por primera vez cuando Max se va de vacaciones con su familia, teniendo la mala suerte de pinchar una rueda y parar a repararla en el lugar equivocado.

La mujer de Max, va a comprar un helado y se encuentra con la banda de Toecutter. Acaba dándole una patada en los huevos a este, se escapa, la banda la persigue, y entre ellos, uno de sus miembros que acaba perdiendo una mano que se queda enganchada en el coche. Coche que no da más que disgustos ya que finalmente se estropea causando así el fatídico desenlace para la familia Rockatansky. El frontal del vehículo fue sustituido por un HJ Caprice con faros Ford XC GXL.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Otro de los Holden que vemos en Mad Max es el Holden EJ del 63 totalmente destartalado en el que Jim el Ganso carga su moto después de accidentarse. Finalmente es embestido por la banda de motoristas dejando muy mal parado a nuestro Ganso.

Kawasaki reina en las motos de Mad Max


Entre la lista de motos que tenemos en Mad Max esta la Honda CB 750 FourKawasaki Z 1000 A1Kawasaki Z 900 A4 del 76, Kawasaki KH 250 B2 del 77 entre unas cuantas más que se nos escapan a nuestros conocimientos e información. A modo de curiosidad sobre las motos de la banda de Teocutter, algunos de los moteros eran miembros del club de “Los Vigilantes” y las motos, 14 de ellas, fueron regaladas por Kawasaki para que los actores practicasen antes con ellas.


A lo largo de las cuatro películas de la saga de Mad Max se han empleado, modificado y construido sobre 150 vehículos entre coches, motos, y demás, creando híbridos grandiosos con piezas de diferentes automóviles que nos sumergen mucho más en un mundo distópico alimentado por el motor y la gasolina.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Mad Max salvajes de autopista

Argumento de Mad Max

Ambientada en una Australia desértica y en un futuro distópico y totalmente demente, marcado por la escasez de recursos y en crisis social total, Max Rockatansky, policía de la Patrulla de Fuerza Central se verá envuelto en una guerra entre motoristas salvajes y los policías Interceptor, encargados de la vigilancia de las carreteras. La gasolina y los vehículos, son uno de los bienes más preciados en este mundo en decadencia, donde las bandas de criminales son cada vez más depravadas y bestias. Durante una persecución, Max acaba con el Jinete Nocturno, el líder de la banda de motoristas, y estos comienzan así la venganza por su muerte.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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George Miller y la saga Mad Max

42 años han pasado ya desde que Mad Max: salvajes de autopista, se estrenara en 1979 y diera inicio a una de las sagas de ciencia ficción postapocalípticas más maravillosas e inspiradoras. Dirigidas todas por George Miller, Mad Max: salvajes de autopista, es su opera prima bestial.

En 1981 se estrenó Mad Max 2: el guerrero de la carretera, donde el estilo punk postapocalíptico de la película continuó popularizándose. En 1985 salió Mad Max: más allá de la cúpula del trueno, donde Tina Turner acapara el protagonismo no solo por su papel si no por la interpretación de algunas de las canciones de la banda sonora, y en 2015 se estrenó la última (de momento) Mad Max: Furia en la carretera, protagonizada por Tom Hardy y Charlize Theron, la cual obtuvo muy buena recepción y ovación por su enaltecimiento del feminismo.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Reparto y personajes principales

El protagonista de esta historia distópica es Max Rockatansky, un jovencísimo Mel Gibson de 23 años que como curiosidad acudió al casting lleno de moratones y con la cara hinchada tras una pelea y para acompañar a su hermana. Se ganó el papel gracias a su aspecto desfigurado y al coste de contratarlo, ya que Mad Max era su segundo trabajo en el cine y uno de los que lo lanzó a la fama.

Max es un joven formal, enamorado de su esposa y su hijo, hogareño, que combina este ideal familiar bucólico con su trabajo como policía en un mundo loco y en declive. El personaje de Mad Max que conoceremos en las siguientes películas vendrá originado tras la pérdida de su familia lo cual transforma a Max en un guerrero solitario y aparentemente carente de emociones.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
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Joanne Samuel interpreta a Jessie Rockatansky, la esposa de Max. Nos deja junto con Max algunas de las pocas escenas románticas de la película, como los mensajes en lengua de signos con su marido o la escena idílica de los dos en el campo acurrucados tras regar el helecho. A pesar de que el trasfondo que mueve a Max es el amor por proteger a su familia y la venganza por la pérdida de esta, la sexualidad en la película es básicamente palpable de forma violenta y angustiosa.

Hugh Keays-Byrne es el CortadedosCortauñas o Toecutter, el villano de la película y líder de la banda de motoristas que causan el terror. George Miller contó de nuevo con él en Mad Max Furia en la Carretera, de 2015, en esta ocasión interpretando a el enmascarado Immortan Joe.

Steve Bisley interpreta a Jim “el Ganso” Rains, uno de los mejores amigos de Max y su compañero en el MFP. Nos deja algunas de las escenas más memorables en moto de la película. Lo vemos por primera vez en una cafetería contando una historieta, cuando suenan las sirenas y sale corriendo. Acaba teniendo un accidente en la moto y al día siguiente lo vemos en otra escena mítica en la que está jugando en una Kawasaki KH 250 con su pierna enyesada y una manzana en la boca a pecho descubierto.

En cuanto al resto del reparto tenemos a Tim Burns como Johnny the Boy, el detonante para el ataque al Ganso y a quien Toecutter pone siempre a prueba, Roger Ward interpretando a Fred “Fifi” Macaffee, el jefe de policía que no dejará escapar a Max del cuerpo, Geoff Parry como Bubba Zanetti, otro de los miembros de la banda de motoristas, o Vincent Gil como Crawford Montazano, el Jinete Nocturno.

Estética e influencias en Mad Max

La estética de Mad Max es otro de los puntos fuertes que han prevalecido y marcado la película. La indumentaria en general, y la estética es claramente un contraste entre los policías y la banda de moteros.  Los policías, con sus trajes de cuero, algunos embutidos cual chorizo que no entiendes ni como se mueven, sudorosos, con ese rollito dominante bondage.

Por otro lado, la banda de moteros, con un carácter punk, macarra y contracultural, cada uno con una vestimenta más extravagante que el otro, maquillajes que se mezclan con mugre y una sexualidad bastante ambigua. El combo estético de ambos frentes, crea ese escenario distópico y en decadencia el cual se supone que se vería así a los ojos del público en el 79 cuando salió la película.

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Mad Max tiene un top de escenas que nos quedarán grabadas en la mente, con esos detalles de salvajismo o humor. Cuando los ojos se le salen de las órbitas antes de chocar, tanto al Jinete Nocturno al principio de la película como a Toecutter al final, tan serie B pero tan jodidamente guapas y que han pasado a la historia, como otras más cómicas como Johnny the Boy encendiendo la cerilla con la cremallera de la chaqueta de Toecutter, o ver a Fifi Macaffee enfundado en cuero y con el torso al aire mientras riega sus plantitas.

En ciertos momentos, la mezcla de la estética, de la brutalidad y del salvajismo me han recordado a La naranja mecánica de Stanley Kubrick del 71. Por ejemplo, la escena en la que la banda de motoristas persigue a la pareja que conduce el Chevrolet Bel Air del 59, con una atmósfera inquietante y terrorífica en la que realmente no nos muestran violencia alguna y dejan casi todo a la imaginación. La percepción de la policía, donde el crimen se castiga con violencia y sea como sea, trae también influencias a Harry el Sucio de Don Siegel.

Como conclusión rápida, Mad Max: salvajes de autopista es una película imprescindible del género de acción y distopía, que se adelanto en su tiempo y ha marcado el cine en muchos aspectos,  y que nos ha dejado una saga de otras tres películas guapísimas (no entraré de momento en debate de si mejores o peores que la primera)

Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads
Mad Max Films – Kennedy Miller Productions Crossroads

Song to Song, un videoclip poético improvisado

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

Song to Song videocreación de Terrence Malick

Aunque aún ahora podemos ver Song to Song, la película de 2017 y rodada unos cuantos años atrás, se estrena ahora aprovechando la falta de contenido en cines por la situación actual del covid. La llamamos película, pero yo no la consideraría como tal. La ponen a caer de un burro. Yo personalmente no considero que sea para tanto, pero sí admito que no es una “película” fácil… No es entretenimiento para pasar el rato, porque en muchos momentos se hace muy muy pesada.

Más que una película, es video creación, que en algunos momentos a mi me recordaba a una especie de videoclip poético… cine de autor le llaman… Pero la cuestión es que hay que ser muy tolerante y abierto de mente audiovisualmente hablando para conseguir verla entera y encontrarle el sentido a Song to Song.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Elenco lleno de estrellas musicales

Entre su elenco, veréis más caras conocidas que desconocidas. Michael Fassbender (Cook), Ryan Gosling (BV), Rooney Mara (Faye) y Natalie Portman (Rhonda) son sus protagonistas. Los cuatro protagonistas con sus relaciones románticas algunas entrecruzadas y que acaban llevándolos a la obsesión y traiciones todo dentro de la escena musical de Austin. Song to song es una apología al amor y a la música.

Entre actores que aparecen, así como a saludar, tenemos a Cate Blanchett, Patti Smith, Val Kilmer, Trevante Rhodes, Angela Bettis, Bérénice Marlohe, Florence Welch, Holly Hunter, Iggy Pop, algunos de los Red Hot Chili Peppers, Lykke Li, Austin Amelio, Olivia Grace Applegate, Linda Emond, Tom Sturridge…

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Song to Song. Pensamientos como narración

La narración de la historia transcurre a base de pensamientos con voz en off por parte de sus cuatro protagonistas, con imágenes que van saltando en el tiempo y que hacen que tengamos que estar un 200% atentos si queremos entender una mínima parte.

La interpretación de los actores está totalmente separada: movimiento, gestos y emociones perseguidos por una cámara sin aparente ton ni son, como un baile libre a modo de documental o de teatro, con gesticulación y lenguaje corporal como base. Por otro lado, sus pensamientos que se van desvelando y entrecruzando con su voz en off que doblada, en ocasiones te hace dudar de a quien pertenecen. Muy pocas conversaciones en toda la película, aunque de las más destacables son las que Faye tiene con Patti Smith.

La cámara juega constantemente con los actores, que parece que van recorriendo todos los sets de rodaje improvisando, (aunque según Ryan Gosling, durante el rodaje de la película no se utilizó ningún guion). Intenta ser tan realista como si fuese un documental que acaba mareando, con excesos de gran angular.  Por momentos casi le gritas al televisor que se esté quieto y te deje ver al completo por unos segundos el plano. Y este es uno de los motivos que ayuden aun más a que sea difícil de seguir.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Algo que me llamaba mucho mientras veía Song to Song eran las localizaciones, la arquitectura de esas mansiones de lujo, los paisajes tan naturales que de repente se mezclaban con escenas de festivales o con estampas típicas tejanas. Se desarrolla en el marco de la escena musical de Austin (Texas), donde se ruedan la mayoría de las escenas de bares, restaurantes y hoteles, así como las de los festivales en el Austin City Limits, el archiconocido SXSW o el Fun Fun Fest.

Estas son las localizaciones más musicales de la película donde aparecen varios de los músicos – estrellas invitadas. Incluye escenarios en la ciudad de Mérida en Yucatán como el puerto y playas del Progreso, la calle 80 en el centro de la ciudad o cafeterías clásicas de la zona.

Banda sonora, saltando de “Song to Song”

En cuanto a la música, tenemos una banda sonora constante. Saltando de Song to Song. Pero no es un musical, como leí hace años cuando se empezaba a hablar de la película. Ryan Gosling, quien no solo ya tiene experiencia en musicales como La la land, sino que además tiene su grupo de música desde hace más de 13 años (que personalmente me parece bastante bueno), a penas toca algún instrumento del cual casi no podemos escuchar su interpretación.

Michael Fassbender, canta por unos segundos literales, aun también teniendo su experiencia en Frank, donde interpreto cantando a su personaje.  A mi parecer, desaprovechados musicalmente ambos actores en la película.

Aquí os dejo un enlace a los créditos de la banda sonora de Imdb que no he contrastado en absoluto, pero sí que he reconocido algunos temas como los de Patti Smith o como no, el primero que escuchamos en la película de Die Antwoord.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Mini Spoiler sobre la historia.

Faye (Rooney Mara), parece encantada siendo objeto de deseo a pesar de su talante desalentadora y su batiburrillo sentimental. Cuando se da cuenta de que está arrastrando a su vacío de vida a BV (Ryan Gosling) decide reaccionar. Este, músico enamorado y conquistador cual recuerdo de El diario de Noa, calca como siempre su papel de romántico, etéreo, sensible y espiritual… Y Cook (Fassbender) más cercano a encasillarse en su papel de depredador y obseso sexual por si no fuera poco con Shame o 12 años de esclavitud.

Rhonda (Natalie Portman), la protagonista con más fuerza de los cuatro, pero sin embargo la que menos minutos ocupa de la película, es una camarera creyente y devota que se ve engatusada (o que quizás estaba deseando engatusarse) por Cook y todo el vicio que le rodea en su mundo de lujo y que acaba con la pobre chica.

Song to Song © 2017 Broad Green Pictures
Song to Song © 2017 Broad Green Pictures

Drive como obra pictórica

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

El proyecto visual de Drive es poco menos que pictórico. Con una estética y una fotografía muy marcada a lo largo de toda la película que utiliza los colores de forma narrativa junto con la historia. Desde el comienzo, los patrones lumínicos serán la clave.

Color dorado Drive

Dorados, naranjas y aires de luces de neón rosa como los de los créditos, que nos llevan a una estética ochentera. Junto a los colores el otro punto fundamental visualmente que hace de la película un arte fotográfico es la profundidad de campo, usándose como recurso habitual en planos cerrados de interiores como los de los coches donde siempre podemos ver más de lo habitual.

Bryan Canston & Ryan Gosling - MWM Studios – All Rights Reserved
Bryan Canston & Ryan Gosling – MWM Studios – All Rights Reserved

Con una ambientación ochentera, fotografía, vestuario, decoración y música se complementan para formar un conjunto perfecto de estilo ya icónico de esa época. Las luces de neón nos acompañan en toda la película desde los créditos, siendo recurrentes en muchas de las localizaciones y decorados. Los escenarios, con decoración a base de papeles pintados siempre combinados con los juegos de luces en dorados constantes en Drive. Moteles típicos americanos y un atrezzo totalmente acorde.

La fotografía, como arte presente en cada escena, jugando con el color como el protagonista más importante. Nos encontramos con muchos planos, (los más pronunciados quizás sean los de Carey Mulligan) en los que el perfil del rostro es remarcado por una imponente luz dorada a contraluz que crea un contraste importante dejando entrever siempre la luz y la oscuridad del momento y la historia (ese beso tan esperado en el ascensor).

Nicolas Winding Refn – Director de Drive
Nicolas Winding Refn – Director de Drive

Dorado y naranja en cada secuencia, entrando habitualmente a través de ventanas, como por ejemplo en la noche, en cualquiera de las escenas en las que veamos en el taller de Shannon (Bryan Cranston), como de día, en otro plano ya convertido en hito, de nuestro driver con su cara ensangrentada, creando un contraste entre el rojo de la sangre y el azul de sus ojos e incluyendo de nuevo ese papel pintado que, al mismo tiempo, contrasta con el dorado que cruza unas cortinas en tonos cálidos. 

El ascensor de oro, el cual es escenario de varios de los acontecimientos más míticos y que envuelve en calidez tanto los momentos románticos como la máxima violencia, o esa entrada triunfal de Ryan Gosling por el club, martillo en mano, con su chaqueta dorada y que nos llevan hasta unos camerinos donde el rojo, el neón y el enmoquetado casi acaparan más atención que las perfectas chicas en cueros. 

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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Influencias de David Lynch en Drive.

Es inevitable que no nos vengan a la cabeza Terciopelo AzulCarretera Perdida o Mulholland Drive de David Lynch. El propio Nicolas Winding Refn hizo referencia a la influencia de Lynch en varias ocasiones. Muchas similitudes con Wild at Heart desde la chaqueta de Ryan Gosling, (por suerte un poco más discretita que la de Nicolas Cage, pero en la misma onda), algunos lugares comunes, o ese beso al atardecer, fundiéndose en tonos dorados y con un Ford Thunderbird, otro de los clásicos que también vemos en Drive.  

Desde la fotografía nocturna, la estética en general y el roce con el surrealismo tienen aires descaradamente Lynch.  Escenas entre lo gore y lo cómico como la ya mencionada hace unos párrafos en la que Gosling aplasta la cabeza al villano en el ascensor tras ese beso con Mulligan, o otras más simples, como el conductor con el hijo de Irene en el sofá, escena con la que al momento en mi cabeza han aparecido dos conejos tal que Inland Empire (igual es cosa de esta cabeza perturbada, también es verdad).

Drive - MWM Studios – All Rights Reserved
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Drive, una sobredosis de coches clásicos

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

Drive trata sobre un conductor, y un conductor tiene que conducir coches. Obviedades. Hay muchos coches en la película, pero no se trata de un Fast and furious. El coche es más que nunca el complemento perfecto de nuestro protagonista, el medio de vida y el de transporte. Aquí te dejamos un repaso de los mejores coches que aparecen en Drive.

Chevrolet Impala del 2010

Chevrolet Impala 2010
Chevrolet Impala 2010

Empezamos la película con un Chevrolet Impala del 2010, en el que tenemos la primera persecución, donde ese coche precisamente lo que hace es destacar la conducción por encima del vehículo y de efectos especiales. Y el arte de conducir. Sin explosiones ni piruetas imposibles.  Este Chevrolet tiene su papel en la película, en la secuencia de apertura, creando una escapada que nos enseña una meticulosa planificación por parte del conductor. Con su cronómetro, la radio con la banda de la policía y estos persiguiéndolo. Una secuencia de ocho minutos que se mantiene por sí sola.

El coche, es mencionado por el personaje de Shannon (Bryan Cranston) como “el coche más popular del estado de California. Nadie te mirará”, y efectivamente, es un coche que, por lo general, pasa desapercibido entre tantos otros coches iguales, no tanto por ser un coche tan vendido si no por ser parte de todas las flotas de coches corporativas y de alquiler.

Mustang GT del 2011 y Chrysler 300C de 2006

Ford Mustang GT 2011
Ford Mustang GT 2011

Otra escena de persecución (no es que haya muchas en sí) la hace con un Mustang GT del 2011 escapando de un Chrysler 300C de 2006, la cual ha traído muchos debates en foros de coches sobre como el Chrysler puede ser que alcance el Mustang. Se ha dicho también que esta escena tiene muchas similitudes con el clásico “Bullit” de Peter Yates, ya que da más valor al sonido de los motores que las acrobacias imposibles o la destrucción de los vehículos en sí. En Drive se evitan locuras inviables y se busca representar el máximo realismo en la técnica de conducción y reacción ante la toma de riesgos.

Chrysler 300C 2006
Chrysler 300C 2006

El director juega muy bien con el encuadre y la edición en el final de esta persecución, que termina con el tiempo ralentizado, con el Chrysler accidentado chocando y mostrándonoslo desde el interior del Mustang con Christina Hendricks sentada en la parte de atrás. Acrobacias discretas para los estándares a los que estamos acostumbrados en el cine donde se vea una persecución, con un accidente del Chrysler muy ligerillo y real que nos podemos encontrar cualquier día en la carretera.

Chevrolet Monte Carlo

Chevrolet Monte Carlo
Chevrolet Monte Carlo

Vemos a nuestro driver con un Chevrolet Monte Carlouno de los modelos más exitosos del Nascar, tanto en el circuito como el taller en distintas ocasiones. No son muchos los coches que han competido y durante tanto tiempo en la categoría top del automovilismo estadounidense, y en Drive, Shannon quiere competir con Gosling como conductor y es precisamente este coche y esta competición, lo que creará una de las primeras subtramas de la película.

Chevrolet Malibú del 73

Chevrolet Malibú 73
Chevrolet Malibú 73

El coche personal del protagonista es un Chevrolet Malibú del 73, que nos deja algunas de las escenas al volante más románticas. Como dato curioso, es la habilidad de Gosling para la mecánica y que fue el mismo quien eligió el coche, lo desmontó por completo y lo reconstruyó para la película. El Chevy Malibú le debe su nombre a la zona de los Ángeles donde nació en su día la cultura del playeo en los 60 en Estados Unidos. Era el modelo superior de tamaño intermedio, al igual que el Chevelle y El Camino.

Ford Thunderbird del 55

Ford Thunderbird del 55
Ford Thunderbird del 55

El taller de Shannon nos regala un muestrario chulo de coches clásicos. El Ford Thunderbird del 55, rojo, precioso, que quita el protagonismo al Chevrolet Monte Carlo sobre el cual gira la conversación en la escena. Si pensamos en el Ford Thunderbird en el cine, es imposible no pensar en Thelma y Louise y el descapotable como símbolo de empoderamiento y liberación femenina. En este caso se trata de un modelo más nuevo, del 66, pero que la película de Ridley Scott convirtió en uno de los coches míticos del cine, y que en Drive tiene también su aparición estelar, siendo en este caso del 55, de la primera generación, Classic Birds o Little Birds.  

Pontiac GTO de 1967

Pontiac GTO 1967
Pontiac GTO 1967

El Pontiac GTO de 1967, el primer muscle car, en un tono dorado como no, acorde con toda la fotografía de la película. Servirá como lecho de muerte y nos deja otra muestra de la estética de la película mencionada anteriormente: las luces exteriores tan cálidas se funden con los tonos también en dorados del interior del taller y de este vehículo, siendo clave en la escena como otro elemento de la fotografía imprescindible. Este Pontiac es también protagonista de la primera entrega de la saga de las películas xXx, en este caso de color negro y violeta metalizado.

Dodge ChargerCadillac Eldorado o un Ford Galaxie 500 entre muchos mas.

Dodge Charger
Dodge Charger

Dodge Charger del 69Cadillac Eldorado del 68 o un Ford Galaxie 500 de 1971, entre otros muchos coches que desfilarán en todas las escenas que tienen lugar en el taller mecánico. El coche en el que el conductor hace sus acrobacias como especialista de cine es un Ford Crown Victoria y también tenemos en la película un Lincoln Town Car Executive Series del 98, el coche en el que escapa Nino y que el conductor tira por la playa.

Cadillac – El Dorado
Cadillac – El Dorado
Ford Galaxie 500
Ford Galaxie 500

Drive y el síndrome Stendhal

¡Atención! este artículo contiene Spoilers

!Os advertimos! que la película Drive puede generar un elevado ritmo cardíaco, algo de vértigo, confusión, temblor, palpitaciones… e incluso una reacción romántica ante la acumulación de belleza y goce artístico más conocido como el síndrome de Stendhal, avisados quedáis…

Introducción

El mejor resumen que se puede hacer de Drive, para mí, en pocas palabras es serenidad, generosidad y juegos de color. Volver a ver la película, bastantes años después, me ha dejado fijarme en aspectos que la hacen mucho más grandiosa y que en un primer vistazo pasé por alto o los agrupé en la “estética” de Drive.

Estética que se estableció como un referente fotográfico de cine y que visualmente se puede desmenuzar en mil detalles que hacen que la magia visual y técnica sobrepasen a un guion y a una interpretación bastante decente con un trasfondo ético y sentimental muy bonito.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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Drive es una película estadounidense dirigida por Nicolas Winding Refn (Bronson o Too Old to Die Young) de 2011, con un guion de Hossein Amini basado en la novela de James SallisCliff Martinez es el creador de la fabulosa banda sonora la cual merece un artículo completo para ella sola, y que cuenta con Ryan GoslingCarey MulliganAlbert BrooksRon Perlman, Bryan Cranston como protagonistas. Drive se ha convertido con los años en una película de culto del cine independiente de USA.

Sinopsis

Drive trata sobre un conductor (Ryan Gosling), mecánico en un taller, conductor especialista de cine, y conductor esporádico para delincuentes con unas reglas muy estrictas que constan de 5 minutos de duración del servicio y nunca volver a trabajar con los mismos clientes. La vida del conductor cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan), su vecina, madre de un niño y con un marido que pronto saldrá de la cárcel.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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Ryan Gosling: o lo amas o lo aborreces

La parsimonia del personaje de Ryan Gosling (nuestro Driver) contrasta con la tensión del robo inicial. Tan tranquilo y nosotros ya de los nervios en la primera escena. Serio, con su palillo y el partido de fondo como si de un taxista normal se tratase. Nos cuenta sus normas cuando trabaja con delincuentes, en una primera escena con una carrera y persecución en coche de diez, y que sirve como exhibición de su talento como conductor. A la par, nos introduce los créditos mediante planos aéreos que se mezclan con otros del conductor estático, dejando atisbos del perfil psicológico de este y una banda sonora que será clave y que se ha convertido en todo un hito.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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En pocos minutos estamos dentro de porte del protagonista. Educado, caballeroso y, ante todo, el hombre silencio, de pocas palabras. Con su palillo y la mirada curiosa, va descubriendo a Irene, su vecina, a quien parece querer sortear hasta que inevitablemente tiene que ayudarla con su coche. Entramos en la parte más romántica de Drive, ya que, aunque el trasfondo de la película ante todo es el amor y el ejercicio de bondad del conductor por la chica, la parte más agradable, delicada y tierna tiene lugar al principio. Nos encontramos con escenas que ya se han convertido en legendarias de la película, como ese encuentro silencioso en el ascensor de ambos, mientras el conductor le carga la compra y ella intenta sacarle alguna palabra, pero solo consigue respuestas cortas y educadas y un atisbo de sonrisa.

El conductor, ya no solo es el protagonista si no la interpretación más brillante de la película y que ha creado el estilo Ryan Gosling que vemos en muchas de sus otras películas. Para muchos, encasillado en ese perfil de personaje de pocas palabras y estático, pero para otros, un ejercicio tremendo de comunicación que se sustenta y crece con una expresión oral muy limitada y que de sus pocos gestos y miradas crea un lenguaje que lo hacen único como actor. El mundo se divide así, entre los que aman o los que odian a Ryan Gosling.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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La evolución del protagonista en toda la película es suave y crece paulatinamente. El estallido de violencia de la parte final nos muestra a un nuevo personaje que igualmente solo con gestos y pocas palabras se transforma, ya no solo por su supervivencia si no también a modo protector con Irene y su familia. Un personaje totalmente solitario y que vive en el silencio, pasivo, acaba entregándose al sentimentalismo y la debilidad que llegan con el enamoramiento.


El guion de Drive: transmitir con silencio.

La trama criminal de Drive es impulsada por la historia de amor materializada a medio gas entre Ryan Gosling y Carey Mulligan. El guion tiene escasez de diálogos y esto lo que le da más valor: lo que calla y como se transmite con el silencio, la música y la interpretación. Intercambios de miradas que actúan como diálogos y son el alma de la película. La trama central es la historia de amor, el detonante de la película, lo que ocupará la primera parte en mayor medida y donde los perfiles del conductor e Irene se perfilarán más. El guion se abre a una segunda trama, de primeras independiente de esta historia de amor, en la que Shannon (Bryan Cranston) convence a Bernie Rose (Albert Brooks), para que invierta en un coche de carreras (Chevrolet Monte Carlo) que tendrá como conductor a Ryan Gosling.

La historia de amor se convierte poco a poco en un debate emocional y sentimental. El conductor actúa como protector, marido y padre para Irene y su hijo mientras el marido de esta aún esta en la cárcel, pero saben que esto es temporal y que tiene fecha de fin. Aquí la controversia entre dejarse llevar por los instintos y necesidades emocionales y al mismo tiempo, ser conscientes de que están haciendo algo que no deben y que no acabará bien.

Y se rompe la magia con el primer punto de giro de la historia: la salida del marido de Irene, Standard, (Oscar Isaac) de la cárcel, y que además de dar un giro en el guion, crea el detonante de una trama menor entre Gosling y Isaac. El conductor ayuda a Standard para proteger así a Irene, y con ello empieza la segunda parte del primer punto de giro. Ayudarlo y poner en riesgo su vida es el compromiso y la acción más bondadosa y desinteresada que pueda hacer de cara a la chica y que da inicio a la trama criminal que será lo grueso de la segunda mitad de la película.  

La estructura nos presenta dos líneas narrativas independientes que se unen al llegar a la mitad del guion. El segundo punto de giro, ocurre en la escena mítica del ascensor a la que haremos más referencias, la cual roza lo surrealista con ese esperado beso entre el conductor y la chica en la que se para el tiempo y todos nos elevamos entre la música, la fotografía y la acción, y la posterior paliza del conductor al matón con máxima violencia.

Drive – MWM Studios – All Rights Reserved
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Banda sonora

La banda sonora es otro de los puntos fuertes de Drive que se ha llevado más cariño del público. Totalmente ligada a la fotografía y al guion de la película, la banda sonora que cuenta con Cliff Martinez como artífice, mezcla sonidos totalmente etéreos y relajantes que usan como base sintetizadores ochenteros, con temas electrónicos como “Under Your Spell” de Desire. Tema que deja otra escena muy introspectiva, no solo en la película si no también transferible a cualquier relación sentimental y psicológica “¿Sabes la diferencia entre amor y obsesión?”. El tema nos muestra a Irene y al conductor, cada uno en su espacio, reflexivos y perdidos, engatusados en sus pensamientos sobre el otro, dentro de una magia que no se rompe si no que los absorbe más aún, en un sueño viviente mientras la vida real sigue pasando delante de sus narices.

El plano los persigue e introduce de nuevo, a compás con la música, los tonos dorados y cálidos. Siempre presentes en esa chaqueta característica del conductor, en las luces doradas muy tenues de mesas de noche, en los tonos de los pasillos del edificio que mezclan dorados con toques rosados, y nos llevan hasta una Irene en el pasillo dentro de una burbuja de enamoramiento. Música y fotografía conectan de tal forma que hacen del mundo abstracto de Drive la obra de arte que es…

Enemy, una joya de Denis Villeneuve y Jake Gyllenhaal

Después de ver Donnie Darko hace unos días y recordar cómo solo con la mirada el jodido Jake Gyllenhaal puede crear una nube tan gloriosa y contemplativa de una película, recordé otra de esas pelis de él que me dejaron dentro de esa nube a la que hay que sumarle a Denis Villeneuve, y por si no fuera poco una historia de drama psicológico muy nivel de follada de mente que Javier Gullón adaptó de la novela El Hombre duplicado de José SaramagoENEMY.  

Sinopsis

Adam (Jake Gyllenhaal), un profesor universitario de historia, con una vida totalmente caduca y monótona, se decide a ver una película y descubre a un actor idéntico a él, Anthony Claire (de nuevo Jake). Se obsesiona con él y lo busca hasta encontrarlo. Este actor idéntico, Anthony, se obsesiona aún más que Adam y acabarán teniendo consecuencias inesperadas para ambos y sus parejas, Mary (Mélanie Laurent) y Helen (Sarah Gadon).

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Enemy, suspense psicológico de Denis Villeneuve

Denis Villeneuve se define por su estilo, por la elegancia y el gusto en todas sus películas, y Enemy es buen ejemplo. Movimientos lentos, donde tenemos unos cuantos skylines de una ciudad fría y muy kafkiana, que sirve a los dos personajes de oscuro hogar. Skylines y travelings aéreos ya típicos de Villeneuve, que tenemos en Blade Runner 2049Sicario o La Llegada. También característico de la personalidad cinematográfica de Villeneuve, una fotografía marcada por tonos sepias y dorados y que, junto con las bandas sonoras, planos aéreos y movimientos lentos, establecen un estilo que lo definen como creador en todas sus películas.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Jake Gyllenhaal y la mirada trascendental.

Enemy comienza enseñándonos esa mirada tan característica de Jake Gyllenhaal, esa mirada tan profunda como extraña que desconcierta y nos pone en preaviso de que nuestro protagonista, siempre que sea interpretado por Gyllenhaal, será un personaje más que especial. Interpretación por partida doble siendo igual de esplendido un personaje como el otro y consiguiendo de forma brillante distinguir las personalidades de los dos protagonistas de un modo elegante y delicado.

Jake Gyllenhaal ayuda a que el mundo obseso e inquietante de Enemy nos acabe seduciendo y engullendo de forma similar a la que la araña atrapa con sus redes. Al igual que en Donnie DarkoNightcrawler o Velvet Buzzsaw, en Enemy, Jake deja muestra de nuevo de su gran abanico interpretativo, de su expresividad y de que un papel excéntrico es mucho más creativo si es representado por él.

Enemy y la arquitectura de Toronto

Enemy está cargada de skylines y planos aéreos de Toronto, dejando una muestra de la ciudad tanto a pie de calle como desde el aire. Una ciudad que en sí ya es una metáfora de una urbe con múltiples identidades y al mismo tiempo, deshumanizada. Urbanismo duro, insensible y seco que se ve incrementado por el uso de sepias en la fotografía. La Universidad de Toronto – Scarborough del arquitecto John Andrews, hormigón y brutalismo arquitectónico; el barrio de St. James Town, un polígono residencial cuadriculado, simétrico, desnudo, o las Torres Absolute World de Mississauga, crean una atmósfera enigmática que se mezcla con el misterio en si de la historia.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Explicación: el caos es orden aún sin descifrar

Enemy es un rompecabezas cargado de metáforas. Es una película para pensar, para coger cada pieza e intentar montar nuestro propio puzle de conclusiones. Sin unas respuestas claras y a la libre interpretación de cada uno. Algo que a muchos da pereza y trabajo, pero que al menos para mí, es un punto importante de encanto en una obra.

A partir de aquí, si sigues leyendo y te haces autospoiler, yo no tengo la culpa… 

Intentando hacer un resumen, la conclusión a la que llegué y según he leído por ahí, a la que llega la mayoría de la gente, es que Adam y Anthony, son la misma persona. Se trata de un personaje en plena crisis, en guerra consigo mismo, que mezcla recuerdos, con realidad y fantasía. Lo que parece auténtico para los dos personajes, pasará a ser discordante, confuso.

Dos personalidades muy distintas, aparentemente opuestas, pero que no dejan de ser un antes y un después del mismo personaje. Una persona con miedo al compromiso y que empieza a estallar con el embarazo de su mujer. Anthony es actor de pelis mediocres, infiel e independiente, que se ve obligado a dejar esa vida y llevar una más estable cuando su mujer se queda embarazada.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Con esto la metáfora arácnida entra en acción, siendo las mujeres en Enemy representadas por la araña, que con sus redes lo atrapan y de las que ya no tiene escapatoria. Tanto su mujer quedándose embarazada, como las mujeres con las que es infiel, como su madre (Isabella Rossellini) que le recuerda que deje de soñar con ser actor y que ahora tiene un trabajo respetado.

Al final, Enemy, trata de una lucha subconsciente de Adam – Anthony por recordar y olvidar quien fue y en lo que se ha convertido, sus traumas por la vida que ha dejado atrás, sus anhelos, sus fetiches, su libertad y el poder por fin comprender su esencia.

Surrealismo arácnido

Ese toque medio surrealista, entre Cronenberg Lynch, entra en la película en una de las primeras escenas donde nos encontramos en una habitación llena de hombres, todos de aparente clase alta, donde con un ritmo muy lento y una música bastante oscura nos enseñan una plataforma a la que todos dirigen la mirada, una tarántula en una bandeja y una mujer desnuda, sobre unos altos tacones que parecen dirigirse a aplastar la tarántula. De qué tipo de fetiche extraño se trata, no lo sé, pero cual juego de la ruleta rusa o pelea de gallos clandestina, todos parecen expectantes del momento tan grotesco.

A lo largo de toda la película tenemos varios momentos de ensoñaciones muy surrealistas para ambos protagonistas idénticos, con la araña y la mujer como elemento clave. Desde esa escena tan extravagante de una mujer desnuda caminando por el techo con la cabeza de araña, a la escena final. Por si fuera poco, Villeneuve nos muestra un skyline de Toronto en el que incluye una Mamá de Louise Bourgeois entre esa especie de niebla sepia permanente en toda la película. Enemy no es acta para aracnofóbicos.

Enemy – Rhombus Media – All Rights Reserved
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Donnie Darko. El mejor ejemplo de cine de culto

Donnie Darko fue el despegue de Jake Gyllenhaal después de October Sky. Fue el debut de su director, Richard Kelly. Fue fenómeno fan, pero no de taquilla, si no de la esfera de la subcultura, que acabó elevando a Donnie Darko a película de culto, siendo hoy en día uno de esos clásicos del cine fantástico e independiente que cualquier cinéfilo conoce (o debería conocer), tenga o no en su top. En mi caso, tanto por la película como por Gyllenhaal, todo es adoración.   

Sinopsis de Donnie Darko

Cine fantástico, de ciencia ficción, de intriga, pero, ante todo, un drama psicológico, ambientado en 1988 y película de culto. Donnie Darko es la historia de un chico, Donnie, un chaval imaginativo y muy inteligente, que tiene por amigo imaginario a un conejo gigante y muy turbio, Frank, quien le vaticina el fin del mundo con una cuenta atrás en el tiempo.

Gracias a su sonambulismo y tras la voz de Frank, quien lo lleva fuera de casa, se salva de la muerte al caer el motor de reacción de un avión en su dormitorio. A partir de este suceso, Donnie se embarcará en un mundo aún más imaginativo e insólito donde se mezclan la esquizofrenia y los viajes en el tiempo.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Reparto y personajes de Donnie Darko

Jake Gyllenhaal es Donnie Darko y su hermana Maggie Gyllenhaal es Elizabeth Darko, la hermana mayor de Donnie. Mary McDonnell es Rose Darko, la madre, Holmes OsborneEddie Darko el padre y Daveigh Chase es Samantha Darko, la hermana pequeña. Jena Malone es Gretchen Ross, la chica de Donnie. A mayores vemos en la película a Katharine Ross como la psicóloga; James Duval haciendo del conejo FrankDrew Barrymore es la polémica profesora de literatura; Noah Wyle el profesor de ciencias que dará el libro clave a Donnie y Patrick Swayze interpreta a Jim Cunningham.

Banda Sonora de culto

Michael Andrews fue el encargado de componer la banda sonora de Donnie Darko. El bajo presupuesto de la película fue el causante de que Andrews tuviera que tocar él mismo todos los instrumentos. Banda sonora onírica e hipnótica que se ajusta a la atmósfera y a la esencia de la película y que crea junto a la narración una simbiosis perfecta.

A mayores de los temas instrumentales que había compuesto, se añadió una versión de Mad World de Tears for Fears. La versión de Michael Andrews y con Gary Jules cantando, para una servidora, alcanza el nivel de apoteósica unida a la escena final en la que todo se cierra de la forma fría y misteriosa posible. Tema clave en la banda sonora y eternamente ligado a la película. Alcanzó el numero uno en ventas en UK y con el tiempo, esta versión ha sido parte en gran medida, de que Donnie Darko se haya consolidado como película de culto.

A mayores, escuchamos canciones como The Killing Moon de Echo & the Bunnymen, sonando en la escena inicial de la película en la que vemos a Donnie en bicicleta y pijama y dejándonos una muestra de su núcleo familiar y ese mundo de finales de los 80 en los que el sueño americano y los tópicos que lo rodean eran tan palpables como rancios.

Love Will Tear Us Apart de Joy Division y Under the Milky Way de The Church se casan en la escena de la fiesta, la primera como el antes y la segunda como el después al primer encuentro sexual entre Donnie y Gretchen y dando paso a una de esas alucinaciones tan excéntricas de Donnie Darko.

Proud to Be Loud de PanteraHead over heels de Tears for FearsNotorious de Duran Duran… Una lista de temas que unidos a la banda sonora compuesta por Andrews forman parte de esa atmósfera emocional y siniestra de Donnie Darko.

Donnie Darko nos traslada a la adolescencia, a la rebeldía, a la melancolía que aflora en esos años en los que la infancia ya quedó atrás y todo lo nuevo nos viene grande. Esa época de ansias. Lo que a mi personalmente me evoca el conjunto de la historia, su ambientación, su atmósfera, su fotografía, sumándole la banda sonora, podría decir que es algo similar a lo que corría por mi cabeza la primera vez que escuche la banda sonora de Drive, que aun no siendo similares en cuanto a estilo musical, si lo son en cuanto al conjunto y la fusión que crean.

A partir de aquí, si sigues leyendo y te haces autospoiler, yo no tengo la culpa…

Explicación y preguntas

Universos paralelos y esquizofrenia. Ese sería un resumen de la explicación de Donnie Darko. Pero voy a profundizar más. Y profundizando, surgirán preguntas y preguntas. Y conforme vayas leyendo, probablemente alguna pregunta más te surja a ti también.

La película trata sobre la creación y la destrucción de una realidad paralela. ¿Realidad creada por Donnie en su imaginación o Frank es realmente auténtico y el universo paralelo tangible? Comenzamos en Middlesex en 1988 en el universo “real”. Frank, un personaje vestido de conejo, se le aparece una noche al protagonista dentro de uno de sus viajes sonámbulos. Su voz lo hace salir de casa y Donnie lo obedece, caminando hasta un campo de golf donde Frank le dice los días que faltan para el fin del mundo. 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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El motor de un avión cae sobre la casa de Donnie, en su dormitorio, pero este gracias a su sonambulismo y a seguir las órdenes del conejo siniestro, se salva. Motor que no pertenece a ningún avión. Se despierta con los números de la cuenta atrás para el fin del mundo escritos en su brazo y llegando a casa para sorpresa de su familia. Este momento en el que Donnie sale de casa y se libra de la muerte, se crea un universo paralelo, un universo al que no pertenece y que debe romper para que la realidad y el momento presente, continúen su curso.

¿Cómo ha llegado Frank a Donnie Darko? El personaje de Frank, ese conejo llamado amigo invisible, actúa como alter ego y de forma contradictoria. Salva a Donnie de morir, crea el universo paralelo y a partir de aquí, tiene como fin acabar con este universo paralelo y con Donnie. Viaja en el tiempo guiando al protagonista por una realidad paralela. Realidad en la que sí tiene que morir y que dará sentido al universo real.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Donnie tendrá que realizar diversas acciones, guiado por Frank que lo llevarán a ese fin que es la destrucción del mundo paralelo. Tendrá que asumir su muerte, antes de ser consciente de que esta llegará. Inconsciente de ella gracias al miedo, emoción a la que se recurre a lo largo de toda la película, y dejándonos esa frase de Abuela Muerte: todas las criaturas de este mundo mueren solas.

El momento de la aceptación de la muerte y de la coexistencia de el mundo real y el paralelo, llega con la muerte de Gretchen, la novia de Donnie en su realidad paralela. Si Donnie muere, el universo paralelo nunca existirá y, por lo tanto, Gretchen nunca morirá. Al final, el amor es lo que mueve a Donnie a destruir este mundo, y su gran inteligencia lo que lo llevan a comprender la realidad de lo que está pasando: La filosofía de los viajes en el tiempo, el libro que Abuela Muerte escribe y que explica lo que le está ocurriendo.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Para llegar a su fin del mundo, Donnie tendrá que ocasionar una serie de eventos que irán encadenados en este mundo paralelo. Inunda el instituto, así conoce a Gretchen, y también gracias a esto, una de las profesoras llama al “terapeuta” Jim Cunningham para que dé charlas a los estudiantes, sobre el amor, y de nuevo, el miedo. Donnie quema la casa de Cunningham tras decirle cuatro verdades en la charla del instituto (amé a Gyllenhaal en esta escena de preguntas y verdades con tono ontológico).

“¿Yo un perturbado?… Sí, soy un perturbado y tengo mucho miedo. Porque creo que usted es el jodido Anticristo.”

Tras el incendio, se descubre que Cunningham era un pedófilo, la profesora defensora del terapeuta se ve obligada a quedarse en Middlesex para defenderlo y en su lugar la madre de Donnie deberá viajar a Nueva York con las niñas del grupo de baile entre las que se encuentra su hija. De vuelta de este viaje, se desprende el motor del avión que cae sobre la casa y acaba con nuestro protagonista. Donnie se sacrifica como acto de amor, para que Gretchen y todos los demás, vivan en el mundo real al que el ya no pertenece.

Richard Kelly, cineasta de culto maldito.

Donnie Darko se estrenó en octubre de 2001 y de forma limitada tras el atentado del 11S. Muchas películas que se estrenaron durante esos meses sufrieron las consecuencias del atentado, y en el caso de Donnie Darko, la cual comienza con el motor de un avión cayendo dentro de la casa de Donnie, tampoco ayudo a que su paso por la taquilla no fuera un fracaso. Apunto de ser estrenada en el canal de TV Starz pero finalmente llegó a la gran pantalla gracias al respaldo de por aquellos años, un también debutante Christopher Nolan que ya se había ganado el título de director de culto con Memento.

Director con un universo muy peculiar. Richard Kelly debutó como director con Donnie Darko. Y muy pocas cosas más tenemos de este hombre. Trayectoria muy corta y con solo Donnie Darko como título reseñable en su filmografía. Southland Tales o The Box son algunas películas más dirigidas por Kelly pero que no han sido precisamente ninguna gloria.  

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Con claras influencias de David Lynch, referente para muchos y que ha llevado esa influencia a crear películas de culto como Donnie Darko de Richard Kelly, Drive de Nicolas Winding RefnEnemy de Denis VilleneuveAir Doll de Hirokazu Koreeda o Lost River dirigida por Ryan Gosling.

Los Pitufos y la promiscuidad de Pitufina

Donnie Darko nos deja conversaciones y cuestiones sobre filosofía, física, psicología. Conversaciones en la que sale a debate la asexualidad de los Pitufos de mano de un adolescente. Nos deja miradas de Jake Gyllenhaal que además de atravesarnos, pasan a la historia. Película que se construye entre la fantasía y las enfermedades mentales, entre la filosofía y el inconformismo, entre lo absurdo y la lógica.

Diría que un imprescindible, que debería de ser apremiada a ver, de analizar y de llevar a su reflexión. Donnie Darko está en ese top contracultural que tanto nos gusta. En ese top de pelis rarunas que al menos a mí, me hacen amar este mundo del cine y la fantasía. Y que después de revisionarla para esta entrada y profundizar para para hablarte de ella, tendré en la cabeza durante unos cuantos días, chocando mis neuronas en un sin fin de fantasías.

Donnie Darko – 20th Century Fox Home Entertainment – All Rights Reserved
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Reservoir Dogs y su banda sonora de colores

Reservoir Dogs es la primera y una de las mejores películas de Quentin Tarantino.

Reservoir Dogs, clásico ya del cine para mínimo un par de generaciones que canturreamos el comienzo de Little green bag a la par que recordamos a esos seis hombres trajeados tan elegantes con paso y firme chulesco a cámara lenta. El buen gusto musical de Tarantino y por ello, su cuidada selección de canciones en sus películas, y en especial, la banda sonora de Reservoir Dogs, definen su estilo.

Temas normalmente no muy conocidos por el gran público que se acaban convirtiendo en parte fundamental de la película, su narración y los diálogos. Canciones como Stuck in the middle with you de Stealers WheelLittle green bag de George BakerHooked on a feeling de Björn Skifs o I Gotcha de Joe Tex forman parte de la banda sonora de Reservoir Dogs y establecen la estructura musical la película.

28 años han pasado desde que se estrenó en 1992 Reservoir Dogs y sigue siendo una película de culto y que ha creado un estilo único de cine. Por ello, en 2013 salió una reedición de la BSO, una edición limitada en 6 colores distintos en referencia a sus personajes: señores rubio, marrón, naranja, azul, blanco y rosa. Una selección de canciones de los 60 a los años 80.


Argumento Reservoir Dogs

Seis criminales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Nice Guy Eddie (Chris Penn) para atracar un almacén y llevarse unos diamantes. Los criminales se mantienen en el anonimato, bautizados por el señor Cabot bajo nombres de colores: el Señor Naranja (Tim Roth), el Señor Blanco (Harvey Keitel), el Señor Rosa (Steve Buscemi), el Señor Rubio (Michael Madsen), el Señor Marrón (Quentin Tarantino) y el Señor Azul (Edward Bunker).

Reservoir Dogs
Reservoir Dogs

Algo sale mal y antes de que suene la alarma, la policía está allí. Señor Azul y Señor Marrón mueren y los demás consiguen llegar al punto de reunión. Se crea la sospecha de que uno de ellos es un traidor infiltrado. A puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, acaban enfrentándose entre sí por descubrir quién es el traidor.

La narración de la película transcurre a base de flashbacks sin una continuidad normal. En estos flashbacks dirigidos cada uno a cada uno de los personajes, nos cuentan cómo han llegado a ese momento del atraco y al almacén que es el punto de encuentro, además del escenario de la trama principal.
Aquí os dejamos un vídeo con el trailer de Reservoir Dogs.

Soundtrack Tarantinesca

En cuanto a la banda sonora de Reservoir Dogs y a la elección de las canciones, Tarantino las ha escogido como contrapunto narrativo a las escenas de violencia y acción. La contraposición entre esa violencia y la música destaca sobre todo en la escena de tortura del Señor Blanco a ritmo de Stuck in the middle with you, la cual es una de las mejores de toda la película y que no solo se nos ha quedado grabada en la retina si no también en los oídos.

Intenta imaginarte esa escena, esa paliza, ese desgarramiento de oreja sin la música… Desde luego, sería mucho más desagradable y doloroso. Sin embargo, la escena acompañada de esa canción, crea un ambiente mucho más relajante de lo que las imágenes nos mostrarían sin música. Pasamos de tener una escena bastante violenta a casi humorística donde esta violencia es privada de dolor.

Tarantino se aleja en Reservoir Dogs de los estándares formales a los que se acostumbrado en la época. No tenemos una banda sonora hecha en exclusiva para la película ni se abusa en exceso de la música. Las canciones son utilizadas con cuidado y para completar escenas, haciendo que estos momentos musicales tengan más importancia y significado.

Dejad que os cuente de qué va Like a Virgin

En la primera escena de la película, ese diálogo sobre el significado de Like a Virgin de Madonna, no solo nos muestra por encima el carácter y la psicología de cada uno de sus personajes si no que también nos pone en preaviso de la musicalidad de la película. Otra escena acompañada de música para el recuerdo, es cuando el Señor Blanco saca del maletero al policía, con I Gotcha de Joe Tex. Con esta canción, empieza una nueva etapa en Reservoir Dogs. Los personajes dejan de estar desubicados y empieza el movimiento.


Fool For Love, de Sandy Rogers es la canción dedicada a Señor Naranja, un joven Tim Roth que es el policía infiltrado, justo antes de que lo recojan sus compañeros. Un tema de pop-country, tranquilo que funciona también como contrapunto y marca la distancia entre el Señor Naranja y el resto de compañeros criminales. Por último, Coconut de Harry Nilsson, cierra la película con los créditos finales, dando un toque aún más de comedia y sátira a Reservoir Dogs.

Lista de canciones de la banda sonora de Reservoir Dogs

1. And Now Little Green Bag… – Dialogue By Steven Wright
2. Little Green Bag – George Baker
3. Rock Flock Of Five – Dialogue By Steven Wright
4. Hooked On A Feeling – Bue Suede
5. Bohemiath – Dialogue By Steven Wright
6. I Gotcha – Joe Tex
7. Magic Carpet Ride – Bedlam
8. Madonna Speech – Dialogue By Quentin Tarantino
9. Fool For Love – Sandy Rogers
10. Super Sounds – Dialogue By Steven Wright
11. Stuck In The Middle With You – Stealers Wheel
12. Harvest Moon – Bedlam
13. Let’s Get A Taco – Dialogue By Harvey Keitel
14. Keep On Truckin’ – Dialogue By Steven Wright
15. Coconut – Harry Nilsson 
16. Home of Rock – Dialogue By Steven Wright

The Gentlemen: Los señores de la mafia. Reinvención del cine de gánsteres

Matthew McConaughey + Charlie Hunnam

Yo ya no necesitaría más de la vida… xD (es broma). The Gentlemen es una película de crimen, drogas y mafia dirigida por Guy RitchieHenry Golding, Michelle Dockery, Colin Farrell y Hugh Grant completan el reparto, en general, bastante impecable. En mi opinión, con The Gentlemen, no solo se reinventa Guy Ritchie si no también el cine de gánsteres, mafia, crimen, drogas… este cine que mola tanto, pero que está más gastado que la chaqueta de un guardia.

¿Quieres una sinopsis de The Gentlemen?

Mickey Pearson (Matthew McCnoaughey, True Detective) es un capo de la droga, americano, que ha forjado su imperio en Londres, y quiere retirarse. Para ello pretende vender su imperio de marihuana, y los posibles novios empiezan causar problemas. El mafioso de la alta aristocracia londinense, sustenta su imperio gracias a los terrenos que los nobles ceden a cambio de dinero, ya que el sistema económico de la nobleza inglesa a día de hoy es insostenible y ese dinerito de Pearson les viene genial. Pearson, ya no solo por la edad sino también por el cambio que se ve venir con la legalización de la marihuana, busca retirarse sacando lo máximo posible.

Mickey cuenta con su guardaespaldas, matón, investigador privado y persona de confianza… Raymond (Charlie Hunnam), un pijo intelectual, que parece más un profesor de universidad que la mano derecha del capo de la mafia inglesa. A el acude Fletcher (Hugh Grant), un investigador de prensa sensacionalista que además actúa como narrador durante toda la película.

The Gentlemen comienza bien. Ya con un grandioso tema de David Rawlings, “Cumberland Gap que suena durante la escena inicial y los créditos. Los pelos como escarpias, mayormente gracias ala música, nada mas empezar. Gran canción, al menos para mí. Y como no quiero ir a desvelar nada, hoy que me acuerda… ¡Alerta Spoilers!

Señores de la mafia style London

Una de las cosas que mas me llamó la atención y me sorprendió va de la mano con la escena inicial, en la que McConaughey entra en un bar, pone un vinilo de la máquina (super acorde con el estilo inglés y vintage del lugar) se sienta y hace una llamada. Durante esa llamada intuimos que algo no va bien con la persona a quien llama y un hombre tras de Matthew apuntándolo con un arma lo confirma. Disparo, cerveza manchada en sangre y dices, “¿Como puede ser, ya en el minuto 2 muera el protagonista!?”. A partir de aquí, te pasarás buena parte de la película en un flashback que Fletcher nos va narrando mientras se lo cuenta todo a Raymond, esperando que llegue ese momento, en el que disparan a Mickey.

Raymond entra a su casa, aun no sabemos quien es. Una casa bastante lujosa, muy bien decorada y con un aire conservador acorde a la estética de Raymond. Fletcher está en la oscuridad, esperando a Raymond. Causa cierto misterio hasta que abre la boca y sobre esto quiero hacer una puntualización importante, sobre este tema de Hugh Grant.

Yo he visto la película en castellano, y el doblaje de este hombre, tiene delito, ¡mucho delito! Doblada al castellano, la voz de Fletcher es odiosa, con un toque demasiado de sabelotodo, que solo quieres que se calle de una vez o quitarle lo que sea que tiene metido en la boca. Demasiado tintineo, demasiado forzada. Ahí te das cuenta de que algo no cuadra, pero una que no sabe inglés y no quiere perderse detalles de la imagen leyendo, se suele ver las películas en castellano. Pero si he tenido la suficiente curiosidad como para oír la voz original, y desde luego, hace que la percepción del personaje cambie radicalmente. Una voz mucho más grave, seria y misteriosa.

The Gentlemen: los señores de la mafia
Photo by Christopher Raphael

En general en toda la película hay una estética inglesa muy marcada y muy cuidada, desde los vestuarios a los decorados. Nos introduce en el mundo en interno declive de la aristocracia inglesa, quienes no pueden sostener su costoso ritmo de vida y palacios. Eventos donde los burgueses se reúnen y en medio de ellos, siempre esta Mickey. En su narración, Fletcher nos cuenta como su jefe, Big Dave, director de un periódico sensacionalista, tiene entre ceja a ceja a Pearson desde que este le hizo un desplante en uno de estos actos de la alta clase inglesa. Quiere sacar sus trapos sucios y así destruirlo.

Fletcher pretende sobornar a Mickey a cambio de no sacar a la luz todo lo que se tiene guardado en la manga para su jefe, incluido un guion de cine en el que adapta toda la vida de Mickey y que pretende vendérselo al ahora ya conocido como delincuente sexual y no como productor de cine, Harvey Weinstein.

Fletcher continua como cotorra inagotable, introduciéndonos literalmente en la película fotográfica en la cual se va a grabar toda esta historia. Describiendo detalladamente a Pearson y todo su pasado, continuamos así el flashback que durará más o menos hora y veinte de esta película.

Y aquí, vuelvo al momento del que hablaba hace unos párrafos, esa escena aun previa a los créditos iniciales de The Gentlemen. No… no puedo ser tan ruin como para soltarlo en un post. Pero aquí tendrás una sorpresa gloriosa para empezar la última media hora de película, que serán continuos giros en la historia que te dejarán con el culo torcido.

No voy a destripar la película de principio a fin. Aquí te he hecho un resumen de los primeros 10 minutos, más que suficientes para que te enganches y poder empezar a reconocer que pinta muy bien.

Reparto The Gentlemen

A mayores, nos encontramos en el reparto personajes como Collin Farrell como el “entrenador” sin nombre de boxeo, que se ve obligado a ayudar a Mickey, a Jeremy Strong como Matthew, el burgués a quien Mickey pretende vender su imperio, Henry Golding como el mafioso asiático que pretender convertirse en el rey del mambo en Londres, o Michelle Dockery como Rosalind, la mujer de Mickey.

The Gentlemen tiene el mismo espíritu de las películas anteriores de Guy Ritchie, especialmente ‘Lock & Stock’ (1998), ‘Snatch: Cerdos y diamantes’ (2000) o ‘RocknRolla’ (2008).

Druk Otra ronda

Druk Otra ronda, es una película de Thomas Vinterberg, de las que te dejan meditando sobre la fragilidad de la condición humana y las relaciones sociales. Sobre esa delgada línea entre lo socialmente aceptado y la dependencia. Y sobre las apariencias. Esa gran fachada reluciente que esconde sombras y que cuanto más reluce más sombría es en su interior. Apariencias. La vida misma.

Sinopsis

Druk, trata sobre un experimento que deciden llevar a cabo cuatro amigos, Martin (Mads Mikkelsen)Tommy (Thomas Bo Larsen)Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang) basado una teoría psicológica bastante dudosa, en la que los cuatro deberán mantener una tasa de alcohol en sangre de 0,05%. La teoría del psiquiatra noruego Finn Skårderud dice que el ser humano nace teniendo una carencia de alcohol en la sangre del 0,05% y que el consumo diario podría hacer la vida más llevadera y mejorarla en muchos aspectos.

Después de que Martin empiece a probar por su cuenta esta teoría y a notar considerablemente un cambio en su actitud como profesor y en su matrimonio, los cuatro amigos y profesores, que están atascados en una vida aburrida y muerta, deciden poner a prueba una teoría que tiene todas las papeletas para no acabar bien.

Pareja perfecta: Vinterber – Mikkelsen

Druk, está dirigida por Thomas Vinterberg, quien dirigió también La Celebración o La caza, en la que nació el tándem Vinterber – Mikkelsen. Tándem perfecto que fusiona lo que Vinterberg nos quiere contar en sus películas con la mejor de las interpretaciones para esas historias, de mano de Mads, quién no solo está hecho para el papel, si no que hace que la fusión de su porte, su representación y el personaje sean asombrosos, epicentro de la historia y de la experiencia que nos deja.

Druk otra ronda. Zentropa. All rights reserved
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Alcoholismo como herramienta narrativa

Se ha normalizado el alcoholismo. Nadie se asusta cuando alguien está borracho, es comedia. Aceptamos que la juventud beba cada fin de semana, porque es la edad. Aceptamos que es normal tomarse unas copas después del trabajo, porque es la recompensa a un día duro. Se acepta, no es ilegal, porque el estado lo permite y se lucra y mucho con ello. No se reconoce como droga, hasta que ya no hay vuelta atrás, porque está normalizado.

Druk otra ronda. Zentropa. All rights reserved
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Druk no trata el tema del alcoholismo llevándolo a su máximo extremo como drogadicción y enfermedad. Utiliza el alcoholismo como una herramienta de crítica social, apuntando directamente a nosotros, como espectador, como parte de la sociedad que lo ha normalizado y vive con ello. ¿Por qué necesitamos beber alcohol?

El ritmo de vida, los hermetismos, una sociedad que vive inhibida, asfixiada. Los problemas personales que todos tenemos, al igual que los protagonistas de Druk, y que parecen minimizarse cuando el alcohol entra en escena, y actúa como ese estimulante que ayuda a afrontar el día a día. Recurso de fácil acceso, aceptado y normalizado.

Martin (Mads Mikkelsen), es un profesor de historia que ha perdido totalmente sus dotes como comunicador. Prácticamente muerto en vida, transmite eso a sus alumnos y en sus relaciones con los demás, y esta forma tan costosa de sociabilizar, acaba trayéndole problemas. Una escena en un restaurante cenando los cuatro amigos, que arranca sobre el minuto 12 de la película y que nos deja aproximadamente 10 minutos de conversación en la que nos adentramos en la mente y los problemas de Martin, se nos plantea este experimento y a mayores vemos como los cuatro protagonistas, se emborrachan y se desinhiben poco a poco.

Las consecuencias de dicho experimento pronto acaban apareciendo y acabando por ser negativas. Ese momento de éxtasis inicial, en el que esa mínima tasa, ese contentillo, aportaba esa soltura, esa alegría, esa desinhibición tan anhelada, se pasa. Vinterberg nos deja claro que se trata de un tema incontrolable y que se acaba escapando de nuestro dominio.

Druk otra ronda. Zentropa. All rights reserved
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Druk, epílogo sobre el alcoholismo.

Olvídate de los prejuicios para ver Druk, no está a favor del alcohol, no es apología. Tampoco está en contra. Es una crítica para la reflexión. Para que medites sobre la condición humana. Sobre como convivimos con él. Sobre la vulnerabilidad.

A mi al menos ha sido una película que me ha parecido grandiosa, (que me he atrevido a ver en versión original con el poderío de voz de Mads Mikkelsen), y que acabarás viendo, aunque solo sea por escuchar hablar de ella por su desfile en los Globos de Oro, por haberse llevado 4 Premios del Cine Europeo, el premio a mejor actor para Mads Mikkelsen y premio Feroz de la crítica en el Festival de San Sebastián, entre muchos otros (y esperemos que también en los Oscars)

Destacables las actuaciones de los cuatro protagonistas, tanto las sobrias como las embriagadas. Naturales, borracheras creíbles, de las que te muerdes la lengua o te das la ostia más estúpida del mundo. La escena del baile final, improvisada de forma espectacular por Mads y que cierra la película de la mejor forma, remarcando la vida. Que la vida, continúa.

Druk otra ronda. Zentropa. All rights reserved
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Enola Holmes – Harry Bradbeer

¿Quién es Enola Holmes? Pues tal cual su apellido que a todos nos sonará, se trata de la hermana pequeña de Sherlock Holmes. Ya deducimos que tenemos una película detectivesca. Después de escuchar unas primeras impresiones más malas que buenas sobre Enola Holmes, nos decidimos a verla sin muchas expectativas… Y nos llevamos una grata sorpresa. No es un peliculón, no tiene un mensaje super místico, ni es un dramón filosófico… es lo que es, una película familiar, entretenida, para pasar el rato, y con un claro enfoque para adolescentes sobre el empoderamiento femenino. Es la película perfecta para poder aprovechar y pasar un rato en el sofá con esos hijos jóvenes con los que te estarías peleando por el mando del televisor, ya que encaja totalmente con un público de entre los 11 a los 18 y un público adulto que puede entretenerse igualmente con la historia. Ya que si, es entretenida. Basada en la serie de libros de la escritora Nancy Springer “Las aventuras de Enola Holmes”, por lo que, si triunfa entre los más jóvenes de vuestra casa, también es una oportunidad estupenda de meterles una novela en la mano.


Enola Holmes, hermana pequeña del famoso detective Sherlock Holmes, decide viajar hasta Londres dispuesta a encontrar alguna pista que la conduzca hasta su madre, desaparecida recientemente. Sin embargo, nadie puede prepararla para lo que la espera allí. Al pisar el asfalto de la ciudad, se verá envuelta en el secuestro de un joven marqués y deberá sortear a toda costa a sus inteligentes hermanos mayores, que pretenden llevarla a un internado. ¿Podrá Enola descifrar los enigmas que le ha dejado su madre y encontrarla?


En el reparto, tenemos a la ya gran conocida Millie Bobby Brown como Enola, Henry Cavill como Sherlock Holmes, Sam Claflin como Mycroft Holmes, Helena Bonham Carter como Eudoria Holmes y Louis Partridge como el Marqués de Tewksbury.

Enola Holmes nos cuenta la historia de, como su propio nombre indica, Enola Holmes, la hermana adolescente y asilvestrada de Sherlock Holmes. Eudoria, la madre da ambos, desaparece y Sherlock y su “malvado” hermano Mycroft, regresan al pueblo para buscar a su madre y hacerse cargo de la joven Enola que se ha quedado sola.

Como no tengo muy claro, cual es la fina línea que separa lo que es spoiler de lo que no, no me arriesgo a no avisaros de que, si no la habéis visto, quizás a partir de aquí os cuente cosas que yo os recomendaría no leer, si tenéis pensado ver la película.

Enola Holmes es una película sobre el feminismo. Se adapta a las aventuras de misterio e intriga de detectives, pero no deja de llevar un mensaje super claro y a gritos: el feminismo. Feminismo ambientado en la época victoriana, donde, como todos sabemos, la mayoría de los derechos de las mujeres directamente no existían y el único y exclusivo fin del género femenino, era casarse y tener hijos.

Tenemos a Eudoria, la madre, que desaparece. Sherlock y Mycroft, sus hijos de bien con buena posición y por el buen camino. Y Enola, adolescente rebelde a quien su madre ha educado en casa con valores totalmente distintos a los que se esperaban para una señorita de la época. Mycroft asume la tutela de Enola y pretende enviarla a una escuela para señoritas donde la única lectura permitida es la novela rosa y donde se les enseñará a ser mujeres de bien y así poder encontrar marido.

Desde un principio sabemos que ese no es el sitio de Enola, e igual que ha hecho su madre, desaparece siguiendo pistas que esta le ha ido dejando y así empezamos a ver, en los primeros minutos de la película, los toques detectivescos y de misterio… Enola se escapa a Londres para intentar encontrar a su madre. En el tren conoce a un joven marqués que se ha fugado de casa y al que ayudará a escapar de su captor y ahí, empiezan a entremezclarse varias líneas de misterios que Enola tiene que resolver: una, sobre este joven, porqué escapa y porqué quieren matarlo; otra, que es conseguir que el gran Sherlock Holmes no la encuentre; y la última, que es la desaparición de su madre.

Volvemos al mensaje feminista de la película. Enola se desenvuelve sola en una gran ciudad desconocida (nos muestran los distintos tratos que recibe cuando se disfraza de hombre o cuando viste como una señorita); resuelve los misterios antes que su hermano (¿cómo es posible? Pues solo es posible porque es hermana de…); descubre porque ha desaparecido su madre, (es una revolucionaria que se ha ocultado para luchar en la sombra por los derechos de las mujeres). Y así, de principio a fin, la película nos habla sobre cómo vivían las mujeres en esos años y sobre como algunas no encajaban y rompían las expectativas.

Puntos Negativos para mí:

* La banda sonora… si la tiene, ni me he enterado. Nada reseñable, ya que, teniendo la película recién vista, no sabría identificar una música o melodía concreta con la película. Siendo de aventuras y misterio, no estaría de más que fuese acompañado de ciertas melodías que nos evoquen esas sensaciones y que nos hagan recordar ciertas escenas, no solo por su actuación si no por el conjunto de la actuación, la ambientación y la música.

* La implementación del concepto de la “cuarta pared”. Para quien no sepa de que hablo, con esto nos referimos a cuando los personajes miran a cámara y nos comentan sus acciones. Nos hablan directamente, de tú a tú, como nos hablan los actores de cualquier anuncio publicitario de la televisión. Este concepto no es nuevo en absoluto, lo hemos visto en películas como Deadpool donde funciona muy bien y aporta un valor añadido humorístico. También en la serie House of Cards, donde no podríamos imaginarnos esta serie sin que Kevin Spacey se dirija a nosotros de vez en cuando para comentarnos los hechos. Sin embargo, en Enola Holmes, a mí no me acaba de convencer cuando se dirige a cámara, es más, no solo no me convence, si no que, en esos momentos, rompe el ritmo y la magia de la película, te hace desconectar… No sé en que influirá que en algunos casos funcione y en otros no.

Puntos positivos, para mí:

* Quitando estos puntos de inflexión que ocurren a raíz de la “cuarta pared”, es una película con un ritmo muy constante, que no decae, no hay una escena en concreto en la que sientas que puedes desconectar un par de minutos para ir al baño. Tiene un ritmo ágil, ligero. No necesitas estar super concentrado para entender los misterios, es muy accesible… En resumen, muy entretenida. 

Legend – Brian Helgeland

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LEGEND. (2015) Brian Helgeland 

«Mi lealtad hacia mi hermano es la vara para medirme.»

Legend nos cuenta la historia de los gemelos Kray en la década de los años 50 y 60, dos famosos ex boxeadores y los gangsters más famosos de Londres. Tom Hardy interpreta a Reggie y a Ronnie Kray. Legend está basada en el libro «The Profession of Violence» de John Pearson y está dirigida por Brian Helgeland (quien en 1998 ganó el Oscar al mejor guión por L.A. Confidential y el Razzie al peor guión por The Postman, y guionista de Mystic River también entre otras… ).

Tom Hardy es la base de todo. Es Reggie y Ronnie. Reggie, el mayor de los hermanos y el que tiene un mínimo de sentido común, se enamora de Frances (Emily Browning) y cuida de su hermano psicópata Ronnie, un esquizofrénico violento y con delirios, impulsivo y abiertamente homosexual (demasiado público para la época). Los dos hermano ascienden hasta lo más alto de la mafia de Gran Bretaña, y Frances, anima a dejar ese mundo a su marido. Tom Hardy interpreta bien a los dos hermanos, de forma que en ningún momento dudas sobre quien es cada uno, ya que tanto la personalidad, el temperamento y las expresiones faciales son diferentes para cada personaje.

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Frances, narradora y esposa de Reggie, nos cuenta sobre fiestas privadas con famosos, de que son dueños de los pubs más exclusivos de Londres, iconos Londinenses, todo bajo la excusa de mejorar la vida de su madre de quien ambos son devotos, pero a penas nos deja ver estas muestras de su celebridad. Narración poco estructurada, lenta, sin oscuridad ni crueldad, tan lineal como la personalidad del papel de Frances.

Legend es una buena historia desaprovechada, que deja sensación de que falta algo, de que le falta potencia o de que no acaba de arrancar. De una caída sin ascenso. La caída de estar en lo más alto del poder de la mafia inglesa, se anticipa tanto y se mezcla con la historia de amor entre Frances y Reggie que a penas se nota ese ascenso, cuando han llegado a lo más alto no tienes la sensación de que sea así. Una historia de amor que sobra, o más que sobrar, le quita suciedad a la mafia: falta de sexo, locuras, derrochamiento de dinero, alcohol, drogas y violencia ante todo, lo cual, hace que pierda el encanto del género.

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Entre las escenas más destacadas de Legend podríamos nombrar la pelea entre los dos hermanos (Hardy vs Hardy) o la reunión con la Familia Criminal de Philadelphia cuando Ronnie Kray deja boquiabierto a Angelo Bruno hablando sin tapujos de su homosexualidad.

Legend es una muestra más de los méritos propios de Tom Hardy, el actor que siempre gruñe pero impecable en la mayoría de sus papeles. El nuevo Mad Max, pero que ha brillado más aún en películas como Locke, Bronson, Warrior o The Revenant, película por la cual fue nominado a en los Oscar de 2015 como mejor actor de reparto.
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La banda sonora de Legend y el tema principal que escuchamos a lo largo de la película en varios momentos es de Carter Burwell, compositor estadounidense de música cinematográfica, colaborador frecuente de los hermanos Coen para quien compuso en la mayoría de sus películas.

La historia de dos hermanos gemelos gangsters, Reggie y Ronnie Kray (interpretados por Tom Hardy), dos de los criminales más famosos en la historia de Londres y el imperio del crimen organizado que crearon en los años 60. (FILMAFFINITY

Mud – Jeff Nichols

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MUD. (2012) Jeff Nichols

«Encuentra una mujer la mitad de buena que tú y todo te irá bien.»

Mud es una película que consiguió llevarme a surcar el Mississippi mientras la veía. Los escenarios naturales, los pueblos de Arkansas, ecos rurales, la pobreza,la vida en el río y las casas flotantes…

Es la tercera película de Jeff Nichols, la mayor producción rodada en Arkansas, tierra natal del director, quien conoce a fondo la tradición cinematográfica y literaria sureña, y para quien la simplicidad y naturalidad de las localizaciones eran fundamentales para esta historia. Rodada en el Delta de Arkansas, entre Dumas, Crocketts Bluff, Stuggart, Lake Village y Eudora, trata sobre dos chicos de 14 años, Ellis y Neckbone, quienes se encuentran a Mud (Matthew McConaughey) ocultándose en una isla del Mississippi esperando a su amada.

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Ellis (Tye Sheridan) nos muestra la perspectiva de «Mud» junto a su amigo Neckbone (Jacob Lofland). Varias historias se funden con la historia central. La relación de Mud y Ellis, protagonistas principales junto al río Mississippi; los últimos años de la infancia y el paso ala adolescencia de Ellis y Neckbone; el divorcio de los padres de Ellis y su temor a tener que dejar su casa flotante en el río…

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En las primeros minutos, me vi emocionada con esa escena que nos lleva por primera vez en la película a adentrarnos en la pequeña fantasía e incógnita de misterio, con un ruinoso yate sobre un árbol… La «cabaña en un árbol» soñada por cualquier niño… (para los que tuvimos la suerte de jugar de pequeños en el bosque, o incluso construirla madera a madera, creo esa escena, al menos para mí, es todo un reflejo de la ilusión que pude sentir en aquellos años). Este yate, tesoro encontrado por Ellis y Neckbone, se convierte en tema de negociación cuando descubren a Mud. Para mí, una de las escenas más bonitas.

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Con Mud (2012) y Killer Joe (2011), Matthew McConaughey empieza a desencasillarse y resurgir de las cenizas donde se estaba ahogando, siendo en parte el empujón que lo llevo en 2013 a Dallas Buyers Club o El lobo de Wall Street, y a convertirlo en el actor de renombre y respetado de hoy en día (aunque mucha gente sigue sin adorarlo, mi propio alias de facebook deja caer que no aceptaré criticas negativas sobre el (suprafan!!)

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Tom Blakenship (Sam Shepard), desde su casa flotante frente a la de Ellis y con su rifle disparando a las serpientes (animal simbólico y metafórico durante toda la película) y una relación con Mud de la que no sabemos nada, pero se intuye también desde los primeros minutos.

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Mención también a su banda sonora, con temas de aire country de David Wingo, Lucero, y esta canción que os dejo aquí que nunca me quitaré de la cabeza, del trío australiano Dirty Three, autores también de más temas de la BSO. 

En una isla del Mississippi, dos chicos descubren a un fugitivo llamado Mud. Ha matado a un hombre para proteger al amor de su vida, Juniper, y ahora se oculta de los cazadores de recompensas. Los chicos acceden a ayudarle a reunirse con Juniper y preparar su huida juntos, sin saber que la aparición de Mud significará el fin de sus infancias. (FILMAFFINITY

**Grupo Cine Adictivo, donde dejo mi pequeño grano de arena: https://www.facebook.com/groups/1432369913689297/?fref=ts

The Drop – Michael R. Roskam

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The Drop (2014) – Michel R. Roskam
[«Hay algunos pecados que cometes de los que no puedes escapar… por mucho que lo intentes no puedes. Es como si el diablo esperase a que tu cuerpo se rinda, porque sabe, sabe que, que ya es dueño de tu alma. Y luego yo creo que puede que el diablo no exista. Te mueres, y Dios te dice, «No! no puedes entrar, tienes que irte, tienes que irte lejos de aquí, y tienes que estar solo, tienes que estar solo para siempre.»»]

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Estamos en el Brooklyn nocturno, donde Bob Saginowski (Tom Hardy) es camarero en un bar caja dedicado a canalizar dinero de los gánsteres. Bob trabaja con su primo Marv (James Gandolfini) en el bar y una noche se ven atrapados por un inesperado robo el cual los pone en duda a ellos mismos y a su negocio. Al mismo tiempo, Bob encuentra a un perro en un cubo de basura en la casa de Nadia (Noomi Rapace) una mujer sensible con una enigmática cicatriz en la garganta. 

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The Drop (La Entrega) es la última película de James Gandolfini y una genial despedida de la pantalla para quien fue nuestro querido, siempre recordado e inolvidable, Tony Soprano. Escrita por Dennis Lehane (escritor de Mytic River, Gone Baby Gone, Shutter Island y guionista de The Wire o Boardwalk Empire). La película es dirigida por el belga Michael R. Roskam, cuyo debut con Bullhead en 2011 le valió la nominación al Oscar a mejor película extranjera.

the drop james gandolfini

El tema central de la película, es el crimen y la mafia los cuales van de la mano con el bien y el mal. Bob (Tom Hardy) es un hombre serio, correcto, trabajador, que cuida a sus clientes y evita los problemas. Bob escucha llorar un perro en el contenedor de Nadia, al cual no duda en acceder para rescatar al perro. Nos deja una secuencia que nos sigue dando muestra de la bondad y dulzura del personaje, quien incrementa aún más esta exhibición de su personalidad benevolente y aparentemente inocente e inofensiva. Y toda esta ingenuidad y sensibilidad diferida por una atmósfera que transmite con su fotografía y ambientación, la oscuridad y tensión de los suburbios de Brooklyn.

Tom Hardy as ÒBobÓ in THE DROP. Photo by Barry Wetcher. Copyright © 2014 Twentieth Century Fox.

Nadia (Noomi Rapace) desligada por completo del oscuro tema central, se encuentra aprisionada en el a causa de su fragilidad y de su pasado. El personaje de Nadia, una chica desconfiada, inestable y seria evoluciona dejando cada vez más muestra de su fragilidad y su sufrido pasado. Nadia es el detonante de la nueva aventura de Bob, la aventura de tener que cuidar un cachorro y ser responsable de alguien, y de lo que este perro arrastrará consigo.

Tom Hardy as “Bob” and Noomi Rapace as “Nadia” in THE DROP. Photo by Barry Wetcher. Copyright © 2014 Twentieth Century Fox.

Me parece especialmente bonita la escena en la que Bob va a recoger el perro a casa de Nadia, y da marcha atrás en el coche después de haber arrancado para decirle, perdido y dubitativo, que nunca ha tenido un perro y no sabe lo que hacer. Bob da muestra de toda su expresividad, enseñándonos una parte claramente inocente tanto con respecto al animal como a su manera de expresar sus ganas de pasar tiempo con Nadia.

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Y sí, como podéis ver, evitando por completo tratar el tema central de la película, puesto que es el más intrigante y sorprendente, aunque totalmente condicionado por las personalidades de estos «afables» protagonistas. Marv (James Gandolfini) es el encargado de recordarnos que no estamos viendo una película romántica. Su presencia triste y sombría y su personalidad áspera y destemplada, de la que empieza dando fe, echándole en cara a Bob que invite a sus fieles clientes por el aniversario de la muerte de un buen amigo del bar o que su banqueta esté ocupada por una vieja clienta indigente.

Tom Hardy as ÒBobÓ in THE DROP. Photo by Barry Wetcher. Copyright © 2014 Twentieth Century Fox.

Slow West – John Maclean

slow-west-poster

SLOW WEST – John Maclean – (2015)

“Lo siento, Romeo mío. Pero a deleites violentos, finales violentos”

Slow West michael fassbender

Jay (Kodi Smit-McPhee) es un joven aristócrata escocés que, en pleno siglo XIX, llega al viejo Oeste americano para emprender un viaje que le permita reunirse con la mujer que ama, Rose Ross (Caren Pistorius). En el camino se cruza con un misterioso y tramposo forajido (Michael Fassbender), que se ofrece a acompañarle en su aventura. (FILMAFFINITY)

Slow West michael fassbender and Kodi Smit-McPhee

Slow West es un western diferente. Trata sobre el destino, la casualidad, el amor y la amistad. Naturaleza, caza recompensas e indios. Y todo muy bañado de una clara influencia del humor negro de los Coen. Sobresale, ante todo, el paisaje. Una naturaleza pura y limpia, perfecta e insuperable. Pero ojo, aunque nuestros personajes principales, se supone que se encuentran en Colorado, este paisaje tan perfecto, diferente a los clásicos terrenos escarpados del Oeste, es de Nueva Zelanda. Y con esto me agarro más aún a la definición de natural y de puro.

Slow West landscape michael fassbender

La historia es narrada desde la experiencia de los inmigrantes, cómo llegaron a América, la pobreza y la violencia que ello conllevaba, dejando a un lado el ensalzamiento de los americanos, junto con flashback que nos relatan cual es la relación entre Jay y Rose.

Slow-West-Movie-2015

Estamos en 1870, Jay Cavendish, es un joven escocés de 17 años, protagonista y pura inocencia. Su visión del nuevo mundo es casi surrealista lo cual es divertido. Viaja por las peligrosas llanuras de Colorado, junto con una guía de viaje para reunirse con su amada, Rose Ross, hasta que se cruza en su camino Silas Selleck, un caza recompensas que creé que le ha tocado el premio gordo. Pero Silas, es el menor de los problemas de Jay. Payne (Ben Mendelsohn) y su banda, buscan los mismo que Silas.

Slow West Ben Mendelsohn

Destacaría esa escena en la que Jay y Silas tras dormir la borrachera al lado del río y despertarse bajo la lluvia, Silas comienza diciendo «Sólo tengo seca la boca» mientras escurren su ropa y Jay haciendo por fin muestra de su ingenio y valía, pide una cuerda a Silas. Ese siguiente plano, para mí maravilloso, en la que Fassbender y el joven Kodi Smit-McPhee andan lentamente a caballo con la ropa tendida de lado a lado, vestidos únicamente con los clásicos calzoncillos de cuerpo entero blancos mientras amanece, y acompañados de para mí una perfecta banda sonora, y en este caso, con el tema de Jay, melodía que se repite durante la película adelantándonos el tono de la secuencia. Y como no, con la naturaleza y el paisaje como marco inmejorable en esta escena, y protagonista principal en toda la película.

Slow West michael -fassbender and Kodi Smit-McPhee

Otra escena, mucho más emotiva para mí, es cuando Jay y Silas están pasando su primera noche, Jay, recalcando su inocencia en este mundo, le habla a Silas sobre su forma de ver la vida. Sobre su fantasía en la que se puede ir a la luna y tal cual como en su mundo real, quienes vayan allí acabarán con los nativos. Silas le dice que no hay indios en la luna.

Slow West landscape michael - fassbender

Uno de los detalles más importantes a mi parecer también, es que es la primera película de este director y músico escocés, John Maclean. Yo al menos, quiero seguir viendo películas de él. Slow West me ha gustado mucho, y creo que cuando le dé un segundo visionado, me gustará aún más…

**Grupo Cine Adictivo, donde dejo mi pequeño grano de arena:  https://www.facebook.com/groups/1432369913689297/?fref=ts