«Una buena fotografía es aquella que comunica un hecho, alcanza el corazón, y deja al espectador como una persona cambiada tras haberla visto.»
Woman with Roses
Irving Pennes el fotógrafo del minimalismo y de la vanguardia, uno de los más grandes del retrato del siglo XX y junto a Richard Avedony Helmut Newtonelevó el mundo de la moda y la publicidad al nivel del arte moderno precursor de la fotografía de moda de hoy en día.
Irving Penn, Young Boy, Pause Pause, American South 1941
Fotógrafo y dibujante, pasando por Harper’s Bazaardonde publicó varios dibujos, o Vogue, imprimiéndose en octubre de 1943 su primera portada, por aquel entonces un bodegón, el trabajo de Irving Pennabarcó seis décadas en las que retrató a algunas de las figuras mas importantes del arte (Alfred Hitchcock, Truman Capote, Salvador Dalí, Miles Davis, Picasso, Martin Scorsese, Al Pacino, entre muchos otros…), tribus de Nueva – Guinea o de África Occidental descontextualizadas de su hábitat, o sus famosos bodegones de los que decía «fotografiar un pastel también puede ser arte«. Lisa Fonssagrives-Pennfue su musa, su esposa, y fue la famosa «Woman With Roses» de 1950, una de las fotografías más representativas de Irving Penn.
Dibujos Irving Penn , Harper’s BazaarPrimera portada de Irving Penn, Vogue octubre 1943
Durante la II Guerra Mundial, Irving Pennfue destinado a Italia, ya liberada del fascismo, donde le asignaron conducir una ambulancia en Roma. En uno de los trayectos, Penn reconoció a Giorgio de Chirico. Frenó la ambulancia, corrió tras el y lo abrazó. Era su héroe, su artista favorito, y para su sorpresa, Chirico lo invitó a comer con el y su esposa. Fue su guía, le enseñó Roma e incitó a Penn a hacer sus primeras fotografías serias.
El «menos es más» era el lema deIrving Penn. Hizo renacer la técnica del platino – paladio: el contraste del blanco y negro, fondos neutros (blancos o grises) y el dominio de la luz eran su sello. Pero el secreto de su arte nacía de su creencia de que lo más importante era capturar el alma.
«Mi lealtad hacia mi hermano es la vara para medirme.»
Legend nos cuenta la historia de los gemelos Kray en la década de los años 50 y 60, dos famosos ex boxeadores y los gangsters más famosos de Londres. Tom Hardyinterpreta a Reggie y a Ronnie Kray. Legend está basada en el libro «The Profession of Violence» de John Pearson y está dirigida por Brian Helgeland (quien en 1998 ganó el Oscar al mejor guión por L.A. Confidential y el Razzie al peor guión por The Postman, y guionista de Mystic River también entre otras… ).
Tom Hardy es la base de todo. Es Reggie y Ronnie. Reggie, el mayor de los hermanos y el que tiene un mínimo de sentido común, se enamora de Frances (Emily Browning) y cuida de su hermano psicópata Ronnie, un esquizofrénico violento y con delirios, impulsivo y abiertamente homosexual (demasiado público para la época). Los dos hermano ascienden hasta lo más alto de la mafia de Gran Bretaña, y Frances, anima a dejar ese mundo a su marido. Tom Hardy interpreta bien a los dos hermanos, de forma que en ningún momento dudas sobre quien es cada uno, ya que tanto la personalidad, el temperamento y las expresiones faciales son diferentes para cada personaje.
Frances, narradora y esposa de Reggie, nos cuenta sobre fiestas privadas con famosos, de que son dueños de los pubs más exclusivos de Londres, iconos Londinenses, todo bajo la excusa de mejorar la vida de su madre de quien ambos son devotos, pero a penas nos deja ver estas muestras de su celebridad. Narración poco estructurada, lenta, sin oscuridad ni crueldad, tan lineal como la personalidad del papel de Frances.
Legend es una buena historia desaprovechada, que deja sensación de que falta algo, de que le falta potencia o de que no acaba de arrancar. De una caída sin ascenso. La caída de estar en lo más alto del poder de la mafia inglesa, se anticipa tanto y se mezcla con la historia de amor entre Frances y Reggie que a penas se nota ese ascenso, cuando han llegado a lo más alto no tienes la sensación de que sea así. Una historia de amor que sobra, o más que sobrar, le quita suciedad a la mafia: falta de sexo, locuras, derrochamiento de dinero, alcohol, drogas y violencia ante todo, lo cual, hace que pierda el encanto del género.
Entre las escenas más destacadas de Legend podríamos nombrar la pelea entre los dos hermanos (Hardy vs Hardy) o la reunión con la Familia Criminal de Philadelphia cuando Ronnie Kray deja boquiabierto a Angelo Bruno hablando sin tapujos de su homosexualidad.
Legend es una muestra más de los méritos propios de Tom Hardy, el actor que siempre gruñe pero impecable en la mayoría de sus papeles. El nuevo Mad Max, pero que ha brillado más aún en películas como Locke, Bronson, Warrior o The Revenant, película por la cual fue nominado a en los Oscar de 2015 como mejor actor de reparto.
La banda sonora de Legend y el tema principal que escuchamos a lo largo de la película en varios momentos es de Carter Burwell, compositor estadounidense de música cinematográfica, colaborador frecuente de los hermanos Coen para quien compuso en la mayoría de sus películas.
La historia de dos hermanos gemelos gangsters, Reggie y Ronnie Kray (interpretados por Tom Hardy), dos de los criminales más famosos en la historia de Londres y el imperio del crimen organizado que crearon en los años 60. (FILMAFFINITY)
Después de un tiempo prudencial, de haber leído tan buenas críticas, y de asumir que los Red Hot Chili Peppers de Californication ya no van a volver, me atreví a escuchar «The Getaway«. De esto que estás trabajando en la tienda y entre el Justin Bieber y la Rihanna suena algo que pareces reconocer… Coñ*! Red Hot… y bajonazo: «Dark Necessities«, empieza poniendo los pelos de punta, abriéndote los oídos con la máxima expectativa de «esto va a explotar», y arranca Anthony Kiedis con sus melodias otra vez, mi pesadilla de «I’m with you«, melodías a las que no le encuentro ni pies ni cabeza, y que hacen que no sea capaz de escuchar con ganas lo que queda de tema…
Cuando una fan acérrima piensa que su grupo preferido ganaría mucho si empezasen a ser solo instrumentales, es un momento muy duro en la vida de un fan, lo mal que lo he pasado… pero lo bueno, ser capaz de aceptarlos y quererlos igual, comprender que el tiempo pasa y hay épocas musicales en la vida de algunos grupos que nunca volverán (y mientras llego a esto me da la sensación de estar en la banda sonora de la película del domingo por la tarde con ese teclado que me deja anonadada en «Dark Necessities«…). Me vuelvo a preguntar porque sigo escuchando esto.. cierto, soy fan, desde que tengo memoria, no queda otra que armarme de paciencia y escucharlos, como cuando tu hijo pequeño esta aprendiendo a tocar un instrumento y por poco que te guste y mal que te suene, hay que apoyarlo y poner buena cara.
A mi no me convence «The Getaway«, me duele y lo reconozco. No voy a hacer una critica de experta musical tema por tema, porque no soporto ese conjunto de palabros, halagos baratos y tiradas de rollo. Conforme lo escuché un par de veces, pasé de soportar un tema a dos… a la tercera escucha pude decir que tiene 3 o 4 temas aceptables del disco. Pero de ahí no he pasado…
«Go Robot» pese a tener poco de la esencia Red Hot, me parece uno de los temas más tragables, donde a mi parecer la melodía de Kiedis encaja por fin con los instrumentos de su banda (en general tengo la sensación con este disco que están muy distante la parte vocal de la instrumental…). Es un tema hasta un poco bailable, comercial, lo justo para ser aceptable por todos los públicos y para recordarnos que los Red Hot Chili Peppers de hace unos 25 años, también eran lo suficientemente comerciales de aquella, como para fliparnos a casi todos. «Go Robot«, junto con «Encore» que me parece un tema bonito, nostálgico, y ambos carne de remix.
La culpa, no es de nadie, ni de mi querido John Frusciante por volar del nido, su marcha lógicamente es notable, pero el mismo se encargó de dejarnos un discípulo a su altura y bien enseñado. La culpa tampoco es de que la banda deje a lo máximo del universo, Rick Rubin (Rubinista a muerte!) encargado de la producción de todos esos DISCAZOS y en mi opinión de guiar a estos señores por el «buen» camino.
Es solo mía por no convencerme su nuevo trabajo, y siempre está bien admirar el hecho de que quieran seguir componiendo y tocando, aunque como buena fan nostálgica, teniendo la discografía completa a mano y discos como «Blood, Sugar, Sex, Magik» o «Californication» más que rayados y aburridos, seguiré echando mano de ellos antes que escuchar lo nuevo.
Por poco que me guste este disco, siempre recordaré a esta banda como mi preferida, la mejor para mí, y la banda sonora de mi vida. El grupo que escuchas con quince años y te montas tus películas sobre tu propia existencia, tu porvenir y tus sueños idealistas de adolescente. Creo que ya no soy adolescente, intento dejar esa etapa (como me dijo una amiga hoy, treinteeneger) pero sigo recordando temas como «Californication«, «I could have lied» o «Scar Tissue» y trasladándome a esos sueños, a mi esencia, que a veces me olvido de ella y a mi American Dream, que por mucho que me pese, me acompañará ala tumba.
¡Por una jubilación placentera mis queridos reyes!
«I could never change
Just what I feel
My face will never show
What is not real»
Naturaleza cruda y en blanco y negro, real e impresionante. Imágenes que pueden causar frio y soledad, los cuales no son más que el reflejo de la esencia de estos parajes, tan visitados hoy en día y tan desconocidos en ese período. Fotografías que nos trasladan a otra época, donde el color de las estaciones se adivina por el análisis de las fotografías y al menos a mi, me causan la sensación de estar explorando algo totalmente nuevo solo viéndolas y sin pisar esos suelos, y siendo hoy en día una estampa clásica de norteamérica.
Ansel Adams, fotógrafo de estadounidense, conocido como el creador del sistema de zonas, técnica de exposición y revelado fotográfico a finales de los años 30. Es el impulsor del parque nacional de Yosemite en Estados Unidos, ubicado a 320 km de San Francisco, tierra natal de Adams, y que cubre un área de 3081 km² y se extiende a través de las laderas orientales de la cadena montañosa de Sierra Nevada. Allí viajo en 1916 por primera vez para dejarnos fotografías históricas sobre este parque, y que son pura esencia de la naturaleza del país por la que tanto lucho el fotógrafo.
Sus imágenes se convirtieron en símbolos de Angloamérica, defendió la naturaleza y los animales, siendo los paisajes el principal asunto de sus fotografías. Fotografió lugares que ya ni existen, y otros siguen existiendo gracias a el y a su afán por salvar estos parajes a través de su trabajo. En un viaje al parque natural de Yosemite en California, Ansel Adams captó en blanco y negro la grandeza de Estados Unidos, reflejando en sus fotos un gran contraste de luces y sombras, sus desiertos áridos, nubes y gigantescos árboles. Y en sus fotografías, muy rara vez, nos encontramos personas. Por este hecho precisamente fue muy criticado. Henri Cartier-Bressondijo sobre Adams: «El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles.». Sus imágenes, son auténticos símbolos de América.
«La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético.» – Ansel Adams (1902 – 1984).
Ansel Adams nació en 1902 en San Francisco, California. Se inició el a fotografía con una cámara Kodak 1 Brownie que le regalaron sus padres. En 1930 conoció al fotógrafo Paul Strand y a su trabajo el cual causó gran impacto en Adams, contribuyendo a distanciarlo del estilo pictorialista y encaminarse hacia la fotografía directa, donde la claridad de la lente es lo más importante, la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques, sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes. Junto a Strand, Imogen Cunningham y Edward Weston entre otros, formaron el grupo «f/64» en 1932, el cual promovió la fotografía directa. La fotografía comenzó a ser considerada como un medio artístico por sí sola y no como una forma de imitar la pintura. Sus fotografías más importantes se caracterizaban por su gran profundidad de campo, su realismo, la composición y el control de las zonas.
Colaboró en 1936 el la organización de la primera sección de fotografía del MOMA, donde conoció al historiador de la fotografía Beaumont Newhall y a la escritora y diseñadora Nancy Newhall con quien publicó más tarde su libro «This is the American Earth«.
En 1939 Ansel Adams expone por primera vez en San Francisco y crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California. Trabajó por encargo para Kodak, IBM y AT&T además de ser fotógrafo en Hasselblady revistas como Time y Fortune. En 1949 se encargó de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroidpara descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.
Autor de numerosos libros sobre fotografía entre ellos la trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia), «Examples: The Making of 40 Photographs» o «This is the American Earth, with Nancy Newhall«. Entre sus obras más destacadas están «Taos Pueblo» (1930), «Sierra Nevada» (1948) y «Yosemite and the Range of Light» (1979)
En 1941 Adams fue contratado para llevar a cabo «El proyecto mural» por el Departamento Interior del Gobierno de EEUU, para llevar a cabo fotos de parques naturales, reservas aborígenes y otros lugares con el fin de ser usadas como fotografías murales del nuevo edificio del Departamento de Washington DC. Su acuerdo fue que podría también hacer fotografías para su propio uso, ocupando su propia película y revelado.
Su famosa fotografía «Moonrise over Hernandez» tuvo su controversia al no quedar claro si pertenecía a Adams o al Gobierno de EEUU, ya que Adams no fue tan meticuloso con el registro de las fechas de sus imágenes. La posición de la luna permitió que la imagen fuera fechada mediante cálculos astronómicos y se determinó que fue tomada el 1 de noviembre de 1941, una jornada que Adams no había trabajado para el Departamento, por la cual, le pertenecía.La misma disputa resultó no ser verdadera en muchos otros negativos. El proyecto se detuvo con la entrada en la Segunda Guerra Mundial de los Estados Unidos en 1942 y nuca fue terminado.
«Encuentra una mujer la mitad de buena que tú y todo te irá bien.»
Mud es una película que consiguió llevarme a surcar el Mississippi mientras la veía. Los escenarios naturales, los pueblos de Arkansas, ecos rurales, la pobreza,la vida en el río y las casas flotantes…
Es la tercera película de Jeff Nichols, la mayor producción rodada en Arkansas, tierra natal del director, quien conoce a fondo la tradición cinematográfica y literaria sureña, y para quien la simplicidad y naturalidad de las localizaciones eran fundamentales para esta historia. Rodada en el Delta de Arkansas, entre Dumas, Crocketts Bluff, Stuggart, Lake Village y Eudora, trata sobre dos chicos de 14 años, Ellis y Neckbone, quienes se encuentran a Mud (Matthew McConaughey) ocultándose en una isla del Mississippi esperando a su amada.
Ellis (Tye Sheridan) nos muestra la perspectiva de «Mud» junto a su amigo Neckbone (Jacob Lofland). Varias historias se funden con la historia central. La relación de Mud y Ellis, protagonistas principales junto al río Mississippi; los últimos años de la infancia y el paso ala adolescencia de Ellis y Neckbone; el divorcio de los padres de Ellis y su temor a tener que dejar su casa flotante en el río…
En las primeros minutos, me vi emocionada con esa escena que nos lleva por primera vez en la película a adentrarnos en la pequeña fantasía e incógnita de misterio, con un ruinoso yate sobre un árbol… La «cabaña en un árbol» soñada por cualquier niño… (para los que tuvimos la suerte de jugar de pequeños en el bosque, o incluso construirla madera a madera, creo esa escena, al menos para mí, es todo un reflejo de la ilusión que pude sentir en aquellos años). Este yate, tesoro encontrado por Ellis y Neckbone, se convierte en tema de negociación cuando descubren a Mud. Para mí, una de las escenas más bonitas.
Con Mud (2012) y Killer Joe (2011), Matthew McConaughey empieza a desencasillarse y resurgir de las cenizas donde se estaba ahogando, siendo en parte el empujón que lo llevo en 2013 a Dallas Buyers Club o El lobo de Wall Street, y a convertirlo en el actor de renombre y respetado de hoy en día (aunque mucha gente sigue sin adorarlo, mi propio alias de facebook deja caer que no aceptaré criticas negativas sobre el (suprafan!!)
Tom Blakenship (Sam Shepard), desde su casa flotante frente a la de Ellis y con su rifle disparando a las serpientes (animal simbólico y metafórico durante toda la película) y una relación con Mud de la que no sabemos nada, pero se intuye también desde los primeros minutos.
Mención también a su banda sonora, con temas de aire countryde David Wingo, Lucero,y esta canción que os dejo aquí que nunca me quitaré de la cabeza, del trío australiano Dirty Three, autores también de más temas de la BSO.
En una isla del Mississippi, dos chicos descubren a un fugitivo llamado Mud. Ha matado a un hombre para proteger al amor de su vida, Juniper, y ahora se oculta de los cazadores de recompensas. Los chicos acceden a ayudarle a reunirse con Juniper y preparar su huida juntos, sin saber que la aparición de Mud significará el fin de sus infancias. (FILMAFFINITY)
Dentro del concepto de mi “sueño americano”, uno de los principales pilares que lo sostienen, es la fascinación que me suele causar la arquitectura del país, la cual es identificativa de los Estados Unidos, pero que a la vez no es más que una mezcla de diferentes estilos arquitectónicos originarios de diferentes países, y técnicas que resultaron innovadoras en sus comienzos creando estilos únicos y que nos crean una imagen de vivienda. Viviendas que hoy en día nos podemos encontrar en cualquier lugar del mundo, pero que me trasladan inevitablemente allí.
Lovell House – Richard Neutra – 1927 / 1929
La industria bélica sienta las bases del desarrollo económico de Estados Unidos, provocando en la posguerra grandes movimientos de personas hacia el sur y el oeste del país. La población de California crece, al tiempo que el estado se convierte en el escenario ideal para la domesticidad soñada durante la guerra, conocida como California Living. Urbanización intensiva mediante suburbios residenciales de casas unifamiliares en parcelas ajardinadas, que configura un nuevo paisaje. Viviendas funcionales, flexibles, integradas en el entorno. California tiene el decorado y las características naturales ideales.
VDL Research House – Richard Neutra – 1932
Irving Gill, Bernard Maybeck, Greene, Rudolf Schindler, Frank Lloyd Wright, Mies Van der Rohe, Richard Neutra, las Case Study House, Arts & Architecture, sientan las bases de la residencia del California Living y del idealizado “sueño americano”
Intentaré ir estudiando poco a poco cada una de las obras más significativas y atractivas, y crearé un mapa con todas estas viviendas que algún día espero poder ver en persona. California Dreaming
Dodge House – Irving Gill 1916Hollyhock House – Frank Lloyd Wright 1921Millard House – Frank Lloyd Wright 1923Gamble House – Greene 1908Casa Nesbitt – Richard Neutra – 1942Kaufmann House – Richard Neutra – 1946Horatio West Court – Irving Gill – 1919Kings Road Schindler House – Rudolf Schindler – 1922Stahl House – Case Study Houses / Pierre Koenig – 1960
El excéntrico agente del FBI Dale Cooper (Kyle MacLachlan) llega a Twin Peaks, una pequeña población montañosa, para investigar el brutal asesinato de la joven y bella Laura Palmer, la chica más popular del instituto de la localidad. Con la ayuda del sheriff del pueblo, el amable Harry S. Truman (Michael Ontkean), el agente Cooper comienza a interrogar a los habitantes del pueblo y va descubriendo poco a poco que muchos de ellos esconden oscuros y misteriosos secretos. (FILMAFFINITY)
Este verano pasado, tras haber descubierto no mucho antes a David Lynch con Mulholland Drive me animé a ver Twin Peaks. En tres días la había devorado y me había convertido en un freak de la serie. Propio de mi, remitirme a las localizaciones: Snoqualmie y el Gran Hotel del Norte levantado sobre la cascada y North Bend (Washington), ambos con un paisaje tan frío como la sensación que causa la propia serie. Casas pequeñas, bosques imponentes, las cataratas… La estética que combina la entrada en los años 90 con el estilo clásico de los 50 (la música de la juke box, la forma de vestir, el motorista rebelde…). Sus localizaciones y ese aire de pueblo maderero, junto con los decorados, y la fotografía en general… podría decir que es lo que más me ha enamorado de Twin Peaks.
De David Lynch podríamos citar y relatar todo su trabajo, o incluso hacer un reto para él… de Mark Frost, haría referencia a Hill Street Blues, la cual no he visto, ni consigo por ningún lado para poder visionar, pero de la que he leído muy buenas críticas, y más con referencia a su época.
La serie se comenzó a rodar en 1989. Fue emitida entre 1990 y 1991, con una primera temporada de 8 episodios y tras su éxito, una segunda temporada de 22. En el episodio piloto nos presentan a los actores, los espacios, los tiempos y nos exponen el emblema de «Quién mató a Laura Palmer?». El asesinato de Laura Palmer rompe la calma de un pueblo aparentemente tranquilo.
Twin Peaks tiene diferentes puntos de vista y cuenta con una dualidad que empieza mismamente por su propio nombre, Twin Peaks. La logia blanca y la logia negra (Sobre las que no profundizaré más por si acaso…). Toda su simbología, la dualidad de los mismos personajes, la corrupción de las «almas puras», sus variopintos líos de parejas y cuernos ofreciéndonos ese toque de culebrón, la investigación policial se añaden el complot por la propiedad del aserradero, el tráfico de drogas de Leo Johnson…
Entre sus personajes principales tenemos Kyle MacLachlan (Agente Cooper) el detective tranquilo y pacífico, con su intuición sobrenatural que le empujaba a seguir pistas a través de sus sueños y códigos), Michael Ontkean (Sheriff Harry S. Truman ) hombre recto y honesto que cree conocer a los habitantes del pueblo a la perfección , Mädchen Amick (Shelly Johnson) La esposa de Leo y camarera del Double R Diner, Richard Beymer (Benjamin Horne) dueño del Gran Hotel del Norte y el almacén de Horne , Sherilyn Fenn (Audrey Horne) hija de Benjamin Horne, Sheryl Lee (Laura Palmer) el leit motiv de la serie, Dana Ashbrook (Bobby Briggs), Lara Flynn Boyle (Donna Hayward)… entre muchos otros
El el agente Dale Cooper, uno de los personajes principales y mi preferido. Parte de la magia de la misma estética de la serie se reduce a las descripciones del agente Cooper grabando para Diane (la gran desconocida…) describiendo el pueblo con todo detalle y de una forma tan correcta y sutil, con frases como “Hazte un regalo todos los días a ti mismo. No lo planees, no esperes por él, solo hazlo” o su historia de amor con Annie Blackburn y ese primer encuentro tan bonito y tierno.
Bob, (con quien sigo teniendo pesadillas y quien no he podido dejar de relacionar con Hanzee, el indio de Fargo (aunque esta segunda temporada de Fargo en general me ha tenido un «aire» muy Twin Peaks) ) el espíritu maligno que también es lechuza; El Enano danzarín y su tan famosa escena, El Gigante (agente de la Logía Blanca), Lady Leño (que no se sabe si está loca o no…), son personajes míticos también que resultan más emblema de la serie que los propios personajes principales.
Con un final que dio mucha controversia, apresurado, de difícil compresión, extraño y que dejó descolocado a casi todo el mundo (yo la que más, que no podía dar crédito a que no me faltase un capítulo más…) y a la vez abierto, este pasado año nos topamos con la sorpresa del anuncio de una tercera temporada de Twin Peaks, sobre la que no he querido investigar mucho… Después de que la serie acabase, apareció la película que contaba lo que había ocurrido los siete días anteriores al asesinato de Laura Palmer, «Twin Peaks: Fire walk with me«, que se centraba en el propio personaje de de Laura y en sus actividades extrañas a las que nos hacen referencia en la serie.
Y aquí, en vez de dejaros el trailer, os dejo esta escena, para que tengáis misteriosos sueños 😉
Aquí te dejamos una selección de las mejores camisetas de Twin Peaks que esperamos que os gusten si sois tan fans de la serie como lo somos nosotros.
The Americans es la herencia de Robert Frank sobre la sociedad estadounidense de la postguerra . Durante dos años viajó por Estados Unidos fotografiando a la sociedad americana. The Americans fue publicado por primera vez en París en 1958 y posteriormente en Estados Unidos en 1959, donde fue juzgada y repudiada por ser considerada ofensiva a su patria cuando se publicó, y hoy en día, es uno de los libros más significativos de la historia de la imagen, convirtiéndose en una referencia al cambiar la manera en que los americanos veían su propio país. Con su familia a cuestas e incidentes en el viaje, recorrió los 48 estados y tomó unas 28.000 fotos de las que selecciono 83 para ser publicadas. Al regresar de su viaje, Robert Frank conoció a Jack Kerouac, a quien le enseño su trabajo y que acabó escribiendo la introducción de la edición estadounidense de The Americans.
Robert Frank emigró de Suiza a Nueva York en 1947, donde encontró su primer empleo en Harper’s Bazaar y arrancó su carrera como fotógrafo. Después comenzó a viajar por América del Sur y Europa, publicando varios libros.
La perspectiva de los Estados Unidos de Frank cambió, siendo evidente en sus posteriores trabajos. El control excesivo de sus editores sobres su trabajo, la ironía de la cultura estadounidense, un lugar a veces triste y solitario, lo empujaron a viajar, trasladándose con su familia a París hasta 1953, cuando regresó a Nueva York y siguió trabajando como fotógrafo para revistas como Vogue o Fortune. En 1955 emprendió su viaje por todo el país, creando The Americans.
Tras su obra culmen, Robert Frank se centró en el cine, rodando «Pull my Daisy«, «Sin of Jesus«, «Keep Busy» y «Candy Mountain«. En 1972 realizó un documental sobre los Rolling Stones, «Cocksucker Blues«, considerado su mejor film. El documental nos muestra a los Rolling durante su gira de 1972 entre drogas y sexo. El grupo demandó a Frank para impedir que se lanzara el documental. Retomó la fotografía con la publicación de su segundo libro «Lines of my hand«, descrito como una autobiografía visual.
Ha dirigido vídeos para artistas como New Order y Patti Smith.
Se trasladó a Nueva Escocia, donde vive como un ermitaño en una antigua cabaña de pescadores, y adquiriendo una reputación de hombre solitario tras la muerte de su hija. Rechaza la mayoría de entrevistas y las apariciones públicas, aunque continua fotografiando. Uno de los mejores fotógrafos de la historia, su obra expresa la realidad, los estados de ánimo y un tono general pesimista.
Diría queThe Wire tiene el peor episodio piloto que ví hasta hoy… una vez masticado, en el segundo estas totalmente enganchado. A mi parecer y al de la gran mayoría de los que la han visto, una de las mejores series, mejor valoradas y que quizás hayan pasado un poco desapercibidas en su momento, a pesar de a día de hoy ser una de esas «series de culto». HBO, una vez más, nos trajo una gran serie (me remito a «A dos metros bajo tierra«, «Hermanos de Sangre«, «Boardwalk Empire«, «Carnivale» , «Los Soprano«… y así, listado interminable de las mejores…).
Superficialmente es una serie policíaca, y sí, tenemos policías y gansters. Pero su «hilo conductor» y no mejor utilizada puede estar esta expresión, son las intervenciones telefónicas judiciales encargadas a un grupo policial. Un poco en profundidad, nos encontramos con una obra muy realista basada en experiencias propias, con personajes verídicos, algunos de ellos, interpretados por ellos mismos. Varios de los actores destacaban lo extraño que era tropezarse en las esquinas de Baltimore con extras de la serie o conocer a las personas que interpretaban.Creada por David Simon, que fue periodista del Baltimore Sun y Ed Burns, quetrabajó en la policía de Baltimore. Sus experiencias en sus respectivos trabajos fueron plasmadas en algunas de las historias de la serie.
Nos situamos en Baltimore, la ciudad más poblada del estado de Maryland, una ciudad llena de violencia, crimen, drogas, marginación y pobreza. Y justo al lado de la capital del país, Washington. Nos la muestran de una forma crítica y fría, que no solo refleja Baltimore, si no que es una representación también del lado más duro de Estados Unidos.
Cada temporada se centra en un aspecto diferente de Baltimore, aunque siempre apuntando al tráfico de drogas. Cada temporada gira y cambia de enfoque, empieza casi de cero, e igualmente al poco de empezar estas enganchado como si de una serie nueva se tratase. En la primera temporada nos encontramos con la lucha entre la policía y los narcos en el distrito oeste; en la segunda estamos en el puerto con el contrabando de mercancias y los sindicatos; en la tercera los políticos; la cuarta el sistema educativo y la con quinta y última, en la prensa escrita y los medios de comunicación
Personalmente la cuarta temporada ha sido la que más me ha marcado y que recuerdo con más intensidad. Una visión muy dura sobre la educación y el sistema educativo en niños desprotegidos y desamparados, y una vez más, demasiado realista. Nos encontramos con niños del gueto, rodeados de droga. O bien la venden, o la consumen, o no tienen familia a causa de ella, o son hijos de drogadictos o determinan su vida a partir de esta. Son los soldados de la mafia, que crecen ilusionados con ser uno de esos gansters, o con ser como Omar (casi agenos a la idea de que pueda existir otro estilo de vida diferente)
Omar Little (Michael K. Williams) es uno de los personajes que más simpatía me ha causado a mi y que se hizo con gran número de fans. Mito urbano, leyenda, el justiciero de Baltimore, con su código propio y que rompe los exquemas de la mafia. Bubbles (Andre Royo) es otro, para mí, de los personajes más entrañables de la serie, un drogadicto que es todo corazón. Es un mendigo y ala vez nuestro guía turístico, que con su carrito de vendedor ambulante, nos enseña Baltimore y toda la atmósfera de la calle de The Wire. También es el artífice de escenas (junto con «mis niños» de Baltimore) que más me ha hecho llorar y más me ha emocionado de la serie (porque he llorado, y mucho…). Podríamos enumerarlos a todos, porque todos tienen una historia detrás, mucha humanidad y que causan una empatía incontrolable, y tendríamos una lista casi interminable
Recuerdo The Wire de un modo trágico, sobrecogedor, triste, pero es una serie que también se cimienta en la intriga, con momentos de humor y ante todo, crítica socail. No es una serie facil, si no que es una serie para pensar, para leer entre líneas y que al menos a mi, también ha conseguido hacerme reflexionar (lo que, para los que habeis leido lo que por aquí dejo, considero fundamental) Y escenas memorables, podría decir que demasiadas para elegir una, pero aquí os la dejo, entrañable y encantadora, esa escena en la que D’Angelo Barksdale da unas clases de ajedrez y ala par de negocio a sus niños de la droga.
Serie de TV de 60 episodios (2002-2008). En los barrios bajos de Baltimore, se investiga un asesinato relacionado con el mundo de las drogas. Un policía es el encargado de detener a los miembros de un importante cártel. La corrupción policial, las frágiles lealtades dentro de los cárteles y la miseria vinculada al narcotráfico son algunos de los problemas denunciados en esta serie. Parece inspirarse en series modernas como «Los Soprano» y en clásicos como «Policías de Nueva York (NYPD Blue)». El creador de la serie fue, durante años, reportero de la crónica negra de Baltimore, y uno de los coguionistas fue policía en la misma ciudad. (FILMAFFINITY)
The Drop (2014) – Michel R. Roskam
[«Hay algunos pecados que cometes de los que no puedes escapar… por mucho que lo intentes no puedes. Es como si el diablo esperase a que tu cuerpo se rinda, porque sabe, sabe que, que ya es dueño de tu alma. Y luego yo creo que puede que el diablo no exista. Te mueres, y Dios te dice, «No! no puedes entrar, tienes que irte, tienes que irte lejos de aquí, y tienes que estar solo, tienes que estar solo para siempre.»»]
Estamos en el Brooklyn nocturno, donde Bob Saginowski (Tom Hardy) es camarero en un bar caja dedicado a canalizar dinero de los gánsteres. Bob trabaja con su primo Marv (James Gandolfini) en el bar y una noche se ven atrapados por un inesperado robo el cual los pone en duda a ellos mismos y a su negocio. Al mismo tiempo, Bob encuentra a un perro en un cubo de basura en la casa de Nadia (Noomi Rapace) una mujer sensible con una enigmática cicatriz en la garganta.
The Drop (La Entrega) es la última película de James Gandolfini y una genial despedida de la pantalla para quien fue nuestro querido, siempre recordado e inolvidable, Tony Soprano. Escrita por Dennis Lehane (escritor de Mytic River, Gone Baby Gone, Shutter Island y guionista de The Wire o Boardwalk Empire). La película es dirigida por el belgaMichael R. Roskam, cuyo debut con Bullhead en 2011 le valió la nominación al Oscar a mejor película extranjera.
El tema central de la película, es el crimen y la mafia los cuales van de la mano con el bien y el mal. Bob (Tom Hardy) es un hombre serio, correcto, trabajador, que cuida a sus clientes y evita los problemas. Bob escucha llorar un perro en el contenedor de Nadia, al cual no duda en acceder para rescatar al perro. Nos deja una secuencia que nos sigue dando muestra de la bondad y dulzura del personaje, quien incrementa aún más esta exhibición de su personalidad benevolente y aparentemente inocente e inofensiva. Y toda esta ingenuidad y sensibilidad diferida por una atmósfera que transmite con su fotografía y ambientación, la oscuridad y tensión de los suburbios de Brooklyn.
Nadia (Noomi Rapace) desligada por completo del oscuro tema central, se encuentra aprisionada en el a causa de su fragilidad y de su pasado. El personaje de Nadia, una chica desconfiada, inestable y seria evoluciona dejando cada vez más muestra de su fragilidad y su sufrido pasado. Nadia es el detonante de la nueva aventura de Bob, la aventura de tener que cuidar un cachorro y ser responsable de alguien, y de lo que este perro arrastrará consigo.
Me parece especialmente bonita la escena en la que Bob va a recoger el perro a casa de Nadia, y da marcha atrás en el coche después de haber arrancado para decirle, perdido y dubitativo, que nunca ha tenido un perro y no sabe lo que hacer. Bob da muestra de toda su expresividad, enseñándonos una parte claramente inocente tanto con respecto al animal como a su manera de expresar sus ganas de pasar tiempo con Nadia.
Y sí, como podéis ver, evitando por completo tratar el tema central de la película, puesto que es el más intrigante y sorprendente, aunque totalmente condicionado por las personalidades de estos «afables» protagonistas. Marv (James Gandolfini) es el encargado de recordarnos que no estamos viendo una película romántica. Su presencia triste y sombría y su personalidad áspera y destemplada, de la que empieza dando fe, echándole en cara a Bob que invite a sus fieles clientes por el aniversario de la muerte de un buen amigo del bar o que su banqueta esté ocupada por una vieja clienta indigente.
“Lo siento, Romeo mío. Pero a deleites violentos, finales violentos”
Jay (Kodi Smit-McPhee) es un joven aristócrata escocés que, en pleno siglo XIX, llega al viejo Oeste americano para emprender un viaje que le permita reunirse con la mujer que ama, Rose Ross (Caren Pistorius). En el camino se cruza con un misterioso y tramposo forajido (Michael Fassbender), que se ofrece a acompañarle en su aventura. (FILMAFFINITY)
Slow West es un western diferente. Trata sobre el destino, la casualidad, el amor y la amistad. Naturaleza, caza recompensas e indios. Y todo muy bañado de una clara influencia del humor negro de los Coen. Sobresale, ante todo, el paisaje. Una naturaleza pura y limpia, perfecta e insuperable. Pero ojo, aunque nuestros personajes principales, se supone que se encuentran en Colorado, este paisaje tan perfecto, diferente a los clásicos terrenos escarpados del Oeste, es de Nueva Zelanda. Y con esto me agarro más aún a la definición de natural y de puro.
La historia es narrada desde la experiencia de los inmigrantes, cómo llegaron a América, la pobreza y la violencia que ello conllevaba, dejando a un lado el ensalzamiento de los americanos, junto con flashback que nos relatan cual es la relación entre Jay y Rose.
Estamos en 1870, Jay Cavendish, es un joven escocés de 17 años, protagonista y pura inocencia. Su visión del nuevo mundo es casi surrealista lo cual es divertido. Viaja por las peligrosas llanuras de Colorado, junto con una guía de viaje para reunirse con su amada, Rose Ross, hasta que se cruza en su camino Silas Selleck, un caza recompensas que creé que le ha tocado el premio gordo. Pero Silas, es el menor de los problemas de Jay. Payne (Ben Mendelsohn) y su banda, buscan los mismo que Silas.
Destacaría esa escena en la que Jay y Silas tras dormir la borrachera al lado del río y despertarse bajo la lluvia, Silas comienza diciendo «Sólo tengo seca la boca» mientras escurren su ropa y Jay haciendo por fin muestra de su ingenio y valía, pide una cuerda a Silas. Ese siguiente plano, para mí maravilloso, en la que Fassbender y el joven Kodi Smit-McPhee andan lentamente a caballo con la ropa tendida de lado a lado, vestidos únicamente con los clásicos calzoncillos de cuerpo entero blancos mientras amanece, y acompañados de para mí una perfecta banda sonora, y en este caso, con el tema de Jay, melodía que se repite durante la película adelantándonos el tono de la secuencia. Y como no, con la naturaleza y el paisaje como marco inmejorable en esta escena, y protagonista principal en toda la película.
Otra escena, mucho más emotiva para mí, es cuando Jay y Silas están pasando su primera noche, Jay, recalcando su inocencia en este mundo, le habla a Silas sobre su forma de ver la vida. Sobre su fantasía en la que se puede ir a la luna y tal cual como en su mundo real, quienes vayan allí acabarán con los nativos. Silas le dice que no hay indios en la luna.
Uno de los detalles más importantes a mi parecer también, es que es la primera película de este director y músico escocés,John Maclean. Yo al menos, quiero seguir viendo películas de él. Slow West me ha gustado mucho, y creo que cuando le dé un segundo visionado, me gustará aún más…
Harry
Sabes que pienso… que eres la chica más guapa que he conocido
Marion
¿En serio?
Harry
Desde la primera vez que te ví.
Marion
Que bonito Harry, eso me hace sentir bien. Porque eso ya me lo habían dicho antes, pero no sentí nada
Harry
Por qué, ¿creías que te tomaban el pelo?
Marion
No, no, no es eso, no.. no sé, no sé si me tomaban el pelo, no me importa, pero para mi no significaba nada, ¿sabes?, y cuando tú lo dices… tiene sentido, lo tiene de verdad
Harry
Creo que alguien como tú haría que las cosas cambiaran para mi.
Este dialogo tiene lugar en una de las que al menos para mí, es de las escenas más bonitas, y tal y como sabemos que es esta película, de las más agradables y dulces. Harry y Marion, cada uno a su lado de la pantalla. Dividimos nuestra atención en dos situaciones diferentes. Primeros planos, los cuales van saltando entre Harry y Marion, y planos detalles, de las caricias que se realizan entre ellos.
Cuando se estrenó la película, en el 2000, sorprendía la crudeza y la forma impactante y visual sobre las adicciones y las drogas, acostumbrados a películas que nos mostraban otro punto de vista sobre el tema, mucho más divertidas y sutiles. (me vienen a la cabeza clásicos como «Miedo y asco en Las Vegas» o «Trainspotting«.) Con primeros planos, nos muestran los efectos negativos de las drogas. Momentos de exaltación sucedidos de un bajón hasta llegar a un desenlace impactante y agónico. La banda sonora se divide en tres épocas, verano (los personajes están felices), otoño (Caída a un pozo sin fondo) e invierno (no hay vuelta atrás)
Yo, a título personal, vi esta película en el 2005 (con 16 años). Más en concreto, la vimos todos los asistentes a la clase de ética. La respuesta que esperaba nuestra profesora estaba clara y la reacción de la gran mayoría fue de impacto y conmoción. Y días después de haberla visto y haber hablado sobre ella en clase, muchos seguíamos pensando en ella, con la banda sonora metida en nuestras entrañas (la cual 10 años después de haberla oído por primera vez, si la escucho, me sigue poniendo los pelos de punta). Posiblemente haya muchas otras películas sobre drogas más transgresoras que «Requiem for a dream«, yo solo soy una principianta en el cine.
Harry (Jared Leto) es adicto a la heroína. Su vida gira en torno a su adicción, una adicción que ha acabado por aislarle del mundo exterior. Junto a su novia Marion (Jennifer Connelly) y su mejor amigo Tyrone (Marlon Wayans), también drogadictos, ha creado un paraíso artificial en el que nada es lo que parece. En busca de una vida mejor, el trío queda atrapado en una espiral de caídas, angustia y desesperación.
La madre de Harry, Sara (Ellen Burstyn), tiene otro tipo de adicción: la televisión. Viuda desde hace años, vive en Coney Island sin más compañía que la de su amado televisor. Sueña con participar en su concurso favorito, y para ello debe perder peso, pues no puede acudir al programa sin su preciado vestido rojo. Su nueva dieta le acaba por atrapar. (SENSACINE)
Cuando Mark Schultz (Channing Tatum), medallista de oro olímpico, es invitado por el rico heredero John du Pont (Steve Carell) a su magnífica mansión para ayudarle a crear un campo de entrenamiento de alto nivel en el que preparar a un equipo para los Juegos Olímpicos de Seúl de 1988, Schultz dice que sí inmediatamente. La razón es que allí espera poder concentrarse en los entrenamientos y evitar así que su hermano Dave (Mark Ruffalo) lo adelante siempre. (FILMAFFINITY)
Me decidí a ver esta peli que hacia un tiempo que tenía por aquí… Poneros en situación de aunque a mucha gente las pelis deportivas no le gustan o le aburren, a mi me molan mucho, a pesar de no hacer deporte en toda mi vida… (ese estereotipo de deporte y patriotismo Americano me hace gracia…)
Son 130 minutos muy largos. El principio se hace muy lento, me llegó a aburrir, y en ciertos momentos pensé que mi televisión de había quedado pillada, pero no, eran silencios largos y escenas muy lentas… diría que evitando ciertas pausas, en las que te quedas dormido perfectamente como estés un poco cansado, sería una peli perfecta de 100 o máximo 110 minutos…. Aun así, una vez pasan los primeros 45 minutos va cogiendo ritmo y ya te ves enganchada al hilo y queriendo saber como continúa la historia…
Lo más destacable a mi parecer, son las interpretaciones… tardé un buen rato en reconocer a Mark Ruffalo, irreconocible… igual que Steve Carrell, que fue un «de que me suena? Quien es??» y cuando me doy cuenta, «ah! Es ese actor de comedia – pasatiempo – americana!» por lo cual, sorpresón ya que nunca había visto ninguna interpretación de este actor sin ser en comedias de ese tipo, y me sorprendió mucho, y gratamente, supongo que el que más. Su personaje, llegó a disgustarme tanto y a cabrearme y hacer que lo odiase casi, que realmente consiguió su propósito. Que igualmente, la sensación de pesar y de condena que se hace a si mismo por ser tan asquerosamente rico y no tener personalidad, y no ser nadie al fin y al cabo, sometido ante la opinión y crítica de una madre que aunque viva, parece un espejo de la misma muerte… es un personaje triste, que puede llegar a causar empatía, y que busca un lugar donde no hay ninguno para el, que no consigue reconocimiento alguno más que pagando… ciertamente es muy triste y patético…
Mark Ruffalo se hace querer, hace querer tener un hermano así de genial como el. Es protección, amor y ternura xD cierta escena, en la que lo graban para el documental y le piden que hable de du Pont, grité por dentro un «no lo digas! Sal corriendo!» y Channing Tatum, protagonista desplazado por la crítica, tan grande y tan frágil a la vez, tan inocente que es imposible no odiar al pijo John du Pont en cierto momento… La dependencia emocional de du Pont ligada a la de Schultz (Tatum) refuerza la impresión de debilidad tras de la fuerza y el dinero. La historia me parece sorprendente, el final me ha impactado, aunque me he quedado igualmente con ganas de venganza (que es una peli…)
A destacar también, según mi gusto personal, las localizaciones…. Filadelfia y Pennsylvania entre otros lugares… Esa atmósfera, mayormente gris y blanca, encaja la historia y crea una senación igual de fría y angustiosa que la propia historia…
Es un personaje, un ídolo, una de las personalidades más influyentes de los últimos 20 años, y es un desconocido para la gran mayoría… Rick Rubin puede ser un nombre que le suene a fans de Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers o Johnny Cash, pero solo unos pocos se han preguntado alguna vez, «¿ese quien es?»
En mi caso, descubrí a Rick Rubin allá por el 2001, cuando llegó a mis manos una biografía de los Red Hot Chili Peppers, de los que soy y era fan absoluta. En ella hablaban de un tal Rick Rubin que había producido en 1991 «Blood, Sugar, Sex, Magik«, en la famosa mansión Houdini (la casa estudio de Rubin en Hollywood Hills) y de como este había cambiado el rumbo de la banda. Rubin guió al grupo a cambiar su sonido, fusión de metal, rap y funk, a añadir un giro melódico y a liberar su música del exceso de reverb y de efectos. Rubin se encontró con «Under the bridge«, un poema de Anthony Kiedis sobre las consecuencias de su adicción a las drogas y animó al grupo a ponerle música. Fue una de las canciones descartadas para el disco por el grupo y terminó convirtiéndose en uno de los éxitos más importantes de la banda y en el corazón del álbum. Ha producido todos los discos de Red Hot Chili Peppers desde «Blood, Sugar, Sex, Magik».
Su papel en el rap actual, es indiscutible, y a mi parecer es casi imposible conociendo su trayectoria, no preguntarse, «¿como habría evolucionado este estilo si Rubin no se hubiese entrometido?» Rick Rubin es historia musical en estado puro, aún sin saber nada de música como él mismo dice… de ahí que, una vez más, no por ser el más virtuoso o el más erudito, eres mejor. La creatividad, la intuición, la percepción, y ante todo, la energía y el dinamismo, son más valiosas, en ocasiones, que cualquier experiencia o formación.
Rick Rubin comenzó su viaje musical en 1982 cuando fundó Def Jam para grabar a su banda, HOSE. Rápidamente se había asociado con Russell Simmons y estaban produciendo “It’s Yours” de T La Rock y Jazzy Jay. Rubin seleccionó los elementos claves de su sonido, la voz y por aquel entonces, la innovadora caja de ritmos Roland TR-808. Fabricaba un ritmo valiéndose de agrupar patrones de un mismo sonido modulados en distintas frecuencias. Consiguió espacio para las voces y los scratches y llevó esta técnica a convertirse en uno de los recursos más utilizados en el hip hop.
Con LL Cool J, el rumbo se centró en crear canciones más cortas, próximas a la idea del pop y la estructura de puente estribillo. Esto llevó a «Radio» a ser uno de los primeros grandes éxitos del hip hop.
Con Beastie Boys y «Licensed to Ill» llegó la gran revolución. Con sólo 23 años llevó el disco a éxito de ventas y número 1. La fusión del hip hop con otros estilos cambió por completo la representación y la concepción del hip hop.
La versión de Run-DMC de la canción «Walk This Way» de Aerosmith con Steven Tayler y Joe Perry colaborando en la misma, junto a su videoclip, fue uno de los mayores éxitos del grupo y consolidó el hip hop en el panorama musical americano.
Run DMC with Rick Rubin and Russell Simmons at The Ritz in New York City on January 28, 1988.
En 1988 tras la producción de “It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back” de Public Enemy, Rubin y Russel Simmons se separaron. Rubin se trasladó a Los Ángeles y creó Def American, centrándose en el rock con grupos como Slayer o Danzing.
“Reign In Blood” de Slayer es uno de los discos de thrash metal más destacado del género. En este caso, el elemento clave de Rubin fue evitar el uso de reverb, unido a sus principios de no permitir que las grandes corporaciones obstaculizaran el proceso creativo y a su ausencia de prejuicios ante temas supuestamente ofensivos. CBS rechazó comercializar el disco y Rubin cambió de sello sin que el grupo supiese nada al respecto.
A comienzos de los 90 Rubin ya era una eminencia, pero su mayor éxito llegó cuando en 1993 propuso a Johnny Cash fichar por su renovado sello American Recordings.
Johnny Cash relanzó su carrera de nuevo junto a Rick Rubin, entusiasmando a sus antiguos fans y convirtiéndose en un icono para el público más joven. Grabaron una caja recopilatorio y cinco discos, basados en versiones de éxitos del propio Johnny Cash, y de otros temas como «One» de U2, «Personal Jesus» de Depeche Mode, «Hurt» de Nine Inch Nails o «Mercy Seat» de Nick Cave, siendo todos éxitos comerciales. El éxito de estos álbumes se debió en parte a que Rubin buscaba un estilo más minimalista en las canciones. Cash grabó el álbum acompañado solo de su guitarra.
Johnny Cash, Tom Petty and Rick Rubin [1996]
Tras el éxito con Johnny Cash, con quien trabajó hasta su muerte en 2003, Rubin se consolidó como la celebridad que resucita y reanima clásicos olvidados, o como el conductor que orienta bandas turbadas y perdidas en su personalidad. Presta atención y juega lo máximo posible con la grabación en crudo, reticente a los adornos, trucos y recursos, lo que potencia la identidad de cada artista.
En 2007 Columbia lo fichó como co-director para que guiara a la empresa. Consiguió uno de los éxitos más importantes de la compañía en unos años, «21» de Adele. Con Columbia en sus manos y acorde con preocupaciones medioambientales, logró que Columbia fuese primer sello en dejar de utilizar plástico en las carcasas de los Cds. Abandonó el sello en 2012 y compró los míticos estudios Shangri-La Studios en Malibú, donde vivió Bob Dylan, Martin Scorsese ródo su documental «The Last Waltz» o Adele había grabado «21».
Venerado por muchos y detestado por casi otros tantos (bandas que rechazó producir, entre otros) es el productor más importante de los últimos 20 años y una de las personas más influyentes del mundo según la revista Time. Sea como sea, su estilo de vida idílico, apasionado y vocacional, es un bonito sueño en el que muchos querríamos participar.
Sebastião Salgado, fotógrafo brasileño autodidacta, ganador de un Príncipe de Asturias de las Artes en 1998 y autor de libros de fotografías como “Éxodos”, “Génesis” o “Terra”.
Nacido en 1944, se dedicó desde 1973 a la fotografía sociodocumental, donde empezó a trabajar para la agencia Gamma con sede en París. En 1979 se unió a Magnum Photos.
En 1994 abandona Magnum y crea su propia agencia, Amazonas Images, en Paris, donde presenta su labor, de la cual destaca la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza.
Suele fotografiar en blanco y negro con cámara Leica y de entre sus fotografías más conocidas están las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil.
“Éxodos” es su libro de fotografía en el cual muestra su trabajo en 1993. En la introducción dice: «Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.» Este proyecto le llevo a 43 países, en todos los continentes, para documentar a las gentes que abandonan el campo hacia las ciudades, la migración internacional, los refugiados y sus duras condiciones de vida.
Su último libro, “Genesis”, el fotógrafo resume en 245 imágenes su periplo de ocho años por algunos de los lugares más extremos del planeta. Es un homenaje a nuestro mundo en estado natural y la búsqueda de los orígenes del planeta que habitamos, que ha evolucionado durante miles de años antes de verse enfrentado al ritmo de la vida actual.
Sebastião Salgado se ha empleado a fotografiar la supervivencia de los desposeídos del mundo, labor que ha plasmado en diez libros y muchas exposiciones y le ha valido numerosos premios en Europa y America.
Siempre llamativas y llenas de color. Probablemente la primera imagen que recuerdo de David LaChapelle fue la portada de Angelina Jolie para Rolling Stone en 2001 coincidiendo con el estreno de Lara Croft: Tomb Rider.
Volviendo al bachillerato, de otra Rolling Stone aproveché imágenes de un reportaje de LaChapelle sobre deportistas extremos para un trabajo de análisis fotográfico. Por esa época también me quedé con su nombre y otro libro enorme que también estaba en el escaparate de mi librería platónica.
Pieta with Courtney Love by David LaChapelle
La carrera de LaChapelle comenzó cuando Andy Warhol lo animó a publicar en la revista Interview, a quien también retrató.
Tiene un estilo reconocible, extremadamente colorido inspirado en el estilo pop-art. Fotografías minuciosas, detallistas, con escenas ficticias y artificiales, planos abiertos, ángulos imposibles, y haciendo de los personajes que fotografía caricaturas.
Couture Consumption by David LaChapelle
Uma Thurman by David LaChapelle
Rape of Africa by David LaChapelle
Would be martyr and 72 virgins by David LaChapelle
David LaChapelle ha trabajado en moda, cine, ha fotografiado portadas de discos para artistas como Madonna o Kylie Minogue, publicidad para innumerables marcas…
Quentin Tarantino by David LaChapelle
Sus imágenes han aparecido en páginas y portadas de revistas como Vogue, Rolling Sonte, i-D, Vibe, Interview, The Face, GQ…
Ha publicado varios libros en los que se muestran colecciones de retratos de celebridades y modelos, su particular visión del paisaje moderno y crítica a los excesos del mundo actual. Ha realizado videoclips para artistas como Moby, dirigido espectáculos como el de Elton John, y ha sido contratado por marcas de roma como H&M para la realización de sus spots comerciales.
Michael Jackson by David LaChapelle
Family Taschen by David LaChapelle
All U Can Eat by David LaChapelle
Los últimos años David LaChapelle dejó la fotografía de moda para crear fotografías contrapuestas a su primera obra conocida por su exagerado estilismo y hedonismo. El artista se ha forjado un estilo único y original. Es uno de los fotógrafos más influyentes, personales y extremos.
After the deluge: Museum by David LaChapelle
Icarus by David LaChapelle
Land Scape: Anaheim by David LaChapelle
God pours life into death and death into life without a drop being spilled by David LaChapelle
Teneis todas las series de fotografía de David LaChapelle en su página web.
En Segundo Episodio os traemos una selección de libros de LaChapelle. Yo, Almita, como friki fan de este artista, tengo bastantes de estos libros y considero que son un verdadero lujo e imprescindibles que no pueden faltar en mi biblioteca de arte.
Con 15 años en clase de “plástica” nos mandaron escoger un artista de entre varios para inspirarnos y preparar un dibujo de un mural. Yo sin conocer ninguno de ellos, cogí el que llamó mi atención de los que allí había, que era Keith Haring. Un año después ya en el bachillerato y paseando por la ciudad, me quedé alucinada cuando vi, en la que después se convirtió en mi librería platónica, un libro enorme en cuya portada aparecía Keith Haring con el cuerpo pintado igual que en uno de sus cuadros. «Photographs: Annie Leibovitz, 1970-1990».
No solo me llamó la atención la portada del libro y sus dimensiones, sino el precio, que rondaba los 2.000€. Lógicamente no me lo pude comprar, pero sí investigar sobre Annie Leibovitz y su trabajo. Una de las primeras imágenes que reconocí fue a portada de Bruce Springsteen y su trasero de Born in the U.S.A., disco que crecí escuchando, entre otras, como la mítica foto de John Lennon antes de su muerte.
A parte de innumerables premios, entre ellos el Principe de Asturias de 2013 de Comunicación y Humanidades, de ser la fotógrafa mejor pagada del mundo, Annie Lebovitz ha trabajado para Rolling Stone, Vanity Fair o Vogue.
En diciembre de 1980, Annie fotografió a John Lennon para Rolling Stone. Los editores de la revista no querían que su esposa Yoko Ono, fuera retratada con él. Annie quería recrear la imagen de la carátula del álbum Double Fantasy de Lennon. Horas después de la sesión, John fue asesinado por un admirador. Finalmente, la fotografía que Rolling Stone publicó el 22 de enero de 1981 en su tapa fue aquella en que Lennon aparece desnudo y acurrucado junto a su esposa completamente vestida.
En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo —y la primera mujer— en exhibir su obra en Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. La muestra, fue seguida por la publicación del libro Photographs: Annie Leibovitz 1970-1990, ese que llamó mi atención hace años.
Si por algo se convirtió en una de mis fotógrafas preferidas, fue cuando vi la serie de Los Soprano este pasado año, y sus fotografías para Vanity Fair. El elenco completo fue reunido por Leibovitz por última vez para la revista debido al término de la serie.
Desde fotografías como las del lecho de muerte de su compañera Susan Sontag, las guerras de Bosnia y Sarajevo, hasta la parte más íntima de los hogares de las celebridades de Hollywood, sus fotografías son tan costosas como las escenas de una gran producción cinematográfica. Es una de las fotógrafas más influyentes del siglo XX.
“Odio las cámaras. Interfieren y siempre se entrometen. Me gustaría poder trabajar con mis ojos solamente.”Richard Avedon (1923 – 2004) – sus fotografías de moda y sus retratos habían ayudado a definir, en Estados Unidos.
Comenzó trabajando para la Marina Mercante en 1942, fotografiando a los miembros de las tripulaciones con una Rolleiflex. En 1950 realizó trabajos de moda para las revistas Harper’s Bazaar, Vogue, Life y Look. Fue el gran fotógrafo de la moda entre los años 60 y 70. Elevó la fotografía de modo al rango de lo artístico.
Durante 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur e los Estados Unidos, colaborando con James Baldwin en el libro Nothing Personal. A finales de los 60 y principios de los 70, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989 viajó a Alemania para documentar la noche en que caía el Muro de Berlín.
En 1979, por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. In The American West, granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo… en fotografías de gran formato, al aire libre y como siempre, con un fondo blanco “El fondo blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su cara; el contiene inexplorado el rostro del ser humano”. No hay nada en ellos del sueño americano o de la tierra prometida. 752 personas fotografió de las que escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984.
“Un retrato no es una semejanza. En el mismo instante en que una emoción o un hecho se convierte en una fotografía deja de ser un hecho para pasar a ser una opinión. En una fotografía no existe la imprecisión. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad”
![Johnny Cash, Tom Petty and Rick Rubin [1996]](https://almadelefantinha.files.wordpress.com/2015/12/johnny-cash-tom-petty-and-rick-rubin-1996.jpg)
SEGUNDO EPISODIO 
